Was there any obsession, fixed idea, or image that guided the album’s creative process, even if it isn’t immediately apparent to the listener?
I would say that was more so revealed through the process of making it. Something blue came up early, and then I tried my best to figure out what that was.

What was the process of deciding which songs would and wouldn’t be part of the album?
I had more than what ended up on there for sure, but the ones that stick usually feel a bit more rounded. Like they have less holes and a full body. I was also trying to balance distinctiveness with moments that could flow together.

What changed in the way of writing, recording, or producing on this album compared to previous recordings?
Nothing much in the writing process. I think every song started from guitar, and in a way I think I’ve always dreamed of making something this intimate that unfolds from a starting point that pure. So I leaned in. There are a lot more live takes and first takes compared to other recordings. I also played all the instruments except for what’s on track 8.

Were there any songs that were particularly difficult to finish or let go of? Why?
Yes. I think the ones that were difficult had more to do with the emotional baggage and less to do with anything technical.

What role did intuition and error play during the process?
Everything.

Was the order of the songs intended as a narrative? How was the order decided?
Yes, I’d say. It felt mostly about trying to decide where the holes in the story could be.

Which composers, musicians, bands, producers, and studios would you like to collaborate with in the future?
Everyone all at once!

Photo by Kristen Carerra

Max Helgemo
Writes and records at home in Nashville and builds a 4-track app called Blueprint.
instagram.com/maxhelgemo

La entrada Memory Prize se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Mucho se fue dando por coincidencias. En Café DUAL somos dos socios fundadores y queríamos emprender. Somos amantes del pan y café, y muy inquietos, así que aterrizamos con que pondríamos una cafetería. Nos pusimos manos a la obra con la búsqueda de la maquinaria, local, mobiliario, etc., y con las adaptaciones y remodelaciones. Algo muy especial que tenemos, y que nos da mucho orgullo compartir, es que nosotros mismos nos encargamos de diseñar, armar y adecuar todo lo que se encuentra en el local: desde el espacio hasta el menú.

El mayor diferenciador de nuestra cafetería es que no somos un lugar transaccional. Es común encontrar muchos lugares donde ir a comprar algo es meramente una transacción, especialmente estando en la ciudad más industrializada del país. En Café DUAL buscamos que cada vez que nos visitan sea un momento acogedor y que se sienta como pertenecer a una comunidad. Tenemos clientes que ya se convirtieron en amigos y nos gusta pensar que estamos creando una comunidad muy linda alrededor del café.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Es padrísimo el rush; cuando llega mucha gente y estamos a full en barra con la preparación. Pero en realidad uno no se percata de lo que está pasando en el momento. Ya cuando llega el golpe de satisfacción es al cerrar la cortina, cuando acaba el día. Es una sensación inexplicable volver a casa después de otro día más de haber dado lo máximo de uno, de recapitular y hacer lo que nos apasiona.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Una platicada con quien esté de barista. Nos encanta saber cómo están nuestros clientes y echar chisme. Nos encanta que se sientan bienvenidos. Y bueno, tampoco se pueden perder la oportunidad de probar alguno de nuestros cafés; todos y cada uno de ellos tiene su encanto, especialmente nuestro Cinnamon Roll latte.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Somos una cafetería diferente a lo que busca típicamente una persona en Monterrey. Tratamos de no seguir tanto las tendencias, ni en nuestra arquitectura, ni en el aesthetic del lugar, ni en nuestras redes sociales, ni en nuestro menú, ni en nuestra atención al cliente, por lo que ha sido retador permear y encontrar quién se identifique con la vibra de nuestra cafetería. Típicamente, como consumidor, uno ve un trend y claro que quiere pertenecer. Ha sido un reto muy grande intentar encontrar un balance entre ajustarnos a lo que está de moda y lo que en realidad buscamos con nuestro espacio.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nos guiamos por el ideal de que este es un café de la comunidad para la comunidad. Café DUAL nació con la intención de crear comunidad alrededor de un buen café; de incluir en la vida cotidiana un café cotidiano, de alta calidad, que se sienta como un segundo hogar. Buscamos extraer lo más lindo de la comunidad, que es su gente, y contribuir al tejido social en medio de la ciudad más industrializada de México. Es un café de nosotros para nosotros, y esto es lo que constantemente perseguimos. Se observa desde que iniciamos el proyecto: haciendo con nuestras propias manos el diseño del local, de la marca, del menú, todas las remodelaciones, el desarrollo de identidad y demás, que todo está hecho de la manera más humana y auténtica posible: es nosotros.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspiran muchísimo nuestros tostadores, Chimera Roasters. Es increíble ver todo el conocimiento y la pasión que tienen por el café desde que se planta hasta que llega a la mesa del consumidor final, además de la manera en que comparten con su comunidad todo el conocimiento que tienen. Procuran cada detalle, tanto del grano como de su cadena de suministro, manteniendo su excelencia como personas. Sin duda, el mundo del café es inmenso y nos inspira ver su caso de éxito.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
A las cafeterías vecinas. Queremos formar una comunidad más fuerte de café en la zona donde nos ubicamos y nos encantaría colaborar con las cafeterías de la zona, ya sea con alguna bebida temática o de temporada, con algún evento o activación. Algo que nos encanta del café es que frecuentemente es más que una taza, es una plática, es un proyecto, es una relación. Queremos poner eso en práctica también a nivel cafetería en nuestra área y hacer eventos para mostrarle cariño a la comunidad.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
La paleta de colores nació gracias a la cafetera. Cuando teníamos la idea de abrir un café encontramos una cafetera y un molino a la venta que pertenecieron a otra cafetería. Era de color rojo, por lo que iba a ser un color más retador para combinar. Tuvimos que desarrollar la paleta de colores del café alrededor de la cafetera y el molino. Y terminó siendo un distintivo muy grande de nuestra cafetería; decidimos no mantenernos con los colores básicos, ya que son los que la mayoría de las cafeterías utilizan y buscábamos crear una identidad propia. Así creamos nuestra paleta de colores adaptada a nuestras herramientas cafeteras.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Seríamos el álbum Weezer de Weezer porque tiene canciones variadas y se adapta a cualquier mood en el que estés. Trae una vibe alivianada, millennial, relajada, alternativa y atemporal. En pocas palabras, siempre cae bien.

