Escanear, cortar y etiquetar mis negativos con precisión funciona como un cierre y me prepara para el siguiente rollo. El proceso me reinicia de una forma inesperada, como alcanzar un punto alto en un sendero, mirar atrás y entender con claridad dónde estoy.

Comunicar emociones muy personales: a veces siento que son demasiado íntimas, pero estoy aprendiendo a integrarlas en mi trabajo sin miedos. También aprendí a no forzar la experimentación en proyectos comerciales: el cliente llega por mi estilo. La exploración la llevo a mi trabajo personal.

Hay cosas o escenas que en mi cotidianidad o contexto resultan muy normales y que desde afuera pueden resultar más interesantes. Nunca sabemos quién pueda estar viendo allá afuera y que le llame la atención lo que se hace aquí.

Actualmente estoy trabajando en una serie titulada “Amantes” y en un ciclo de dibujos llamado “Historias interminables”. Ambos son proyectos en curso que exploran las relaciones humanas: entre amantes y amigos íntimos que comparten sus secretos.

Intento no centrarme en el resultado final y simplemente dejarme llevar. Si bien establezco límites con respecto a los temas en sí, dentro de esos límites, estoy aprendiendo a dejar de pensar demasiado en el resultado; en cambio, me concentro en improvisar y confiar en mi mano.

Lo que continuamente aprendo cada vez que me sumerjo en un proyecto con materiales nuevos es a aceptar la incertidumbre y a no aferrarme tanto al resultado que imaginaba. Y paciencia.

Estoy aprendiendo a confiar en el flujo de la creación, a dejar que las ideas fluyan a través de mí sin resistencia y a permitir que la obra encuentre su propia forma. Dejar que la duda silenciosa se desvanezca y permitir que mi trabajo simplemente respire bajo el sol.

El consumo constante de redes sociales termina siendo muy peligroso y contraproducente para los artistas. Por un lado estamos sobreestimulados de imágenes, de cosas que el algoritmo sabe que nos pueden seducir, y por otro aparece la comparación constante con lo que hace el resto.

Mucho de mi trabajo tiene formulaciones estrictas y eficientes pero en este caso hubo cierta ligereza y una aproximación más relajada que obedecía a un diálogo intuitivo con las características materiales de los objetos en cuanto a forma, color, peso, o densidad.

Estoy aprendiendo a ser más paciente, a darles espacio y tiempo a los proyectos. Se trata de encontrar el equilibrio. Algunos de mis mejores trabajos han surgido cuando no le di demasiadas vueltas a las cosas y simplemente me lancé.

Algunas artistas parecen haber sido vistas antes que vividas. En Kati Horna, su nieta Kati Polgovsky Horna la recuerda desde lo cotidiano: casa, presencia, forma de estar. A partir de la exposición “Kati Horna y sus amigos” en la galería Georgina Pounds, surge una lectura desplazada de vida en imágenes.

He aprendido a recopilar muchas referencias para cada proyecto y a sumergirme por completo en el proceso. Me fusiono verdaderamente con lo que hago; a veces me doy cuenta de que, inconscientemente, me visto con los colores de la imagen en la que estoy trabajando.

Existía una gran presión para producir una cantidad tan grande de obras con una fecha límite de envío, y algunas piezas aún se estaban secando cuando salieron del estudio. Requirió mucha disciplina y confianza en mi proceso.

Tomarme autorretratos es una práctica que empezó sin que me diera cuenta y que nunca había compartido hasta ahora. Ha sido una forma de conocerme a mí misma, en mis momentos más vulnerables e incluso juguetones. Es como mirar atrás y darme cuenta de todas las vidas que he vivido.

Aprendo a confiar en mis errores y a incorporarlos como parte de mi obra. Trato de no pensar demasiado mientras dibujo y me dejo llevar por el estado de ánimo que me habita en ese momento.

Mientras estaba en la grúa construyendo la pieza final, tomé decisiones estéticas de la pieza, pensaba en lo interesante que es cómo muchos artistas contemporáneos hacen unos dibujos y mandan a fabricar sus piezas. Siento que se pierden momentos muy creativos durante la producción de la pieza.

Últimamente tengo la nostalgia como una emoción latente, antes me parecía que era algo malo, pero con el tiempo entiendo que no está del todo mal, me encanta recordar el pasado, mis amigos de la escuela de diseño y esos años.

La fotografía analógica es un vaivén de emociones y frustraciones. La paciencia es la mayor virtud para este aprendizaje. De tanto error uno entiende más cómo funciona y la verdad es un sentimiento tan enriquecedor, aunque puede llegar a ser desalentador.

Trabajar con papel y fotografías impresas es un proceso de aprendizaje continuo. Desarrolla mis habilidades de composición, mi sentido del color y mi creatividad en general.

Siempre he estado obsesionada con épocas pasadas. Los autos, la moda, la música, la forma en que hemos evolucionado. Pero, más que nada, me atrae la arquitectura.