Por fin comencé a trabajar en mi primera novela gráfica, y la mezcla de emoción, felicidad, miedo y ansiedad que me provoca es inmensa.

Aunque no es el único proyecto en el que estoy enfocada actualmente. También empecé a desarrollar un juego de mesa junto a un amigo y, curiosamente, tanto la novela gráfica como el juego giran alrededor de temas caninos. Además, estoy trabajando en una serie de pósters cinematográficos como proyecto más personal.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Honestamente, la curva de aprendizaje ha sido enorme. Llevo años leyendo cómics obsesivamente, pero solo cuando empecé a desarrollar mi propio material entendí realmente el trabajo que existe detrás. Hacer cómics es difícil.

Lo principal que he tenido que aprender, y con lo que todavía lucho, es la paciencia. Descubrí, trágicamente, que no puedes improvisar todo el proceso de principio a fin. Quién lo hubiera pensado.

La planeación y la organización nunca han sido mis puntos fuertes, y este proyecto me está obligando a bajar el ritmo. Para mí es importante entender completamente qué quiero hacer y por qué, en lugar de correr hacia soluciones rápidas.

Constantemente intento equilibrar mi necesidad de espontaneidad con la necesidad de estructura. Aprender a reconciliar ambas cosas se ha convertido en uno de los desafíos centrales de mi práctica.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Cuando siento demasiada presión por crear, o cuando mis ideas parecen débiles, decepcionantes o inexistentes, vuelvo a los artistas que me inspiran.

Pienso mucho en algo que dijo David Lynch: que las ideas son como peces. No las creas, las atrapas.

Intento recordarlo y mantenerme receptiva, porque las ideas están en todas partes. A veces las descartamos demasiado rápido por parecer demasiado simples o cotidianas.

Estoy aprendiendo a recolectar esos pequeños pensamientos y a mirar el mundo como un archivo abierto de posibilidades. Cuando esas ideas comienzan a acumularse, aparece la verdadera emoción de crear.

Hay algo profundamente emocionante en hacerse responsable de una historia, y creo que esa sensación solo surge cuando existe una relación consciente con el mundo y con el trabajo de otros artistas.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Últimamente me ha inspirado mucho la manera en que las personas fallan al comunicarse entre sí: los malentendidos, los juicios precipitados, el solipsismo.

Es algo universal y me interesa explorar cómo sucede en distintos contextos. Además, hay mucho humor en ello, muchas veces absurdo.

Me han inspirado especialmente cineastas como Charlie Kaufman y los hermanos Coen, así como recientemente la serie The Chair Company.

También he estado leyendo Room to Dream, las memorias de David Lynch. Me están volando la cabeza y estoy segura de que seguirán influyéndome durante mucho tiempo.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Lo más difícil ha sido equilibrar múltiples proyectos creativos con mi trabajo diario.

A veces el verdadero reto consiste simplemente en aparecer todos los días y mantener la constancia, especialmente cuando las cosas no fluyen naturalmente y solo queda confiar en el proceso.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Veganashi, un increíble restaurante de sushi completamente vegano en Barcelona. Daría mucho por poder comer uno de sus sushirritos hoy mismo. Un 10/10 absoluto.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Se llamaría Untitled_3. El soundtrack sería de Squid.

¿Has colaborado recientemente con estudios, laboratorios o talleres? ¿Te gustaría hacerlo en el futuro?
No recientemente, pero creo que sería refrescante salir un poco de mi caparazón creativo e inspirarme trabajando en otros entornos.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
• Jonathan Hooper, por sus pinturas inquietantes de casas, sus pinceladas orgánicas y sus paletas melancólicas.
• Samanta Schweblin, por sus cuentos extraños y su capacidad para equilibrar lo cotidiano con lo inquietante.
• Brad Hock, creador de una de mis animaciones favoritas de todos los tiempos, Oldboy’s Apples, y dueño de una imaginación increíble.
• Marcin Urbanowicz, por su sensibilidad para retratar pequeños pueblos polacos con una atención extraordinaria al detalle, al contraste y a la atmósfera.

La entrada Atrapar ideas como peces se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Lo analógico llegó para transformar mis procesos, enseñarme otras maneras de mirar, otras personas y otras formas de elegir y vivir. Me acompañó incluso en mi primer viaje a otro país. Silencioso, pero constante, ha estado presente en todo mi camino para convertirme en quien soy hoy.

También me aterrizó en lo verdaderamente importante: la familia, los amigos y las memorias que existen para mí, no para los demás.

Después de meses interminables sin encontrarme en nada, finalmente volví.

Viví dos meses en un pequeño pueblo de Veracruz, rodeada de verde y lejos de las personas que amo. Aprendí otra manera de vivir y otras cosas por valorar. No hice ni diez fotografías en todo ese tiempo, pero regresé siendo alguien más ligera.

Desde hace casi dos años, el proyecto más importante en mi vida es Graphers: experiencias y viajes fotográficos que buscan conectar con el otro, con el espacio y con uno mismo. La fotografía se convirtió en una excusa, un puente, algo que nos reúne.

Este proyecto me ha regalado personas maravillosas, que llegaron en el momento exacto para enseñarme algo. Creo que ellas me han enseñado más a mí de lo que yo podría enseñarles. Me inspiran, me motivan.