Lorena Ramírez Pérez
Socia fundadora de Café DUAL
Cafecito y pan
Monterrey, México
instagram.com/cafe.dual

La entrada Café DUAL se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

How did the idea for this project come about?
Homesick came from my own complicated relationship with the idea of home. I was born in Moscow and have lived in New York for more than a decade. At some point, New York became my home, while the place where I was born became somewhere I could no longer return to in the same way.

I became interested in that contradiction: that you can leave a country, even escape it, and still miss something about it. Homesickness doesn’t necessarily mean you want to go back. Sometimes you’re homesick for a place that doesn’t exist anymore, or maybe never existed in the way you remember it.

Jenia came out of that feeling, and out of conversations with Russian immigrants around me. Brighton Beach felt like the natural place for her story. It’s such a strange pocket of New York: you can walk into a grocery store, hear Russian everywhere, see food and objects you grew up with, and for a moment feel like you never left. Then you step outside, and you’re back in New York.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
While making this film, I discovered that homesickness can be incredibly contradictory. You can miss something you don’t want anymore. You can grieve a home that no longer exists. And you can build a new home without completely resolving your relationship with the old one.

What images, sounds or emotions guided the construction of the piece?
The carpet was the first detail that started the film; it was my generative image. Growing up in Eastern Europe, we had carpets everywhere, partly because the apartments were so cold. As a child, I used to trace the patterns of the carpet with my finger until I fell asleep. Years later, in my twenties, when I had just moved to New York and was subletting different rooms, those memories would come back to me and somehow warm me up. The film really grew out of that image.

Then, while scouting in Brighton Beach, I started seeing apartments where an older generation of immigrants had almost recreated the homes I remembered from childhood. It was uncanny and very moving. In the edit, I decided to incorporate VHS footage of my own family and childhood as Jenia’s memories, so my personal archive became part of her fictional one.

Brighton Beach itself guided so much of the film: the elevated train against the ocean, Cyrillic signs and storefronts surrounded by very New York architecture, older people speaking Russian on the boardwalk. Everything feels familiar and displaced at the same time.

Sound became another way of expressing that alienation. We mixed non-diegetic atmospheres into seemingly familiar spaces so that Jenia can never quite settle into them. 96 KBPS created the soundtrack by distorting and reshaping familiar sounds and melodies, almost as if you’re hearing something you remember from very far away.

Emotionally, I kept returning to longing, but not necessarily the longing to return. More like missing something you know you can’t have anymore, and it makes you move forward.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
A lot of the film came out of conversations with immigrants in New York, especially conversations about what “home” means once returning is no longer really an option. I was interested in how casually people can move between anger, guilt, nostalgia, and completely mundane things in the same conversation, like where to get the right kind of pelmeni (dumplings). I wanted the film to have that same instability.

