Toda actividad es mejor si te diviertes en el momento de realizarla. Puedes montar sets con luces, cámaras y vestuario, pero si no te lo tomas con la ligereza necesaria, a veces simplemente no saldrá. No debo hacer las cosas esperando un resultado si no me permito disfrutar del proceso.

Esa voz que insiste en decirme que nada de lo que hago tiene valor, que todo está visto, que alguien más lo hará mejor que yo. Aprender a convivir con ella —y a no dejar que tome el control— ha sido uno de mis retos más grandes.

Intento capturar emociones y fragmentos de mi memoria, tratando de recrear recuerdo. El proceso creativo no se mide por la perfección, sino por lo que deja en uno. Fui dura conmigo misma, ciega ante lo que sí funcionaba, hasta que aprendí a ver belleza en lo imperfecto.

Me ayudó tener tiempo de sobra para pensar, observar películas y revisar los trabajos que habían filmado otros compañeros; eso me permitió entender cómo podía contar una historia con los pocos recursos que disponía en ese momento.

He estado trabajando en una serie sobre el Habitar, con fragmentos de hogares que podrían pertenecer a cualquiera, invitando al espectador a conectar con su propio espacio. Entre disciplina y descanso, disfruto el proceso creativo y la inspiración surge de la cotidianidad y de conversaciones con otros artistas.

Aprendí a observar de nuevo con calma, desde la curiosidad, la contemplación, el juego y el diálogo con el entorno y el contexto. Aún siento esa emoción al tomar la cámara y salir a la calle sin saber qué encontraré.

Pasar largas horas trabajando y experimentando en el cuarto oscuro, algo que hacía años no hacía. Me reenamoré del error, de lo inesperado, de lo irrepetible. Reconecté con la memoria del cuerpo y el movimiento en la oscuridad, así como con la pérdida de la noción del tiempo.

He estado aprendiendo a no dejar que mi cabeza me sabotee y a aventarme a intentar las cosas que más me dan miedo. He tenido oportunidades de trabajar en proyectos donde temía fallar, pero hoy agradezco mucho haberlas tomado porque he aprendido mucho en este camino.

Lo que más ronda en mi cabeza al tomar fotos siempre es la nostalgia. Mucho de lo que fotografío son cosas que veía de pequeño o hace años, que ahora veo con mucho cariño y amor.

Pareciera que en un mundo que va tan rápido, un reto como creativo es encontrar esos espacios y tiempos para crear. Para mí, crear es algo ritualístico que tiene que tener un proceso. Encontrar esa inspiración, esas ganas donde todo fluye, puede ser complejo.

He aprendido que el equilibrio es fundamental: poder dedicar tiempo a los proyectos propios no solo alimenta mi creatividad, sino que también mantiene mi motivación y pasión por lo que hago. Entender mis límites y priorizar mi crecimiento personal ha sido un aprendizaje constante.

Muchas veces siento que mi trabajo no es lo suficientemente bueno. Con los años he aprendido a reconocer esos pensamientos y a no darles demasiado peso. Salir a tomar fotos se ha vuelto una forma de rebeldía contra ellos: no tomarse todo tan en serio y simplemente mostrar momentos reales.

Después de tener un año el cual me gusta resumir como “de mucho aprendizaje”, volver a nuestras raíces, reconectando con un crew con el que hace años no trabajábamos y tampoco filmábamos en nuestro hogar, Hermosillo, Sonora, fue como un abrazo al corazón.

Desde hace un tiempo, estoy trabajando en una serie que combina elementos de fantasía, oníricos y con un aire de gótico sureño, llamada ‘ængelical Gëist’. Me gustaría que este año tomara forma física, tal vez en un zine o en una exposición/instalación.

La palabra memoria, porque siempre que tomo una foto es para recordar o conservar un momento. La memoria siempre será un recurso poderoso contra el olvido, y como es posible olvidar, tenemos imágenes para hacer memoria.

