Redescubrí lo divertido que es dejar que las cosas fluyan y lo importante que es darse el tiempo de plasmar ideas personales sin preocuparse demasiado por el resultado. Conforme avanzas, todo empieza a pulirse naturalmente, y ese proceso termina ayudándote a descubrir y domar tu propia voz.

No tengo un proyecto definido en este momento, pero constantemente busco construir un archivo personal con momentos y personas que sé que en algún momento voy a extrañar. Tengo una brújula para tomar esas fotos, y aparece cuando pienso: “En algún momento voy a extrañar esto”.

En 2022 viajé por primera vez a otros países. Ahí decidí fotografiar lo que veía y documentar cómo me sentía utilizando únicamente polaroids. El año pasado regresé a las mismas ciudades, pero completamente sola, encontrándome con una ola de nostalgia y también con un nuevo autoconocimiento.

Cuando uno empieza a dibujar afuera desarrolla una especie de magnetismo por cosas, esquinas, objetos, sombras y luces. Muchas veces no es posible articular por qué algo resulta tan interesante, pero quizá parte de esa atracción queda inscrita en un dibujo y en tu biblioteca mental.

Decidí trabajar a partir de la idea del jamais vu, un fenómeno opuesto al conocido déjà vu, en el que se experimenta una sensación de extrañeza frente a situaciones familiares. Así nació esta serie, donde exploro mi proceso de transformación tras vivir más de un año con depresión posparto.

Desarrollo paisajes que hablan sobre el habitar Oaxaca, su cotidianidad y su entorno. Me interesa mucho documentar mi vida personal y, a partir de ello, desarrollar ideas más generales sobre un momento específico. La soledad y la melancolía también atraviesan ese proceso de descubrir paulatinamente el lugar donde resido actualmente.

Me interesa observar tanto lo que está pasando que empiecen a aparecer cosas mágicas en lo cotidiano. Me gusta pensar que lo que ya existe puede volverse especial si lo miras distinto, y que las personas, incluso en su forma más simple, son enigmáticas y bonitas.

Desaprendí la necesidad de caer bien. Dejé de buscar coherencia y empecé a confiar en la incomodidad. Aprendí que mirar de frente también cansa, pero mentirme cansa más. Este proceso me ha enseñado a dejar que las piezas salgan incómodas, incompletas, incluso contradictorias.

Me gustó mucho esa obsesión medio incómoda de repetir, ensayar y ajustar algo mínimo esperando que esta vez sí funcione. Como si el trabajo fuera una práctica eterna para una situación que nunca termina de llegar.

Una lesión reciente en la mano me llevó a bajar el ritmo, recordándome la importancia de la pausa y el descanso dentro del trabajo creativo. Aunque al inicio fue forzado, con el tiempo aprendí a disfrutarlo, a escuchar más a mi cuerpo y a encontrar valor en la calma.

Trato de sacar nuevas ideas cada semana en Instagram. Mi último proyecto fue en la galería Life is a Picnic en Guadalajara. Es mi segunda exposición y un proceso muy distinto a la ilustración digital, vivido entre ansiedad y emoción. Consumo videos sobre creatividad y enfrento el autosabotaje.

La pintura apareció como una forma de traducir la censura algorítmica en materia: iterar una imagen hasta volverla “permisible” y luego devolverle peso, como si el pigmento pudiera retener el rastro de permisos y omisiones. No ilustro: registro el borde donde la máquina ya no puede decir.

Nos enfocamos en el crecimiento más que en un concepto, construyendo el EP desde el cambio, la intuición y la cohesión. Grabar todo en una semana con el mismo equipo aportó claridad, y aceptar errores permitió refinar lo esencial y lograr una narrativa sonora sólida.

Siempre me ha atraído sentarme: implica confiar y quedarse. Fotografiar en película me enseñó a confiar en cada clic. Mis imágenes fluyen como agua que murmura. Los momentos ocurren una sola vez; se vuelven huellas, no posesiones. No hay un adiós final, solo algo irrepetible.