What was the biggest challenge during creation (filming, editing, production, or idea)?
The biggest challenge was probably finding the right distance from the material. The film is fictional; it is a character study rather than a self-portrait. Jenia is not me, but so much of its emotional landscape comes from my own experience. The other challenge was resisting the urge to explain too much. With stories about immigration and exile, there can be pressure to provide context: political context, cultural context, reasons for leaving. I wanted the audience to experience Jenia’s displacement rather than have it explained to them. Finding that balance took a lot of work in the edit.

What is your favorite restaurant and what do you recommend we order?
I’m going to say shawarma from Tashkent Supermarket. It’s a gourmet food market that originally started in Brighton Beach and has since opened several locations around New York. They have the most delicious food from home: Uzbek, Central Asian and Eastern European cuisines.

Tashkent also catered our shoot for Homesick, so it became part of the experience of making the film. It was a real taste of home.

Recommend us an artist you follow who inspires you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
Ana Alpizar is a Cuban filmmaker and editor whose films I find breathtaking: beautiful, funny, and deeply sad, often all at the same time. I really admire the sensitivity with which she observes people and finds poetry in seemingly ordinary moments.

Anton Vicente Kliot is a Portuguese-American filmmaker and producer with a rare ability to make the impossible possible on set. He’s the kind of producer who doesn’t respond to an ambitious idea by explaining why it can’t be done; he starts figuring out how to do it. He somehow finds a way to make a director’s dreams come true.

Nadia Bedj
New York-based writer and director. She received a Green Card as an Alien of Extraordinary Ability for her award-winning films and photography, including the Slamdance docudrama Beware of Dog. She received the Black Family Film Prize for Homesick, which premiered at Tribeca in June 2026.
instagram.com/bedj

La entrada Homesick se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

La canción gira alrededor de una experiencia bastante común: esos momentos en los que dejamos de sentirnos completamente presentes. Puede suceder mientras dormimos, meditamos, estamos bajo el efecto de una sustancia, nos enamoramos o atravesamos un duelo. Cambia la percepción del cuerpo, del entorno y, especialmente, del tiempo.

Raw lleva esa idea a una canción de folk-rock psicodélico construida alrededor de guitarras, textura y una producción orgánica. NADA fue grabada en cinta analógica reel-to-reel en Valentine Recording Studios, en North Hollywood, un estudio histórico que ha formado parte de la escena musical de Los Ángeles durante décadas.

La canción también habla de la pérdida. Del momento en que una persona, una relación o una parte de nuestra vida deja de estar y la realidad cotidiana comienza a sentirse extraña. En ese estado, el tiempo puede alargarse o desaparecer por completo. Hay momentos en los que una tarde parece durar semanas y otros en los que una época entera queda reducida a una imagen.

“En NADA miro hacia el lugar al que se llega cuando uno deja de ser del todo uno mismo”, explica Raw. “A veces dormido; otras, meditando, bajo el efecto de una sustancia, en el deseo, en el vértigo de enamorarse. También en el dolor: en la intensidad del duelo, en dejarse atravesar por una pérdida y en la extraña libertad que aparece cuando algo se suelta.”

Esa relación entre percepción y materia también aparece en el resto de su práctica. Criada entre México, Estados Unidos y el Reino Unido, Raw trabaja entre la música y las artes visuales, y mantiene una afinidad particular por los procesos analógicos. La fotografía, el diseño y la imagen que acompañan sus canciones forman parte del mismo universo que su música.

En vivo, su recorrido reciente incluye presentaciones junto a Yeah Yeah Yeahs en el Teatro Metropólitan y Wet Leg en el Lunario del Auditorio Nacional. En mayo de este año llevó su música a España para una presentación dentro del ciclo ENCAJA2, realizada en la caja escénica del Teatro Jovellanos de Gijón.

Con NADA, Marion Raw continúa explorando una zona en la que la música puede funcionar como un espacio de suspensión. Una canción sobre perder momentáneamente la noción de quiénes somos, cuánto tiempo ha pasado y qué queda cuando dejamos de intentar mantener todo en su sitio.´

La entrada Marion Raw regresa con NADA se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
La idea de Rallado Quesería nació para celebrar el reunirnos alrededor de una mesa, que al final es lo que más nos mueve. Y también del amor al queso, al producto de calidad y, sobre todo, al queso mexicano.

