La fotografía dejó de ser el fin y se convirtió en un puente. Descubrí que lo que realmente mueve al mundo es la conexión, el sentido de pertenencia y el amor que nos damos unos a otros. Antes que fotografiarlo todo, hoy prefiero vivirlo.

La intuición es todo. Lo lancé en abril porque fue la primera vez en seis años en la que sentí que, si no sacaba el disco ya, estaba dejando pasar demasiado tiempo. Necesité hacerle caso a esa voz que me decía que el álbum ya había cumplido su ciclo.

Redescubrí lo divertido que es dejar que las cosas fluyan y lo importante que es darse el tiempo de plasmar ideas personales sin preocuparse demasiado por el resultado. Conforme avanzas, todo empieza a pulirse naturalmente, y ese proceso termina ayudándote a descubrir y domar tu propia voz.

No tengo un proyecto definido en este momento, pero constantemente busco construir un archivo personal con momentos y personas que sé que en algún momento voy a extrañar. Tengo una brújula para tomar esas fotos, y aparece cuando pienso: “En algún momento voy a extrañar esto”.

En 2022 viajé por primera vez a otros países. Ahí decidí fotografiar lo que veía y documentar cómo me sentía utilizando únicamente polaroids. El año pasado regresé a las mismas ciudades, pero completamente sola, encontrándome con una ola de nostalgia y también con un nuevo autoconocimiento.

Cuando uno empieza a dibujar afuera desarrolla una especie de magnetismo por cosas, esquinas, objetos, sombras y luces. Muchas veces no es posible articular por qué algo resulta tan interesante, pero quizá parte de esa atracción queda inscrita en un dibujo y en tu biblioteca mental.

Decidí trabajar a partir de la idea del jamais vu, un fenómeno opuesto al conocido déjà vu, en el que se experimenta una sensación de extrañeza frente a situaciones familiares. Así nació esta serie, donde exploro mi proceso de transformación tras vivir más de un año con depresión posparto.

Desarrollo paisajes que hablan sobre el habitar Oaxaca, su cotidianidad y su entorno. Me interesa mucho documentar mi vida personal y, a partir de ello, desarrollar ideas más generales sobre un momento específico. La soledad y la melancolía también atraviesan ese proceso de descubrir paulatinamente el lugar donde resido actualmente.

Me interesa observar tanto lo que está pasando que empiecen a aparecer cosas mágicas en lo cotidiano. Me gusta pensar que lo que ya existe puede volverse especial si lo miras distinto, y que las personas, incluso en su forma más simple, son enigmáticas y bonitas.

Desaprendí la necesidad de caer bien. Dejé de buscar coherencia y empecé a confiar en la incomodidad. Aprendí que mirar de frente también cansa, pero mentirme cansa más. Este proceso me ha enseñado a dejar que las piezas salgan incómodas, incompletas, incluso contradictorias.

Me gustó mucho esa obsesión medio incómoda de repetir, ensayar y ajustar algo mínimo esperando que esta vez sí funcione. Como si el trabajo fuera una práctica eterna para una situación que nunca termina de llegar.

Una lesión reciente en la mano me llevó a bajar el ritmo, recordándome la importancia de la pausa y el descanso dentro del trabajo creativo. Aunque al inicio fue forzado, con el tiempo aprendí a disfrutarlo, a escuchar más a mi cuerpo y a encontrar valor en la calma.

Trato de sacar nuevas ideas cada semana en Instagram. Mi último proyecto fue en la galería Life is a Picnic en Guadalajara. Es mi segunda exposición y un proceso muy distinto a la ilustración digital, vivido entre ansiedad y emoción. Consumo videos sobre creatividad y enfrento el autosabotaje.

Painting emerged as a way of translating algorithmic censorship into matter: iterating an image until it becomes “permissible,” then giving it weight again, as if pigment could retain the trace of permissions and omissions. I do not illustrate; I document the edge where the machine can no longer speak.

We focused on growth rather than concept, shaping the EP through change, instinct, and cohesion. Recording everything in one week with the same team brought clarity, while embracing mistakes allowed us to refine what truly worked and build a strong, balanced sonic narrative.

I’ve always been drawn to sitting—it implies trust, a willingness to stay. Shooting on film taught me to trust each click. My images flow like murmuring water, blending quietly. Moments happen only once; they become traces, not possessions. There’s no final goodbye, only something that never repeats.

I was surprised to realised while painting it how serious I've been for the last year or two, and with these pieces I learned how to have fun painting again. I couldn't stop painting and honestly I could have painted about four exhibitions worth of work.

Scanning, cutting and labeling my negatives accurately acts as a bookend and sets me up for the next roll. The process resets me in a way I didn't expect, maybe it's the clarity that comes from looking around and taking stock of where you're at.

Communicating very personal emotions: sometimes I feel they're too intimate, but I'm learning to integrate them into my work without fear. I've also learned not to force experimentation in commercial projects: clients come to me because of my style. I bring that exploration to my personal work.

There are things or scenes that seem very normal in my daily life or context, but from the outside they can seem more interesting. We never know who might be watching out there and be intrigued by what's happening here.

I’m currently working on a series titled “Lovers” and a cycle of drawings called “Never-Ending Stories”. Both are ongoing projects that explore human relationships—between lovers and close friends who share their secrets with one another.

I try not to focus on the final result and simply go with the flow. While I do set boundaries regarding the subjects themselves, within those limits, I’m learning to stop overthinking the outcome - instead, I focus on improvising and trusting my hand.

What I continually learn each time I immerse myself in a project with new materials is to accept uncertainty and not cling so tightly to the outcome I imagined. And patience.

I’m learning to trust the flow of creation, to let ideas move through me without resistance and to allow the work to find its own shape. Letting the quiet doubt fall away and allowing my work to simply breathe in the sun.

Constant social media use ends up being very dangerous and counterproductive for artists. On the one hand, we are overstimulated by images, by things that the algorithm knows can seduce us, and on the other hand, there is constant comparison with what everyone else is doing.

Much of my work has strict and efficient formulations, but in this case there was a certain lightness and a more relaxed approach that obeyed an intuitive dialogue with the material characteristics of the objects in terms of shape, color, weight, or density.

I am learning to take a step back, go for a walk or even sleep over a project. I'm learning to be more patient with things. To give projects space and time. But in the end it's such a balance you have to find in it. Some of my best work has been when I didn't overthink anything and just put myself out there.

Some artists seem to have been seen before they were experienced. In the case of Kati Horna, her granddaughter Kati Polgovsky Horna remembers her through the everyday: her home, her presence, her way of being. The exhibition “Kati Horna and Her Friends” at the Georgina Pounds Gallery offers a shifted interpretation of life in images.

I've learned to gather a lot of references for each project and to fully immerse myself in the process. I truly merge with what I do; sometimes I realize that, subconsciously, I dress in the colors of the image I'm working on.

There was significant pressure to produce such a large body of work on a shipping deadline, with some pieces still drying as they left the studio. It required a lot of discipline and trust in my process.