Graphers nació desde algo profundamente personal, pero terminó convirtiéndose en algo colectivo. Todavía no sé cómo describir la felicidad que me produce saber que tantas personas se sienten cobijadas, identificadas y seguras dentro de este espacio. Porque al final, la fotografía nunca ha sido el fin, sino el medio.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Si me lo preguntas hoy y me lo preguntas mañana, probablemente te responderé algo distinto. Creo profundamente que todos los días aprendemos algo, aunque sea pequeño.

Sin duda, la confianza en una misma como artista y la fortaleza mental son pilares fundamentales para vivir de lo que amamos.

También aprendí que la vida es profundamente efímera y que hay que vivirla con intensidad. Edgar, un amigo, se convirtió en un recordatorio constante de eso. Ha sido una de las personas que más me ha enseñado en los últimos meses.

Cuando entiendes que nadie más podría hacer exactamente lo que tú haces, algo cambia. No porque seas mejor o peor, sino porque nadie ha vivido lo mismo que tú ni mira el mundo desde tu lugar. Y ahí está el valor.

Aprendí también que la vida se vuelve más hermosa cuando tienes con quién compartirla, y que las personas que nos rodean transforman nuestra existencia de maneras extraordinarias. Rodearme de las personas correctas en esta etapa ha sido una de las cosas que más me han cambiado.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Presente. Ser. Ahora. Trascender.

Es extraño porque, así como siento miedo, frustración, ansiedad o incertidumbre respecto al futuro, también me rodea una enorme cantidad de alegría, entusiasmo y amor. Entonces, esas emociones complejas nunca terminan de derrumbarme, porque termina ganando el cariño que recibo y esa energía que puede contagiar algo tan simple como darle los buenos días a un desconocido.

He aprendido a dejar coexistir todas esas emociones. De eso se trata estar vivos: sentir. No podríamos amar el sol sin conocer el frío, ni entender el día sin la noche. No existiría claridad sin incertidumbre.

Creo que las veces que más me abruma todo es porque hay demasiado por hacer y no lo estoy haciendo.

Existe una persona, mi persona, que me enseñó a dividir los monstruos enormes e imposibles en tareas pequeñas y realizables. Ese se volvió mi método cotidiano: transformar lo complejo en objetivos alcanzables.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Quizá hubo tres conversaciones importantes.

Durante un viaje a Guatemala hablaba con Edgar, esta persona que constantemente me recuerda que, si estamos vivos, hay que vivir. Contrastábamos nuestras historias, nuestras infancias y nuestro presente. Confirmé algo: los corazones más nobles suelen encontrarse en las historias más complejas. Y también entendí que no importa tanto el pasado; importa lo que hacemos con el presente. Hay que aprender a soltar.

En ese mismo viaje, otro chico me dijo algo que me marcó mucho: que mi trabajo fotográfico quizá no era “el mejor” a nivel técnico o visual, pero que le impresionaba todo lo que había logrado construir alrededor de él: los viajes, los proyectos, el trabajo con marcas.

A partir de esas conversaciones confirmé que lo que realmente mueve al mundo es la conexión, el sentido de pertenencia, el cariño y el amor entre las personas. Uno siempre termina entregando lo que lleva dentro.

Y hay otra conversación que no quería dejar fuera. Cuando me mudé a la Ciudad de México, mi roomie y amigo Fer me enseñó que todo lo cotidiano funciona como una metáfora de lo que cargamos internamente.

Cuando subí al Volcán de Fuego llevaba casi quince kilos de equipo fotográfico “por si acaso”. No usé absolutamente nada. Ni siquiera tomé fotos ese día.

Al regresar, le conté esto a Fer y me respondió: “Amiga, es que cargas cosas que no necesitas. Y no hablo de la mochila”.

Tiempo después entendí de qué hablaba. Durante el viaje a Guatemala volvió a pasar lo mismo: cargaba la cámara todo el día únicamente por el peso de una expectativa que nadie me había impuesto excepto yo misma.

Y entonces entendí algo importante: antes que fotografiarlo todo, prefiero vivirlo.

Este año aprendí que debo dejar de cargar expectativas ajenas y que, al final, damos a los demás lo que somos. Ojalá que lo que seamos sea amor e inspiración.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Hace un año fue la falta de rumbo. Ya no me encontraba en nada porque estaba buscando algo más profundo que la simple superficie. Hoy siento que logré atravesar esa barrera. Creo menos, pero cuando lo hago, es con intención.

Últimamente, lo más difícil ha sido la falta de confianza en mí misma. Rodearme de personas tan talentosas en áreas que para mí eran nuevas resultaba increíble, pero también intimidante. Me comparaba constantemente y pensaba que solo otros podían hacer aquello que yo quería lograr.

Decía: “No voy a aceptar este trabajo porque seguramente me equivocaré”.

Hasta que entendí algo muy simple: equivocarse es parte natural del aprendizaje.

El error, la prueba y la incomodidad terminaron convirtiéndose en herramientas para desafiarme a mí misma. No por demostrarle algo a alguien más, sino por demostrarme a mí que sí podía hacerlo.

Y sí: pude.

El síndrome de la impostora golpea fuerte cuando aparece. Pero qué bonito es tener amigos que te recuerdan quién eres y de lo que eres capaz.