Nos dimos cuenta de que era muy difícil encontrar un lugar realmente especializado en queso, un espacio donde el queso fuera el protagonista, donde conocieran a los productores, sus granjas y sus procesos, y donde cada pieza tuviera el lugar y la atención que merece. Un lugar donde poder llegar, preguntar, probar y descubrir algo nuevo.

Rallado nació de la idea de crear algo que sentíamos que hacía falta en la CDMX, pero la vida se la dan todos los productores, equipos y personas que hacen posible cada pieza de queso que tenemos en la tienda.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Seguir aprendiendo, conociendo, probando sabores nuevos y compartiendo saberes. Entre nosotros como equipo, con los clientes, con los productores y con toda la red y comunidad que conforma Rallado.

Y no vamos a mentir, poder comer queso todos los días también es increíble. Una rueda recién abierta, un queso maduro justo en su punto o uno recién salido de la granja son de las mejores partes del trabajo.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
No debería dudar en preguntar y probar. A veces el mundo del queso puede parecer algo lejano o complicado, pero en realidad nos rodea todos los días. Parte de lo que buscamos en Rallado es justamente hacerlo más cercano: que puedas ir probando, preguntando y conociendo poco a poco las distintas piezas.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Sin duda, la logística. Ha sido complicado conectar a pequeños productores de distintos lugares de México con la CDMX. Es un proceso costoso y complejo, y nos ha obligado a buscar distintas formas de hacerlo funcionar, pero finalmente creemos que vale totalmente la pena.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nos inspiran mucho los proyectos pequeños y muy especializados. Lugares que no intentan tener de todo, sino conocer muy bien aquello que hacen y compartirlo de una manera cercana. Nos gusta mucho la idea de que la especialización no limita, sino que abre un mundo entero. Es algo que intentamos aplicar también en Rallado.

También encontramos mucha inspiración en las tiendas de barrio, en los espacios especializados y en las queserías europeas, algunas con generaciones de historia, a las que la gente se acerca como parte de su rutina para comprar el queso de la semana. Nos gusta esa idea de la quesería como un lugar cotidiano y cercano, y queremos construir nuestra propia versión de eso en la CDMX.

Y, sin duda, las visitas a las granjas siguen siendo una de nuestras mayores fuentes de inspiración. Cada vez que conocemos una, regresamos al proyecto viéndolo de otra manera. Entender el territorio, los animales, las decisiones y el trabajo que implica cada pieza hace que después podamos contarla y compartirla mucho mejor.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encanta trabajar justamente con quienes hacen lo que vendemos. Tuvimos a Finca Las Luciérnagas en una cata, pronto estará Panalli, y nos encantaría poder hacerlo poco a poco con cada uno de los productores con los que trabajamos.

Finalmente, queremos que Rallado también sea un espacio para acercarlos a más gente: que puedan venir, contar lo que hacen, compartir sus conocimientos y que quienes compran sus quesos y productos puedan conocerlos de una forma mucho más cercana.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Tenemos muchos pequeños detalles que hemos ido recolectando en el camino. Hay referencias de distintos lugares y viajes, un mosaico de Cadaqués de un maestro quesero haciendo queso, objetos familiares y regalos de amigos y de personas que han trabajado en la tienda. También hay algunos ratoncitos escondidos.

No necesariamente fueron pensados como parte de una decoración; simplemente se han ido incorporando y haciendo que el espacio se sienta cada vez más nuestro.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Nuestro proyecto quisiera ser muchas ciudades, libros y discos a la vez. La CDMX, París, San Francisco, Tokio o Istanbul… porque son extremadamente cosmopolitas y extremadamente devotas de la tradición. Las fábulas de Kafka y Monterroso, los cuentos cortos de Rulfo y Capote, el teatro de Beckett o las novelas de Camus y Orwell, porque son obras con voz poderosa e inconfundible. Los discos de Miles Davis y Bowie, las suites para cello de Bach o los cánticos de Nustrat Fateh con los beats de Massive Attack, por la profundidad de su pasión creativa.

Rallado nace del amor por el queso como producto histórico, fruto del territorio y el saber ancestral, pero también del entusiasmo por la nueva creatividad que lanza piezas de autor exquisitas, en las que se funden el conocimiento profundo de los secretos del cuajo y una audacia infinita por transformarlo y llegar a territorios desconocidos para el paladar. Un viaje sin límites que nos ilusiona compartir.

Fotografías por Andrea Romano, Marco Herrera, Rodrigo Galindo.

