Folie à Deux

Angela Tamez

¿Cómo nació esta exposición y qué detonó la idea inicial?
Folie à Deux empezó dentro de L4UD como una pregunta, antes de ser un título: qué ocurre cuando dos personas sostienen una misma manera de mirar que nadie más comparte. El detonante concreto fue Phillip Leeds, Your Favorite Internet Friend y la Big Shot, la cámara con la que Warhol hacía sus retratos; Phillip la retomó en Nueva York para un trabajo formal después de décadas en que prácticamente había dejado de usarse con esa seriedad. A partir de ahí apareció el contexto que volvía urgente la muestra: en Monterrey hay pocas exposiciones de fotografía al año, y Colector, la sede, nunca había integrado la fotografía a su base curatorial justamente porque la foto se reimprime. Aquí no. Aquí cada pieza es 1:1.

¿Qué fue lo primero que supiste que tenía que estar presente en la muestra?
La visión del 1:1. Antes que cualquier imagen, antes que cualquier nombre, lo primero fue esa ideología: cada fotografía como objeto único, irrepetible, sostenida por una estética minimalista y moderna, pero a la vez conservadora. Todo lo demás se ordenó bajo esa decisión. La realidad aumentada llegó después y la mantuvimos deliberadamente contenida; nunca fue el centro. El centro siempre fue que la fotografía pudiera existir una sola vez.

¿Cómo fue el proceso de selección de obras, artistas o piezas?
Fue largo y muy tejido. Cada retrato tenía que enlazarse con el siguiente: nos planteamos un sinfín de conexiones entre sujetos, de modo que cada personaje retratado guardara un vínculo con el que venía después. Y el material era enorme, ambos fotógrafos tienen más de trescientos retratos cada uno, así que reducir a 36 tomó tiempo. Hubo además una condición feliz: ese mismo fin de semana había un festival de música urbana en Monterrey, y varios de los artistas que YFIF ya tenía retratados participaban como talento, así que teníamos que incluirlos. En la muestra conviven músicos, diseñadores, artistas y figuras culturales como Young Miko, Mac Miller, Ryan Castro, SZA, Daddy Yankee, Ozuna, Snoop Dogg, Tyler, the Creator or David Byrne, Virgil Abloh, Takashi Murakami, Daniel Arsham, Naomi Campbell or André Leon Talley, entre muchos otros.

¿Hubo alguna obra o decisión curatorial que cambiara el rumbo de la exposición?
Sí, y fue una decisión de contención: limitar la realidad aumentada a solo 2 de las 36 fotografías. La tentación era intervenir muchas más, pero entendimos que el delirio compartido pierde fuerza si se vuelve norma, así que decidimos que la excepción fuera casi secreta. Ese cruce del que hablábamos, el de enlazar a cada retratado con el siguiente, terminó ocurriendo también entre los propios fotógrafos: se retrataron entre sí. YFIF retrató a Phillip y Phillip retrató a YFIF. Con esos dos retratos armamos un muro junto al título, con hojas de sala, y ahí montamos la realidad aumentada para que cada visitante pudiera tomarse una fotografía con ellos. Ese gesto cambió el tono de toda la muestra.

¿Qué tipo de experiencia querías provocar en quienes la recorren?
Una duda amable. La sensación de que algo se te escapa, de que hay dos imágenes que guardan algo que las demás no, y que solo lo compartes si te atreves a mirar distinto. No busco asombro tecnológico, busco complicidad. Y, sobre todo, quería que quedara claro que esto no es una exposición de “famosos”, sino una muestra conceptual de fotografía 1:1. Cada retrato tuvo que cumplir una cadena de condiciones casi improbables: que la cámara, que ya no existe, funcione; que el film, que ya no se fabrica, funcione; que el fotógrafo tenga acceso al retratado; que el retratado acepte, pose y reciba la obra, la toque y, en el caso de YFIF, que la firme. El encanto está en la suma de todos esos sucesos que, además, coinciden en un mismo tiempo y espacio en Monterrey.