¿Cuál es tu restaurante favorito y por qué te gusta ir ahí?
Mi restaurante favorito es Milli Cholula. Recomiendo pedir cualquier cosa de temporada: todo es una maravilla.

Trabajan alrededor del maíz y del ritmo natural de la tierra. Si tienen oportunidad de asistir a alguna de sus cenas o a un “Bosque de Maíces”, lo recomiendo muchísimo. Es una experiencia para entender todo lo que existe detrás de los alimentos, del maíz y del náhuatl, directamente desde productores y cocineras tradicionales.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Título: Wanderlusting.

El soundtrack probablemente lo harían Bon Iver o The Paper Kites. Y si la energía fuera más alta que contemplativa, quizá Taylor Swift.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
En la música, Taylor Swift es probablemente la artista que más me inspira. Lo que ha construido va mucho más allá de la música: creó una comunidad y un punto de encuentro. Me inspira pensar en las personas que siempre supieron lo que querían y fueron capaces de lograrlo.

Por otro lado, Elvira Sastre. La sigo desde antes de la pandemia y sigue siendo mi escritora favorita. Me acompañó durante días muy oscuros. Admiro profundamente su capacidad para hablar de todo: ser mujer, ser lesbiana, la familia, los perros, la identidad. Sus poemas funcionan para mí como un espejo.

Y finalmente, Proyecto Análogo. Pablo y María tienen una manera muy particular de mirar el mundo. Con el tiempo nos hicimos amigos y creo que de ellos aprendí algo fundamental: mirar fuera de la caja y perseguir el sueño con paciencia, hasta hacerlo realidad.

La entrada Wanderlusting se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

La diferencia, si existe alguna, está en esa intención de cuidar tanto lo que se sirve como todo lo que sucede alrededor: las conversaciones, los libros y las pequeñas cosas que construyen una atmósfera.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Hay algo especial en la media mañana, cuando ya pasó la primera oleada de gente y el ritmo se vuelve más pausado. Es un momento en el que podemos reorganizar el espacio y prepararnos para la tarde, pero también en el que las personas llegan con menos apuro, más abiertas a quedarse, conversar y compartir con nosotras.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
El chipá es casi obligatorio; forma parte de la identidad del lugar. Es un bollo típico argentino hecho con mandioca y queso. En Bardo lo rellenamos con jamón y lo pasamos por la plancha. No falla.

Y, si es posible, quedarse un rato más allá del café: mirar los libros, observar lo que sucede en las paredes y entender el espacio como algo más que una barra.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
En Bardo organizamos talleres de lectura, cine y teatro, y uno de los grandes retos ha sido sostener esa dimensión cultural sin que se vuelva algo accesorio o meramente decorativo.

Eso nos ha obligado a preguntarnos constantemente qué sentido tiene lo que programamos y cómo dialoga con el barrio, no solo con nosotras. Nos llena de orgullo ver cómo la gente termina sintiéndose parte de la comunidad después de asistir a los talleres.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La idea de ser, ante todo, un espacio de encuentro. Por eso cuidamos mucho la atención y el vínculo con quienes vienen. Gran parte de nuestros clientes pasan casi a diario: sabemos sus nombres, lo que piden y cómo les gustan las cosas.

No se trata solamente de ofrecer un buen servicio, sino de construir un lugar donde las personas puedan sentirse cómodas siendo quienes son, sin demasiadas expectativas.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
La Buenos Aires, sin duda. Cada viaje funciona como un refuerzo de nuestros valores. Nos inspira el arte que circula, la energía de la gente, la calidad de la comida y, sobre todo, esa necesidad constante de hacer cosas lindas con ingenio.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaríamos a Liniers. Tenemos una fachada enorme y nos encantaría convertirla en un mural lleno de dibujos e historias. Sería una manera de intervenir el espacio desde lo narrativo y de dejar algo que dialogue con el barrio más allá de lo que sucede puertas adentro.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
“El trono”. Así llamamos a la gran butaca verde que tenemos en la sala. Ya estaba ahí antes de que existiera Bardo, cuando el espacio era un trastero lleno de objetos pertenecientes a una familia de coleccionistas.

Nos enamoramos de ella en cuanto la vimos y los dueños del local nos la regalaron para que formara parte del proyecto. Hoy es, sin duda, el rincón más codiciado de Bardo.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Probablemente sería un libro de cuentos de Samanta Schweblin: algo fragmentario, lleno de voces y ritmos distintos, donde cada visita aporta una pequeña historia con un leve punto de extrañeza y magia.

Respuestas por Rochi Castilla, socia fundadora de Bardo Café.

La entrada Bardo Café se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
El momento en que alguien conecta con una pieza y decide integrarla a su colección. Hay algo especial en ver cómo ciertos objetos encuentran a la persona indicada.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Recorrer el espacio con calma. La variedad de la colección hace que siempre exista algo inesperado por descubrir entre las piezas.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
La volatilidad del mercado nos ha llevado a replantear constantemente la manera en que presentamos la galería y cómo nos acercamos a nuevas audiencias. Al final, la recomendación de quienes nos visitan sigue siendo lo más valioso.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La pasión por el coleccionismo y la idea de que cada pieza encuentra a su persona en el momento adecuado.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
El trabajo de Axel Vervoordt, por su manera de entender los espacios y las piezas desde la sensibilidad, el silencio y la atmósfera.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaríamos a Axel Vervoordt para replantear el espacio desde otra perspectiva y descubrir nuevas posibilidades dentro de la colección.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Siempre llegan piezas con historias particulares, aunque preferimos que cada persona construya su propia relación e interpretación al encontrarse con ellas.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería una ciudad cambiante, diversa y en constante movimiento, donde siempre hay algo nuevo por descubrir. Un lugar que invita a regresar porque nunca se experimenta de la misma manera dos veces.