Emilia López & Elisabet Sabartés
Fundadoras de Rallado Quesería
Quesos de México y el mundo
CDMX, México
instagram.com/rallado_queseria

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Para cerrar The Harmony Collection, The Macallan eligió trabajar alrededor de un ingrediente que, en realidad, no forma parte de la receta: el coco. Las notas de coco de Inspired by Fresh Coconut aparecen durante el proceso de maduración, a partir de la selección y combinación de diferentes tipos de barricas.

El equipo de Whisky Mastery utilizó barricas de roble americano sazonadas con jerez y barricas que previamente contuvieron bourbon. De acuerdo con la marca, las propiedades naturales del roble americano favorecen la presencia de notas de coco, mientras que la combinación de barricas permite desarrollar ese perfil junto con lima, limón, naranja, mango, papaya, vainilla, almendra y especias.

La investigación alrededor del coco también llegó a la gastronomía. Como parte de TimeSpirit Dining Experience, la colaboración de The Macallan con El Celler de Can Roca, el chef pastelero Jordi Roca desarrolló una serie de creaciones dulces inspiradas en el whisky, utilizando distintas texturas y contrastes para interpretar el coco. La experiencia también incluye creaciones de coctelería desarrolladas alrededor de este perfil.

El material del empaque sigue la misma línea. Para esta edición se incorporaron fibras de coco descartadas, transformadas mediante un proceso libre de emisiones en un material de textura distintiva y tonalidad negra natural. Un material que había llegado al final de su ciclo adquiere así una nueva función dentro del diseño de la colección.

Inspired by Fresh Coconut es la sexta y última edición de The Harmony Collection, una serie que ha explorado la relación de The Macallan con la naturaleza a través de la creatividad, la maestría y la innovación. Para este capítulo final, la marca reunió maduración, gastronomía y diseño alrededor de un mismo elemento: el coco.

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Promiseland, el proyecto de Johann Rashid, se mueve entre música, performance, video y una energía difícil de domesticar. El artista australiano llegó a Nueva York en 2014 desde la escena post-punk de su país y ahí comenzó a construir un lenguaje propio alrededor de voces punk, beats electrónicos y una puesta en escena intensa.

Ahora presenta “Lose the Baby”, una nueva versión de una canción de Lost Animal, proyecto del también australiano Jarrod Quarrell. La elección tiene una historia detrás: Rashid conoció a algunos de sus colaboradores más cercanos durante su etapa en Nueva York a través de Quarrell. Para él, la canción pertenece a ese grupo de piezas australianas que con el tiempo adquieren una dimensión casi de culto.

La trayectoria de Promiseland llamó la atención de Cult Records, sello que publicó su álbum debut, Sad But Happy, y describió a Rashid como “el futuro príncipe de la anarquía”. Desde entonces, su trabajo ha seguido cruzando disciplinas, con la música como punto de partida para desarrollar una identidad visual y escénica igualmente importante.

En septiembre, Promiseland acompañó a The Strokes durante tres fechas de su gira Reality Awaits por Estados Unidos, en Tampa, Miami y Charlotte. La relación entre ambos proyectos ya tenía un antecedente: Rashid participó en la dirección del video de “Going Shopping” y en el arte del disco de la banda.

México también forma parte de la historia reciente de Promiseland. En enero de 2025 abrió el concierto de Rey Pila en el Auditorio BB de la Ciudad de México. Meses después regresó al circuito musical de la ciudad para grabar una sesión en vivo en Codependiente junto a Erik Deutsch, Pablo Cantú, Rodrigo Blanco y Daniella Valdez, interpretando canciones de Sad But Happy.

Con “Lose the Baby”, Johann Rashid vuelve a una canción conectada con su propia historia y continúa ampliando el universo de Promiseland, donde música, imagen y performance avanzan juntos.