Me sorprendió darme cuenta, mientras la pintaba, de lo seria que he estado en el último año o dos, y con estas piezas aprendí a volver a divertirme pintando. No podía parar de pintar y, honestamente, podría haber hecho como cuatro exposiciones completas.

Escanear, cortar y etiquetar mis negativos con precisión funciona como un cierre y me prepara para el siguiente rollo. El proceso me reinicia de una forma inesperada, como alcanzar un punto alto en un sendero, mirar atrás y entender con claridad dónde estoy.

Comunicar emociones muy personales: a veces siento que son demasiado íntimas, pero estoy aprendiendo a integrarlas en mi trabajo sin miedos. También aprendí a no forzar la experimentación en proyectos comerciales: el cliente llega por mi estilo. La exploración la llevo a mi trabajo personal.

Hay cosas o escenas que en mi cotidianidad o contexto resultan muy normales y que desde afuera pueden resultar más interesantes. Nunca sabemos quién pueda estar viendo allá afuera y que le llame la atención lo que se hace aquí.

Actualmente estoy trabajando en una serie titulada “Amantes” y en un ciclo de dibujos llamado “Historias interminables”. Ambos son proyectos en curso que exploran las relaciones humanas: entre amantes y amigos íntimos que comparten sus secretos.

Intento no centrarme en el resultado final y simplemente dejarme llevar. Si bien establezco límites con respecto a los temas en sí, dentro de esos límites, estoy aprendiendo a dejar de pensar demasiado en el resultado; en cambio, me concentro en improvisar y confiar en mi mano.

Lo que continuamente aprendo cada vez que me sumerjo en un proyecto con materiales nuevos es a aceptar la incertidumbre y a no aferrarme tanto al resultado que imaginaba. Y paciencia.

Estoy aprendiendo a confiar en el flujo de la creación, a dejar que las ideas fluyan a través de mí sin resistencia y a permitir que la obra encuentre su propia forma. Dejar que la duda silenciosa se desvanezca y permitir que mi trabajo simplemente respire bajo el sol.

El consumo constante de redes sociales termina siendo muy peligroso y contraproducente para los artistas. Por un lado estamos sobreestimulados de imágenes, de cosas que el algoritmo sabe que nos pueden seducir, y por otro aparece la comparación constante con lo que hace el resto.

Mucho de mi trabajo tiene formulaciones estrictas y eficientes pero en este caso hubo cierta ligereza y una aproximación más relajada que obedecía a un diálogo intuitivo con las características materiales de los objetos en cuanto a forma, color, peso, o densidad.

Estoy aprendiendo a ser más paciente, a darles espacio y tiempo a los proyectos. Se trata de encontrar el equilibrio. Algunos de mis mejores trabajos han surgido cuando no le di demasiadas vueltas a las cosas y simplemente me lancé.

Algunas artistas parecen haber sido vistas antes que vividas. En Kati Horna, su nieta Kati Polgovsky Horna la recuerda desde lo cotidiano: casa, presencia, forma de estar. A partir de la exposición “Kati Horna y sus amigos” en la galería Georgina Pounds, surge una lectura desplazada de vida en imágenes.

He aprendido a recopilar muchas referencias para cada proyecto y a sumergirme por completo en el proceso. Me fusiono verdaderamente con lo que hago; a veces me doy cuenta de que, inconscientemente, me visto con los colores de la imagen en la que estoy trabajando.

Existía una gran presión para producir una cantidad tan grande de obras con una fecha límite de envío, y algunas piezas aún se estaban secando cuando salieron del estudio. Requirió mucha disciplina y confianza en mi proceso.

Tomarme autorretratos es una práctica que empezó sin que me diera cuenta y que nunca había compartido hasta ahora. Ha sido una forma de conocerme a mí misma, en mis momentos más vulnerables e incluso juguetones. Es como mirar atrás y darme cuenta de todas las vidas que he vivido.

Aprendo a confiar en mis errores y a incorporarlos como parte de mi obra. Trato de no pensar demasiado mientras dibujo y me dejo llevar por el estado de ánimo que me habita en ese momento.