Respuestas por Zarehl Gutiérrez, director de G2 Gallery.

La entrada G2 Gallery se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Creemos en el orden de las cosas: la colocación de flores frescas en las mesas como centro visual, la calibración precisa del espresso y la importancia de una buena charla. Parte de nuestro concepto es que la barra sea un espacio conversacional, creado con el propósito de coincidir, conocernos y formar una “comunidad romántica empedernida”.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
La armonía de los espacios pensados como refugios para una fotografía nostálgica.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
El desafío que sentimos es construir una cafetería con el propósito de acercar a las personas a las flores, al arte y a la desconexión consciente. Un espacio que invite a hacer una pausa y disfrutar un café en medio del ruido de la ciudad y de la situación actual.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La pausa. La desconexión de lo habitual, del ruido y de lo pesado. Tratamos de generar empatía con las emociones de las personas ofreciendo un espacio distinto y armónico, desde el aroma, lo visual, la conversación o la serenidad, así como bebidas acordes con la intención de regalarse un momento para uno mismo.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
En gran parte, Cálido Amor nace del sueño de la creadora de Amor Febrero. Desde que pudo, comenzó con lo que tenía para desarrollar su proyecto de diseño y arte floral. La estética que imagina la organiza y proyecta hasta hacerla realidad. Su estilo romántico, vintage y elegante también se refleja en su vida diaria. Su nombre es Joselyn Taydé.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Hemos colaborado con floristas y artistas de latte art, pero también tenemos apertura para generar experiencias de mindfulness a través de la florería, así como charlas, talleres psicológicos, pintura en lienzo, cerámica o presentaciones musicales de jazz y blues.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Un objeto que apreciamos profundamente y que genera un efecto tanto estimulante como armónico es el tocadiscos. Muchas personas no dimensionan la oportunidad que tienen de compartir su música con la comunidad, pero aquí pueden traer sus propios vinilos y hacerlos sonar durante su estancia.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si fuera una ciudad: Annecy, Francia. Annecy, conocida como “la Venecia de los Alpes”, se distingue por sus canales rodeados de flores, sus fachadas en tonos pastel y una atmósfera donde el tiempo parece detenerse. ¿Por qué? Porque, al igual que este proyecto, transmite una belleza romántica y delicada que no se siente pretenciosa, sino profundamente acogedora. Es el tipo de lugar donde uno camina sin prisa, disfrutando de los pequeños detalles y del aroma a pan recién horneado que sale de las cafeterías.

Si fuera un libro: El jardín secreto, de Frances Hodgson Burnett. Especialmente una edición de lujo, con ilustraciones botánicas y páginas con textura. ¿Por qué? Porque habla de sanación, crecimiento y de la calidez que se encuentra en lo natural y en lo íntimo. La estética floral de la cafetería sugiere un refugio escondido del mundo exterior, donde el alma encuentra consuelo a través de los pequeños placeres y de la belleza cotidiana.

Si fuera un disco: Lady in Satin, de Billie Holiday. Aunque es un disco melancólico, captura una textura aterciopelada y vintage. La voz de Billie Holiday tiene una calidez desgastada que recuerda a un café servido en una taza de porcelana antigua, con los bordes dorados ligeramente despintados. También podría ser la canción Dream a Little Dream of Me, de Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. La voz de Ella transmite calidez, mientras que la trompeta de Louis aporta una especie de miel sonora. Es una canción que acompaña el silencio de un club de lectura o de una conversación íntima sin interrumpirlo. ¿Por qué? Porque toda esa calidez acústica combina perfectamente con la esencia de Cálido Amor: sonidos de madera, cuerdas suaves y letras que celebran el amor, el cuidado y las raíces. Es música que abraza, tal como se percibe la intención de este espacio.

La entrada Cálido Amor se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo fue el proceso de decidir qué canciones sí y cuáles no formarían parte del disco?
Creo que mientras escribía durante estos últimos seis años simplemente sabía cuáles canciones eran parte de este disco y cuáles no. Hay una canción que escribí en 2018 que nunca fue de mis favoritas, pero siempre sentí que pertenecía al álbum. Quería sacarla, pero había algo interno, como si el disco mismo no me dejara decidir qué canciones iban y cuáles no, jajaja.

También hubo canciones que hice en los últimos años específicamente para el álbum, porque sentía que eran la pieza musical que faltaba.

¿Qué cambió en la manera de escribir, grabar o producir este disco con respecto a grabaciones anteriores?
No sé si puedo compararlo con trabajos “anteriores”, porque empecé este disco inmediatamente después de mi primer EP, pero sí puedo compararlo con otros discos paralelos.

Tanto en el EP esto es para mí como en la compilación que saqué el año pasado, sentía que mi trabajo era más bien recolectar o capturar algo instantáneo e inmediato. En cambio, este disco fue más como ir tallando algo que tenía que encontrar poco a poco.

