Estoy leyendo “Art Work” de Sally Mann. Fue un empujón después de terminar mi primer fotolibro “MADRE” y empezar con algo nuevo para seguir avanzando con mi vida creativa. “This is a book about how to get shit done”.

Le comenté a mi novia acerca de esta fascinación que tenía por las manos, ella comenzó a moverlas al son de la canción. Fue ahí donde tuve esta “claridad” acerca del lenguaje de nuestro cuerpo.

Si un músico, un pintor o un director de cine deben tomar el tiempo necesario de evolución, maduración de una idea, no debería ser diferente en el caso de la fotografía. No hay prisa, no se está en una carrera, no se está compitiendo con nadie.

Últimamente he aprendido a dejar espacio para la exploración e improvisación. Siento que lo más emocionante ocurre cuando me permito fluir y seguir el instinto. Al mismo tiempo, tengo muy definido lo que no quiero ver en mis imágenes.

Este proyecto ha pasado de mi visión personal, a la visión compartida con otra artista y las ganas de explorar y jugar juntas. Para mí el arte tiene que ver mucho con el juego y recuperar su práctica. 

Tener referentes en el mundo creativo es esencial. Aquellos a quienes admiras y admiras para que te ayuden a generar ideas en las que nunca habías pensado, a veces despertando lecciones de vida que ni siquiera sabías que necesitabas.

Como arquitecto, mi gran reto al tomar fotos es evitar caer en las costumbres a las que vengo acostumbrado a ver en mi profesión. Por eso busco espacios vacíos pero perfectos y encuadres de revista que tengo impresos en mi mente. Aunque a veces caigo en lo que precisamente deseo evitar, me sorprende el resultado cuando lo esquivo.

La creatividad es un camino que se construye de manera individual, pero también de forma colectiva e indirecta. Es crucial mantener la humildad y recordar que las opiniones diversas no invalidan tu trabajo.

Caminando entre abejas acompaño a mi padre en sus exploraciones de campo; hurgo en el álbum familiar rescatando imágenes fotográficas de los trabajos incipientes en la apicultura, y a través de la escritura recupero anécdotas de los recuerdos de mis papás y mis hermanas.

Siempre que trabajo en una nueva expo aprendo mucho a cómo analizar y ver mi propio trabajo, y justo expuse algunas piezas que hablan de la nostalgia, eso que sentimos cuando vemos alguna foto, y el sentimiento de querer volver a ese lugar o ese momento. 

Me acostumbraba a salir a caminar y llevar la cámara, invitaba a mis amigos a salir en las fotos, preguntaba a los vecinos si querían tomarse una foto. Básicamente, cualquier cosa que me impulsara a tomar una foto en lugar de esperar a que me llegara la inspiración.

Desaprendí la necesidad de controlar todo. La película me enseñó que el azar y la intuición pueden ser más poderosos que la precisión. Que un accidente —en la historia o en la vida— puede revelar una verdad que no sabías que estabas buscando.

Lo primero que pensé fue ¿qué historia quiero contar? Al principio no lo sabía. Me quedé en blanco, intentando forzar una idea que no llegaba. Con el tiempo entendí que las historias no se buscan, aparecen cuando menos lo esperas, o a veces son ellas las que te encuentran a ti.

El concepto, a veces, tiende a la pretensión y yo quiero profundamente alejarme de eso. La pretensión es algo que no es. La realidad, en cambio, es lo que es. Una fotografía del transporte público tiene muchas historias. Risas. Llantos. Desesperación. Prisa. Puede ser todo para alguien.

Cada encuentro por pequeño, inesperado o significativo que sea abre la posibilidad de crear universos compartidos. Pienso que cada persona es un planeta habitable con su propia fuerza, ritmo y lenguaje. Exploro lo que sucede cuando esos mundos se encuentran y colisionan.

Existe una importancia en conservar un archivo y revisarlo después de años de ejecutarlo. El proceso de digestión de las imágenes es importante. Verlas a través de los años y confirmar que aún te gustan, y que incluso te gustan más es una experiencia de creación superlativa.

This painting carries a really warm energy. The four shapes represent my client’s four children, and the black form — like a woven net stretched across the canvas, unbreakable and strong — became a symbol of family bonds.

Documentar mis viajes en análogo me conecta de otra manera: siento que es como meditar en movimiento. Cada disparo me obliga a pausar, a observar de verdad y a decidir conscientemente. Y cuando por fin recibo las fotos, es como abrir un regalo: momentos que se sienten aún más valiosos porque no fueron inmediatos.

La sensación de que todo se nos escapa, de que hoy estamos y mañana no sabemos. Esa idea me persigue, pero en lugar de paralizarme me impulsa a capturar. Fotografío para que el instante no se me escape del todo, para recordarme que cada segundo tiene un sentido aunque no lo entienda todavía.

Aprendí el valor de la espontaneidad en mi proceso creativo. Este proyecto no fue planeado; coordiné la sesión de un día para otro y se armó en solo cuarenta minutos. No es necesario un plan meticuloso para crear algo significativo. 

Con el tiempo todo comienza a transformarse. El trabajo que empieza siendo una cosa, muchas veces cambia de rumbo, nos señala nuevas direcciones y, en más de una ocasión, termina siendo mejor que la idea inicial.

La paciencia es clave en todo, tanto en la vida diaria como en lo laboral. Hay que desarrollar el ojo para ver detalles que no todos ven: esa es la diferencia que hace a un profesional.

En la fotografía análoga –como en la roca– lo que comúnmente llamaríamos “error” forma, en realidad, parte de su esencia. No lo puedo controlar todo, este deporte y la cámara me lo recuerdan: saborear el resultado de abrazar lo desconocido. En parte es un poco de aprender a desaprender.

La conversación que hay detrás de mi proceso creativo surge de una pregunta que me hicieron una vez en un seminario: describir en una sola frase cómo quiero que sea mi vida. Respondí que me gustaría vivir cerca del mar, lejos de las multitudes, creando sin envejecer.

He estado trabajando en un “proyecto” personal de volver a lo que me hizo enamorarme de la fotografía en un principio, la fotografía analógica, un proyecto de auto exploración y re-conexión con una mirada más inocente e intuitiva. 

En general esa expo y el cómic se tratan acerca de hacer más cosas buscando simplemente sentirme alineado con mi obra y mis ideas y no depender o buscar feedback de las redes o el internet.

Trabajo en una zine, en donde combino fotografía con pensares. Aprendí a relacionarme con las palabras. La fotografía ha estado ahí para mí desde niña, pero las palabras me han sido más difíciles de plasmar, y sobre todo de compartir. 

La cercanía y lo personal del tema hicieron que tanto la grabación como la edición se volvieran un proceso ligero y honesto. Volví a inspirarme, a confiar en la simplicidad de dejarme llevar, y a recordar que el video es un puente para conectar con lo que realmente resuena conmigo.

He aprendido que indagar en el origen es altamente poderoso. Hay un rush de energía muy fuerte y natural en el acto de explorar las raíces. Descubres cosas que desconocías pero que al mismo tiempo, cuando las conoces te son muy familiares.

Aprendí a valorarme, a separar la realidad de la ficción. Un par de las expos que estoy planeando son una resignificación a expresiones previas, una nueva versión volviendo a visitarlas desde otro lado.