Mi relación con la inspiración es móvil: hay trabajos que me acompañan durante un tiempo y luego dejan de hacerlo. Me interesa más observar cómo cambian las miradas, cómo se transforman los lenguajes y cómo los procesos creativos también mutan con el tiempo.

He estado reflexionando mucho sobre la temporalidad de la imagen y sobre cómo la distancia es un factor importante para leerla. No solo la distancia física, también el distanciamiento crítico que se genera con el paso del tiempo, con la materialidad del formato y el medio.

Creo que es importante saber diferenciar entre lo que se está viviendo y lo que se está registrando, sentirnos seguros de que detrás de la imagen también existe una eterna memoria que se convertirá en el verdadero símbolo de esa fotografía.

Últimamente he estado trabajando en un proyecto que conlleva la realización de cianotipia llamado Cocol, como el pan dulce mexicano. Por otro lado, sigo realizando imágenes que contienen como temática el cuerpo femenino, además de un tema que he trabajado en estos últimos dos años: la infancia.

Surgieron muchas preguntas: ¿hasta dónde hemos contribuido al lenguaje fotográfico?, ¿la fotografía debe apegarse al programa de la representación por el hecho de ser una herramienta óptica?, ¿cuáles son los límites de la mímesis, la realidad y la verdad? Aprendí que, para ampliar su lenguaje, había que prescindir de la óptica.

Todo mi proceso fue de gran aprendizaje. Durante el desarrollo de mi proyecto inicial experimenté una de las pérdidas más significativas en mi vida, abriendo heridas pasadas y recordando que aún tengo mucho por reflexionar y comunicar al respecto.

Todos perseguimos algo cuando tomamos una foto. Para mí, busco algo íntimo, una cercanía que se pueda sentir a través de la imagen. Creo que las imágenes que evocan esta emoción son con las que más conecto, y me gusta pensar que todo mi trabajo tiene este aspecto.

Aprendí a pensar un poco más en las tomas que quiero hacer y, al mismo tiempo, a desaprender la necesidad de buscar la imagen perfecta cuando trabajo en un proyecto así. Creo que cuando uno piensa menos, el trabajo termina siendo más coherente de forma natural.

Las mejores fotos que he tomado son las que no fueron planeadas, o las que fueron improvisadas. Ya sea que una lámpara falló, si en la sesión no se está cumpliendo la idea original, o si mi espacio estaba limitado. Las fotografías no tienen que ser perfectas todo el tiempo.

Debes estar atento a los símbolos que puedes encontrar. No porque sean una manifestación del porvenir o porque el efecto que pueden ejercer sobre nosotros sea de naturaleza supersticiosa, sino porque son una manifestación de lo que hay dentro de uno mismo. De los procesos que acontecen en el interior.

Para mí, la fotografía ocurre en el encuentro. Cuando el otro se siente visto, escuchado y en calma, la imagen se vuelve más honesta. Mi trabajo busca habitar ese umbral entre lo documental y lo íntimo, donde la luz, el tiempo y la presencia construyen una narrativa silenciosa.

Siempre me han llamado mucho la atención las técnicas artesanales y la importancia de mantenerlas vivas a través del conocimiento generacional. Estuve unas semanas en Oaxaca y San Luis Potosí visitando algunas fábricas de mezcal, y tuve la fortuna de fotografiar a los maestros mezcaleros en todo su proceso.

Varias de mis ideas las tomo de frases que leí, sueños o lugares con los que doy por casualidad. Un sueño recurrente que tengo es ir corriendo sin poder detenerme, temiendo haberme perdido algo impresionante.

Definitivamente aprendí es a tener paciencia y ser constante. Llevo haciendo esto desde 2006, y creo que, después de muchas puertas cerradas, en estos últimos años estoy recién empezando a ver los frutos de casi dos décadas de trabajo como fotógrafo.

Las cosas buenas toman tiempo. Yo era una persona a la que le gustaba ver resultados rápidos. Trabajé en este proyecto durante cuatro años y, al principio, estaba muy estresada. Por suerte, tuve un gran mentor que me convenció de que, si seguía trabajando y fotografiando, algo valioso terminaría surgiendo.