No sé si tiene sentido, pero se sentía más como esculpir un bloque de mármol que como sacar una foto.

¿Qué rol jugaron la intuición y el error durante el proceso?
El error siempre estuvo presente. Creo que hubo muchos “errores” durante el proceso: desde aprender a trabajar con otras personas, porque siempre había hecho todo muy sola y este disco fue mucho más colaborativo, hasta errores de producción o musicales.

Hoy escucho muchas cosas y siento que no logré exactamente lo que quería, pero también sé que llegué lo más cerca posible con las herramientas que tenía en ese momento.

La intuición, para mí, lo es todo. Siento que con este álbum aprendí a escucharla mejor. Lo lancé en abril porque fue la primera vez en seis años en la que sentí que, si no lo sacaba ya, entonces ya estaba dejando pasar demasiado tiempo.

Quizás mi lógica quería que siguiera trabajando para llegar a algo “mejor”, o me decía que esperara a tener mejores condiciones para lanzarlo, pero necesité hacerle caso a esa voz que me decía que el disco ya había cumplido su ciclo.

¿El orden de las canciones fue pensado como una narrativa? ¿Cómo se decidió el orden?
Siempre fui acomodando las canciones en una especie de secuencia, dejando espacios donde sentía que todavía faltaban temas. Y a medida que terminaba nuevas canciones, las iba colocando en el lugar donde sentía que funcionaban mejor, tanto musical como narrativamente.

En la primera versión del álbum sentía que, hacia el final, faltaba una canción porque el disco perdía fuerza en ese punto, así que salí a buscar específicamente ese tema para completarlo.

Para mí, en este disco y en todos los que hice hasta ahora, el orden es tan importante como las canciones mismas.

¿Con qué compositorxs, músicxs, bandas, productorxs y estudios te gustaría colaborar en un futuro?
Con todos, jajaja. Me gustan muchísimos estilos de música y siento que necesitaría mil vidas para hacer una carrera distinta para cada uno de los géneros que me gusta escuchar y producir.

Team Paula Prieto Videos/foto
PH/direc: Luca Piñeyro Travers
DF: Nacho Cúneo
Styling: Iván Cortes

La entrada Temporal se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Nuestras mesas y sillas las hizo Bobi Michelsen; la iluminación estuvo a cargo de Carlota Coppel, de Estudio Sardina; la arquitectura fue desarrollada por Diego Hernández y Naso Vargas; y el audio por Carlos Ortiz Monasterio, de COM. Todo fue hecho entre amigos.

Pero creo que lo que realmente nos hace diferentes son los valores detrás del proyecto. Para nosotras es clave comprometernos a hacer las cosas mejor dentro de una industria que muchas veces no pone los intereses de sus trabajadores al centro.

Tomar consciencia de los cambios que queremos ver y no perder de vista nuestra meta, que siempre ha sido cambiar la narrativa de lo que significa trabajar en un restaurante, nos ha servido como brújula para mantenernos fieles al proyecto.

Es una conversación que ha estado presente desde el inicio de Coqueto y tenemos la genuina convicción de que nuestro trabajo puede generar un cambio, aunque sea dentro de nuestros 70 metros cuadrados.

Trabajar desde ese lugar nos ha permitido construir un espacio donde venir a trabajar se siente bonito. Y nos gusta pensar que esa cultura interna se vuelve tangible a la hora de cocinar y dar servicio.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Disfrutamos muchísimo las pruebas de menú. Hacemos lluvias de ideas con el equipo y crear platos se vuelve algo comunal y dinámico.

También nos encanta conocer a nuestros invitados, sentarnos a chismear con ellos y tomarnos algo juntos.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Para mí, un gran menú si vienes con hambre sería: empezar con un steak tartare y unas almejitas con pan sfenj hecho al momento; de plato fuerte, una burger; y de postre, unas galletas.

Para tomar, un martini de pepinillo y un té helado, porque siempre tiene que haber mínimo dos bebidas. Nuestro tipo ideal de girl dinner.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
La reubicación. Cerrar en una ubicación para abrir en otra trajo muchísimos retos que, aunque suene raro, terminaron ayudándonos muchísimo para regresar con más seguridad.

Es fácil perder la identidad entre tanto diálogo y competencia. Cerrar y volver a abrir fue una oportunidad para retomar el proceso creativo desde un lugar mucho más propio.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Cantina El Bosque ha sido una gran referencia para nosotras. Lo hacen muy bien: comida honesta y deliciosa, servicio increíble, sobremesas largas y un ambiente casero.

Me gusta muchísimo cómo se siente estar ahí y también cómo se transforma. Puedes ir un día con tus papás y salir contento y panzón a las seis de la tarde, o ir con tus amigos y terminar abrazado de los mariachis a las once de la noche.

Me inspira la manera en que cohabitan mesas tan distintas y cómo todo se siente natural. Además, son extremadamente consistentes, y la consistencia es algo que siempre buscamos. El pescado a la sal que se comió tu papá de chiquito va a saber exactamente igual hoy.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Si hablamos de un proyecto en particular, sin duda sería Grupo Máximo. Siempre ha sido una fuente de inspiración.

