Todo mi proceso fue de gran aprendizaje. Durante el desarrollo de mi proyecto inicial experimenté una de las pérdidas más significativas en mi vida, abriendo heridas pasadas y recordando que aún tengo mucho por reflexionar y comunicar al respecto.

Debes estar atento a los símbolos que puedes encontrar. No porque sean una manifestación del porvenir o porque el efecto que pueden ejercer sobre nosotros sea de naturaleza supersticiosa, sino porque son una manifestación de lo que hay dentro de uno mismo. De los procesos que acontecen en el interior.

Aprendí a pensar un poco más en las tomas que quiero hacer y, al mismo tiempo, a desaprender la necesidad de buscar la imagen perfecta cuando trabajo en un proyecto así. Creo que cuando uno piensa menos, el trabajo termina siendo más coherente de forma natural.

Las mejores fotos que he tomado son las que no fueron planeadas, o las que fueron improvisadas. Ya sea que una lámpara falló, si en la sesión no se está cumpliendo la idea original, o si mi espacio estaba limitado. Las fotografías no tienen que ser perfectas todo el tiempo.

Para mí, la fotografía ocurre en el encuentro. Cuando el otro se siente visto, escuchado y en calma, la imagen se vuelve más honesta. Mi trabajo busca habitar ese umbral entre lo documental y lo íntimo, donde la luz, el tiempo y la presencia construyen una narrativa silenciosa.

Siempre me han llamado mucho la atención las técnicas artesanales y la importancia de mantenerlas vivas a través del conocimiento generacional. Estuve unas semanas en Oaxaca y San Luis Potosí visitando algunas fábricas de mezcal, y tuve la fortuna de fotografiar a los maestros mezcaleros en todo su proceso.

Varias de mis ideas las tomo de frases que leí, sueños o lugares con los que doy por casualidad. Un sueño recurrente que tengo es ir corriendo sin poder detenerme, temiendo haberme perdido algo impresionante.

Me he dedicado a fotografiar lo que a mí me gusta llamar “mi camino de vida”. Todo lo que me inspira es mi cotidianidad: mis amigos, mi trabajo, mis viajes; lo que considero importante para mí.

Las cosas buenas toman tiempo. Yo era una persona a la que le gustaba ver resultados rápidos. Trabajé en este proyecto durante cuatro años y, al principio, estaba muy estresada. Por suerte, tuve un gran mentor que me convenció de que, si seguía trabajando y fotografiando, algo valioso terminaría surgiendo.

Definitivamente aprendí es a tener paciencia y ser constante. Llevo haciendo esto desde 2006, y creo que, después de muchas puertas cerradas, en estos últimos años estoy recién empezando a ver los frutos de casi dos décadas de trabajo como fotógrafo.

Me di cuenta de que me falta mucho por aprender; mi visión, o mi “ojo”, está cambiando todo el tiempo. Siempre puedo mejorarlo, destruirlo o hacer lo que yo quiera, porque creo que el arte se trata de eso.

Crear, para mí, es un acto de amor (hacia una misma, sobre todo). Y siento cierta responsabilidad en mantenerme en una frecuencia que me permita hacerlo con el mínimo de interferencias y conectando con el juego y el placer.

Me encanta crear, me pregunto por qué no puedo hacerlo todo el tiempo. A veces tengo tantas ideas en la cabeza que se vuelven ruido y es complicado darles forma. La inspiración también necesita pausas, no siempre se trata de producir, sino de dejar espacio para que las cosas aparezcan.

Pienso en la identidad y en la raíz. En la urgencia de volver a contar desde lo que somos. Me interesa un cine con alma mexicana, con mística, con historia; un cine que no copie lenguajes ajenos, sino que descubra su propio territorio.

La inseguridad: esa sensación de no sentirse lo suficientemente bueno o de consumir más de lo que se crea. En plataformas como TikTok o YouTube hay muchísima gente creativa y es inevitable compararse; a veces eso desanima.

Con mi cámara analógica intento registrar fragmentos de la vida que suelen pasar desapercibidos: una luz que se posa en una banqueta, gente que pasa y silencios que se esconden en las calles. Es un diario visual que se convierte en una forma de resistencia frente al olvido.

Rara vez me he acercado a la foto con un fin en mente; ha sido algo que me ha acompañado en mudanzas, relaciones, viajes, caminatas y duelos. Una manera de mantener registro. Un medio con el que he aprendido a darle lugar al azar, al juego y al error.

He aprendido a agradecer y a estar siempre preparado para cada oportunidad, a dar más de lo acordado y a mantenerme fiel a mi visión y principios. Y he desaprendido a dudar del proceso: confiar en él ha sido esencial.

Aunque uno estudie la técnica y busque el control, la película siempre guarda un misterio. La imagen se crea por sí sola, a su ritmo, en su tiempo. Y no importa cuánto planifiques, no sabrás realmente qué capturaste hasta que revelas.

Aprendo mucho de verme y reverme, de reeditar material. Hoy, “material viejo” puede ser de algunos meses; es una locura, todo va demasiado rápido. Parar a mirar lo que se hizo antes, tener la posibilidad de tenerle aprecio y ver en qué puede o no mutar con una nueva edición.

Estamos en un mundo repleto de archivos digitales que no volvemos a ver nunca, y que se acumulan en lo profundo de los algoritmos o de nuestros dispositivos. He aprendido a tomar fotos con intención y contemplación, no solo para crear más contenido. 

La edición no es un paso posterior, sino una parte central del proceso. Es un trabajo delicado que define el sentido final de las imágenes y exige tanta atención como la toma de la foto.

Al final, ¿en dónde queda la pertenencia? Todo se convierte en un ciclo y la pertenencia se vuelve pasajera: nada permanece. “Las personas se convierten en lugares y los lugares en personas”.

Me inspiran los artistas que transmiten emociones reales y te transportan a su mundo. Por unos segundos se te olvida tu realidad y entras a la suya. Convierten momentos simples en algo que se siente profundo, íntimo y cinematográfico.

Hace unos meses, pisé por primera vez un cuarto oscuro. Se sintió como estar dentro de un vientre compartido, creando vida a tientas, entre el olor a químicos, la danza del revelado y alarmas recordándonos que el tiempo existe.

Amo la imagen, pero a veces me preocupa caer en la superficialidad de presentar únicamente “fotografías bonitas”. Para mí, el contexto tiene tanto valor como lo técnico, y me tengo que recordar constantemente que una no excluye a la otra.

Creo que para ser un buen fotógrafo/a es importante vivir; no se trata de disparar todo el tiempo, es importante experimentar nuevas cosas y así, abrirse a nuevas miradas. De vez en cuando en estos espacios me nace disparar, crear, pero sin premura, simplemente porque la vida lo permite.

Creo que lo que más me mueve a fotografiar es la sensación de que lo que estoy viendo está a punto de terminar, de desvanecerse, de desaparecer y ya no volverá. No lo vivo como algo trágico, sino como una necesidad casi visceral de conservarlo, de hacerlo mío.

Usando el flash, separo momentos específicos del contexto de fiestas, buscando darle un aire surreal y teatral a la escena. Con tintes macabros, irónicos y surreales.

Entendí que exigirse demasiado es súper cansado y contraproducente, y por eso ahora trato de dejarme respirar a mí y a mi trabajo. La inspiración llega cuando tiene que y parte de ser artista es saber respetar ese espacio.