¿Hay algún detalle, espacio o momento que recomiendes observar con más atención?
Las 2 fotografías intervenidas. No las voy a señalar, porque encontrarlas es parte de la pieza, pero quien levante el teléfono frente a la imagen correcta verá algo que la persona a su lado, sin el dispositivo, no puede ver. Ese instante de asimetría es toda la exposición condensada. Están en la sala Poniente, al inicio del recorrido, y la realidad aumentada la hicieron posible nuestros amigos de VEF.

¿Qué conversaciones, ideas o referencias influyeron en la construcción de la muestra?
El punto de partida fue la idea clínica del folie à deux, ese delirio inducido que se contagia entre dos personas. De ahí vino la decisión de abrir la muestra al mundo de la música: más de la mitad de los retratados son músicos, uno de ellos ya fallecido, Mac Miller. Y hubo una conversación con el calendario: logramos abrir a tiempo para el festival de música urbana y para el mismo fin de semana de la primera bienal de fotografía en Nuevo León, el estado donde vivimos, además de unos días antes de FotoSeptiembre, que se celebra en todo el mundo.

¿Qué parte del proceso curatorial disfrutaste más?
El diálogo con los fotógrafos. Cada uno carga una historia increíble con cada retratado, desde los que terminaron siendo sus amigos hasta los que ya no están con nosotros. Es muchísima historia, muchísimo archivo. Y lo más hermoso fue ver cómo dos mundos completamente distintos, el de Phillip y el de YFIF, cabían en una misma sala.

¿Cuál fue uno de los desafíos más interesantes al construir esta exposición?
Los archivos tenían que viajar con cada fotógrafo, en mano, porque no podíamos arriesgarnos a perderlos en una paquetería. Eso significaba que todo debía estar listo para su llegada, y enmarcar y colgar prácticamente en el momento. El otro desafío fue sostener la tecnología sin que devorara a la fotografía: la realidad aumentada seduce fácil, y el reto era que las 34 imágenes sin intervención pesaran tanto como las 2 que sí la tienen, que el delirio fuera una excepción dentro de un cuerpo de trabajo que ya se sostiene solo.

¿Qué descubriste sobre el tema o sobre ti durante el proceso?
Que nuestra relación con la fotografía excede cualquier expectativa. Esa vieja resistencia a exhibir fotografía por su posibilidad de reproducción, en distintas dimensiones o en serie, era algo que nunca habíamos podido aceptar del todo. Con esta muestra lo confirmamos: la fotografía sí puede ser 1:1, y así convertirse en un archivo, en un objeto único, coleccionable.

¿Qué artista, exposición, película, libro o lugar ha influido recientemente en tu forma de pensar las exposiciones?
En el verano de 2024 visitamos en Berlín la exposición Andy Warhol: Velvet Rage and Beauty, en la Neue Nationalgalerie, con curaduría de su director Klaus Biesenbach and Lisa Botti. Fue la primera vez que vimos en físico las fotografías y Polaroids que Warhol hizo con la Big Shot, esa misma cámara que está en el origen de Folie à Deux. Ya teníamos el libro Andy Warhol. Polaroids 1958–1987, de Taschen, pero tenerlas de frente, a escala, cambió por completo nuestra manera de pensar el retrato fotográfico como objeto único. Buena parte de lo que buscamos con el 1:1 nació de esa sala.

Si pudieras expandir esta exposición hacia otro formato o espacio, ¿cómo sería?
La expansión natural es sonora y editorial, que es el terreno de L4UD. Por un lado, llevar el delirio compartido a una pieza de escucha en la que un grupo de espectadores se siente en la sala durante un tiempo definido; para eso colaboraremos con el curador musical Emiliano Hernández, buscando un evento a la vez íntimo y expansivo. Por otro, lo editorial: Phillip ya reúne suficientes retratos, incluyendo un par que tomó en Monterrey durante su estancia aquí, y con ellos se editará su tercer libro, Big Shots, que sumará esos retratos y fotografías de la exhibición. Es una manera de poner el nombre de Monterrey en un ámbito distinto al que acostumbramos. Algo que, como la muestra, solo termine de existir cuando alguien más entra en el mismo delirio.