Me impresiona ver hasta dónde han llegado sin perder la honestidad en su cocina. No se han vuelto pretenciosos a pesar de todo el reconocimiento, y eso me cae muy bien. Saben perfectamente quiénes son, qué va y qué no va. Todo es delicioso y se nota que a su equipo le gusta trabajar ahí.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría invitar a todas las personas que hacen posible que un plato llegue a la mesa: agricultores, pescadores, transportistas, carniceros y almacenistas.

Nos gustaría consentirlos muchísimo y enseñarles el resultado final de toda esa enorme cadena humana que hace posible el restaurante.

Y también a Martha Stewart.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Las fundas de nuestros menús están hechas con las cortinas que teníamos en la entrada de nuestra primera ubicación.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería This Is Happening de LCD Soundsystem. Lo escuchábamos muchísimo durante las primeras pruebas de menú y lo seguimos poniendo hasta hoy.

Respuestas por Camila Peña (Chef ejecutivo).

La entrada Coqueto se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Pero recientemente pude darme el tiempo de explorar un proyecto personal que llevaba tiempo queriendo hacer y que gira alrededor de un objeto de papelería muy común: un post-it rosa.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Redescubrí lo divertido que es dejar que las cosas fluyan y lo importante que es darse el tiempo de plasmar ideas personales sin preocuparse demasiado por el resultado, aunque conforme avanzas todo empieza a pulirse naturalmente.

También entendí que ese tipo de ejercicios sirven para seguir descubriendo y domando tu propia voz.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Son muchísimas las palabras que rondan mi cabeza. Me gusta estar constantemente descubriendo y cuestionando el lenguaje, sobre todo el lenguaje cotidiano de mi ciudad.

Aprendo mucho investigando el origen de modismos y frases que escucho o leo todos los días. Normalmente lo hago por pura curiosidad, pero cuando surge la oportunidad de trabajar en proyectos como este, todos esos datos e investigaciones terminan filtrándose en mis ilustraciones.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Creo que hay muchísimas influencias mezcladas: la cultura popular, la nostalgia del internet milenial, las caricaturas de la infancia, la rutina citadina, el trabajo de oficina, el cine y las costumbres mexicanas.

En este proyecto conviven referencias que van desde Diego Velázquez hasta el Dr. Simi, pasando por Nezahualcóyotl y llegando incluso a Pokémon.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Los últimos meses he estado trabajando desde casa y de manera bastante individual. Mi esposa está desarrollando un proyecto fuera de la ciudad, así que solo nos reencontramos físicamente los fines de semana.

Es la primera vez en muchos años que enfrento decisiones creativas completamente solo. Vengo de trabajar durante mucho tiempo en proyectos animados en stop-motion con decenas de personas colaborando todos los días, así que sí ha sido un cambio importante.

No diría que ha sido algo grave, pero definitivamente ha implicado reacomodarme y adaptarme.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Mi cafetería favorita es Cucurucho. Me gusta porque el arte que encuentras ahí es de Scardanely, un gran amigo.

También disfruto mucho La Ruta de la Seda porque, aunque no suelo beber café, sí puedo comer muchísimo pan.

Son lugares tranquilos y sabrosos. No acostumbro trabajar en cafeterías; si voy, es principalmente para comer.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Sería increíble que el soundtrack de esta etapa de mi vida lo hiciera They Might Be Giants. No es necesariamente mi banda favorita, pero siento que su música es lo suficientemente extraña, ruidosa, divertida y popular para describir muchas de las cosas que me gustan.

Y el título probablemente sería No Hay Tiempo Para Pensarlo Bien.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Recientemente se estrenó Soy Frankelda, de Cinema Fantasma, donde participé como director de animación y animador.

Probablemente es mi colaboración más reciente, pero también la más longeva, ya que llevo trabajando con Cinema Fantasma desde sus inicios, hace aproximadamente quince años.

También tengo amigos que se mueven dentro del mundo de las editoriales pequeñas e independientes, y definitivamente me gustaría encontrar el tiempo, y que exista el interés mutuo, para desarrollar algún proyecto de cómic con ellos.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Youkonejo tiene un estilo retorcido y único que mezcla sus raíces japonesas y mexicanas. Además, es increíblemente graciosa y divertida.

Deafclown es un artista con una visión de la vida tan tierna como pesimista. Hace personajes geniales y completamente delirantes.

YEKA es una autopromoción, pero es la marca que creamos mi esposa y yo. No hemos estado muy activos últimamente porque no hemos tenido tiempo, pero sigue siendo muy bonito ver que la gente continúa compartiendo y preguntando por nuestros diseños.

La entrada Pegué un post-it rosa se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

El sueño era construir un espacio físico donde los riders pudieran encontrarse sin avisar, compartir rutas, consejos y risas. Un punto de encuentro para quienes viven la misma pasión.

Desde el inicio, el proyecto tomó inspiración de Ace Cafe London, un lugar que no solo funcionaba como cafetería, sino como epicentro de una cultura. Ahí nacieron dinámicas que marcaron al motociclismo moderno, como el espíritu café racer: riders que iban de café en café, modificando sus motos y construyendo identidad a través de ellas.

Carrera Moto retoma esa esencia, pero la aterriza en una reinterpretación contemporánea: un espacio abierto, cercano y vivo, donde la comunidad no es un concepto aspiracional, sino algo que sucede todos los días.

Y fue justo dentro de ese espacio donde empezó a revelarse algo más grande. Las conversaciones, las historias y la forma en que las personas se apropian del lugar dejaron claro que no se trataba solo de una cafetería.

Era el inicio de algo más: una manera distinta de entender el motociclismo y, eventualmente, de construir una marca completa alrededor de esa forma de vivirlo.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Hay un momento muy particular que define todo: cuando la terraza empieza a llenarse.

Es ahí donde todo cobra sentido. Ver llegar a la gente, reconocer caras conocidas y escuchar cómo se cruzan historias de rutas, planes o simplemente de la vida diaria es lo que más disfrutamos.

Al mismo tiempo, ese espacio tiene otra cualidad: es noble y tranquilo, y permite trabajar con libertad creativa. Es un lugar que invita a pensar, observar y construir ideas sin forzarlas.

Desde ahí nace gran parte del proceso creativo: traducir lo que se siente vivir el motociclismo en algo tangible. No se trata solo de diseño o estética, sino de crear una atmósfera. Lograr que alguien, incluso sin moto, entienda aunque sea por un instante lo que significa ese sentimiento de libertad.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Más que un punto específico, lo importante es dejarse llevar por el recorrido.

El mural de clientes cuenta la historia viva de quienes han formado parte del proyecto. Riders Lab muestra ese lado más creativo y técnico del motociclismo.

Pero, sobre todo, no deberían perderse la experiencia de observar: ver cómo conviven las personas, cómo se apropian del espacio y cómo cada visita se vuelve distinta.

Porque, al final, Carrera Moto no está en los objetos, sino en quienes lo habitan.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los mayores desafíos ha sido mantener la esencia mientras el proyecto crece.

Conforme más personas llegan, sería fácil diluir la identidad para encajar en lo que se espera de un café o un bar. Pero justo ahí es donde hemos tenido que detenernos y replantearlo todo.

Entender que no se trata de ser para todos, sino de ser auténticos.

Eso nos llevó a reforzar algo fundamental: este espacio no gira alrededor del consumo, sino de la comunidad. Y cada decisión, desde el servicio hasta la experiencia, tiene que responder a eso.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Hoy, lo que guía a Carrera Moto es la coherencia entre lo que se soñó al inicio y lo que poco a poco ha ido tomando forma.

Carrera Moto Café Bar nació primero como un espacio de encuentro. Un lugar donde la comunidad pudiera reunirse, compartir y darle un sentido más humano al motociclismo, incluso fuera del camino.

Con el tiempo, ese espacio empezó a revelar algo más profundo: una forma muy clara de entender lo que significa ser rider. Las conversaciones, las historias y las experiencias que sucedían ahí no se quedaban en la mesa, sino que empezaban a construir una filosofía.

A partir de ahí, el proyecto evolucionó. Esa esencia comenzó a traducirse en una nueva etapa: el desarrollo de equipo de protección, piezas de lifestyle y experiencias diseñadas completamente desde dentro, pensadas por y para quienes viven el motociclismo todos los días.

Hoy, la marca crece hacia lo tangible, pero sin perder su origen. Y en ese proceso, Carrera Moto Café Bar se convierte en algo más que el punto de partida: es el lugar donde todo sigue conectando. Donde la filosofía se vuelve visible, habitable y compartida.

Porque, al final, todo responde a la misma idea: construir una comunidad y una forma auténtica de vivir el motociclismo, una que también se alimenta del camino mismo, de los paisajes que lo transforman y de las personas que se encuentran en él.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Encontramos una gran inspiración en Baja California. Es un lugar con una esencia salvaje que lo vuelve único y magnético. El desierto interminable, las bahías que contrastan azules profundos con los naranjas del paisaje y el cambio repentino de ecosistema al entrar a la Sierra de San Pedro Mártir hacen que cada recorrido se sienta distinto.

Es un lugar apasionante, lleno de aventuras infinitas y de personas increíbles, con filosofías de vida inspiradoras y una hospitalidad profundamente mexicana.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
La aventura y la naturaleza le dan rumbo a nuestro proyecto, así que buscamos colaborar con personas que vivan la vida desde esa misma filosofía.

Sin duda, el plan perfecto sería salir a rodar al amanecer, disfrutar el aire fresco del camino y regresar después a Carrera Moto para convivir con el resto de amigos y compartir la experiencia.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Nuestra barra tiene tres lámparas colgantes que fabricamos nosotros mismos utilizando escapes de motocicletas.

Para la mayoría pueden parecer simplemente objetos estéticamente atractivos, pero en realidad funcionan como un detalle escondido para quienes logran reconocerlos y entienden el lenguaje detrás de ellos.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Más que una ciudad, un libro o un disco, nos gusta pensar que sería un viaje en moto: algo completamente sensorial, donde el camino, los paisajes, el sonido y las personas terminan formando parte de la experiencia.

Respuestas por Jessica Nicole Salcedo Rapp (encargada de Marketing Digital) y Arturo Zorrilla (fundador).

La entrada Carrera Moto se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Otra constante en mi trabajo es la música. Amo fotografiar conciertos. Siempre hay mucho rush arriba del escenario y en backstage, así que conseguir buenas fotos análogas en esos contextos es complicado, y justamente por eso me da muchísima satisfacción lograrlas.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Aprendí a estar más consciente del momento que estoy viviendo. El tiempo pasa rapidísimo y lo único que puedo hacer es estar presente y dirigir mi energía hacia lo que de verdad importa.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
“Las fotos no son tan importantes hasta que son lo último que nos queda.”

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
People, de Agust D, ha influido muchísimo en la persona que soy y, por lo mismo, en todo lo que hago y creo. Para mí es un recordatorio de que lo único seguro en la vida es el cambio y, eventualmente, la muerte. Yo cambio, los demás cambian y lo que sentimos hoy también. No lo escucho desde la tristeza, sino desde la calma. La gente llega, se queda un rato y se va; a veces nos volvemos a encontrar y a veces no. Y eso no significa que algo estuvo mal o que fallé, sino que fue real en su momento y después evolucionó.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Hace unas semanas perdí a una de las personas más importantes de mi vida. Desde entonces, más que afectar mi desempeño, siento que cambió mi forma de mirar. Estoy en un proceso de transformación.

Me he sentido inestable, un poco adormecida, y a ratos se me dificulta conectar con ciertas cosas. Pero, al mismo tiempo, esta pérdida me ha acercado a otras que sí se sienten profundamente mías.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Montecoyote por siempre. Es el café más rico que he probado y el espacio me encanta: se siente súper cozy y muy yo. Si yo diseñara una cafetería, probablemente se vería así.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Se llamaría Drowsy y el soundtrack lo haría Wave to Earth.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Con Fotograma, que es mi laboratorio favorito.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Muy mainstream, pero NSQK. Me gusta que se queda con lo que para él suena y se siente bien. Confía en su intuición, tiene criterio propio y hace música desde un lugar honesto. Es un punto de libertad creativa al que me gustaría llegar con mis proyectos.

La entrada Drowsy se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Disfrutamos mucho cuando llega el café recién tostado: catarlo, sentarnos a tomar una buena taza y platicar con el barista. También nos gusta simplemente observar el ambiente y el diseño de la cafetería, ver cómo las personas habitan el espacio y hacen suyo el momento.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Definitivamente el flat white y el sándwich de jitomates deshidratados.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los retos más interesantes ha sido abrir nuevas sucursales y lograr que cada una tenga una identidad distinta, sin perder la esencia del proyecto.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Guatemala sigue siendo nuestra mayor inspiración. La cultura, el café, la hospitalidad y la manera en la que las personas conviven allá continúan guiando todo lo que hacemos.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira la idea de poder tener una cafetería en cada barrio para estar más cerca de las personas y formar parte de su vida cotidiana.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría recibir al fundador de The Barn para que probara nuestros cafés y pudiera compartirnos comentarios sobre cómo seguir creciendo y evolucionando como proyecto.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
La muñeca quitapenas está presente en cada sucursal y también en nuestras bolsas de café. La tradición cuenta que, si le cuentas tus penas a estas muñecas, desaparecen. Nosotros nos inspiramos en esa idea para que, cuando alguien visite la cafetería y converse con los baristas, sus preocupaciones se sientan más ligeras.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería Guatemala, porque la gente allá es muy hospitalaria y nosotros buscamos transmitir exactamente esa misma sensación.

Respuestas por Anais González López Velarde, gerente comercial de Café Chapín.

La entrada Café Chapín se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

En 2022 viajé por primera vez a otros países. Ahí decidí fotografiar lo que veía y documentar cómo me sentía, utilizando únicamente polaroids. De este proceso surgió mi primera exposición individual, que consistía en postales acompañadas de autorretratos tomados en los hoteles o habitaciones en los que me quedaba.

El año pasado regresé a las mismas ciudades, pero con la diferencia de que este viaje lo hice completamente sola, encontrándome con una ola de nostalgia, pero también con un nuevo autoconocimiento.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Siempre hay algo que soltar y también algo que extrañar. Al mismo tiempo, entendí que podemos reflejarnos y reconocernos en todo.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Nostalgia, autoconocimiento, reconocer, reordenar, redescubrir y habitar.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
La La Land es una de mis películas favoritas y siempre que la veo recuerdo lo fuerte que es soltar, románticamente hablando.

Musicalmente, los tres álbumes de Actual Life de Fred Again me recuerdan lo bonito que puede ser la nostalgia y extrañar.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Ha sido encontrar un equilibrio entre mi vida personal y mi trabajo, y permitirme crear sin pensar todo el tiempo en cómo eso me define o me representa.

¿Cuál es tu restaurante favorito y por qué te gusta ir ahí?
Uno de mis favoritos se llama Pantaleón, en la ciudad donde crecí. La pasta Alfredo acompañada de una copa de vino es increíble.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Se llamaría Redescubrir(se) y el soundtrack lo haría Fred Again.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Me encantaría colaborar con espacios que permitan experimentar con formatos análogos: trabajar con film, revelar fotografía o hacer cianotipia.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Admiro muchísimo la forma en la que Ahora Soy Natalia habita sus obras. El año pasado tuve la fortuna de pasar tiempo con ella porque fue la mente maestra detrás de que mi exposición se hiciera realidad, y escucharla simplemente es hermoso.

El trabajo de Daniela la Nena es poético, hermoso y también muy nostálgico.

Chantal Convertini fue una de mis mayores inspiraciones para comenzar a trabajar con film.

La entrada Redescubrir(se) se publicó primero en ERRR MAGAZINE.