La entrada Lose the baby se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Ahuehuete nació tras el gusto y el amor hacia las plantas, y de la inspiración de ver una tienda de plantas en el extranjero. Una tienda, no un vivero, y eso fue justo lo que lo hizo diferente: ser la primera en Guadalajara con este concepto.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Las mañanas del fin de semana siempre tienen mucho encanto: el olor a café molido, las plantas recién regadas y un buen playlist para prepararnos. Todo eso define mucho la energía con la que recibimos a los clientes. Y los domingos de Vía RecreActiva, definitivamente, son un mood.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Disfrutar la visita con calma y recorrer el jardín. En Americana, el balcón de la esquina es privado, pero te permite tener una hermosa vista. También probar nuestro latte de lavanda, conocer el favorito Ahuehuete y Plan Magnolia, y si te encuentras a Jack, Lakme o Mike, los perritos de Ahuehuete, acariciarlos. Y claro, elegir una planta que se vaya contigo a casa.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Trabajar más de una sucursal definitivamente cambia la historia. Es como crecer una familia, y eso te hace pensar hacia dónde vas a llegar como marca, como familia y como equipo de trabajo.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
El definirnos como un espacio que crea comunidad en todos los sentidos, ser un espacio versátil y una empresa que cree en el talento y en que las personas deben ser como se sientan libres y cómodas, tanto nuestros empleados como nuestros clientes. Queremos crear una experiencia que llene todos tus sentidos.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Más allá de una persona, creo que el entorno actual nos inspira a ser mejores últimamente, a construir un espacio genuino. Ya que las cosas afuera no han estado tan sencillas, siempre es lindo aportar para que la vida se torne más bella.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encanta tener a Dani y a Ale dando talleres con nosotros. Nos encantaría invitar a los artesanos con los que trabajamos para que muestren sus técnicas a nuestros clientes también.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Hay algunas ilustraciones, dibujos o notas que nos han dejado clientes cuando nos han visitado, y nos encanta guardar en un corcho detrás de la barra de café.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Definitivamente seríamos Guadalajara, porque nos encanta ser y haber creado un proyecto que ahora es parte de esta ciudad, con olor a tierra mojada, pisos de cuadros y atardeceres bellos.

Ahuehuete
Plantas y café
Guadalajara, México
instagram.com/ahuehuete.gdl

La entrada Ahuehuete se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este proyecto y qué lo hizo diferente desde el principio?
Empezamos Umani hace 7 años. Somos tres socios fundadores que nos conocimos estudiando y nos juntó nuestro interés por las transformaciones y el gusto por comer y beber rico.

Cuando empezamos, lo que nos motivó fue crear una alternativa de bebida que fuera interesante y, sobre todo, muy rica: una opción sin alcohol y con menos azúcar que te pueda acompañar para hacer especial tu día a día, para hidratarte después de correr o que puedas pedir en tu restaurante favorito.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutan más quienes forman parte?
Ha ido cambiando, tanto Umani como nosotros nos hemos ido transformando.

Yo creo que mi socio Juan Carlos, definitivamente, la parte que más disfruta es encontrar soluciones ingeniosas en la producción.

Ixchel disfruta de pulir los detalles para que las personas puedan ver lo increíble que es el universo de Umani como marca.

Yo, Jorja, lo que más disfruto son las relaciones que creamos con las personas que toman nuestras kombuchas, desde platicar con los chefs de los restaurantes sobre cuál kombucha combina mejor con cada platillo, hasta ver la sonrisa en la cara de las personas que nos prueban por primera vez.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Ha habido muchos desafíos. Por ejemplo, cuando nos cambiamos a la presentación en lata. Sí, iniciamos en vidrio. Fue un desafío porque estábamos empezando y, cuando creíamos que ya teníamos todo listo, la pandemia nos agarró en curva porque dejaron de producir nuestra botella y, de pronto, tuvimos que buscar desde cero equipo, proveedores y un cambio de imagen para cambiarnos a lata.

El mayor reto fue comunicarle a la gente que era el mismo proceso, pero en un envase con muchos beneficios: más estabilidad, mejor conservación, optimización de espacios en los refris de los clientes, lo que les permite tener más stock. Transportarlo y almacenarlo requiere menos recursos energéticos.

Nos encantó poder usar la etiqueta para traducir lo que tiene adentro. Finalmente encontramos parte de la identidad de Umani en ese reto, porque las bolitas de las etiquetas son las vistas al microscopio de los sabores de la kombucha, pero además son también formas de bacterias y representan las burbujas. Nos encantan las latas.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nuestro lema es “Puras cosas ricas” y esa es nuestra guía. El valor de Umani está en un buen producto, cuidando cada parte del proceso, y en que, sin importar la escala, podemos mantener lo que nos ha caracterizado y seguir haciendo cosas interesantes y que nos emocionan.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Yesfolk, RMBR, Bouche, AMA Pet Nat. Son proyectos de bebidas similares a Umani que hemos conocido y con los que nos identificamos en cómo viven la experiencia de tener un proyecto de fermentación. Admiramos mucho el crecimiento que han tenido y el enfoque que le han dado a sus proyectos, compartiendo y proyectando lo que hacen de una manera muy interesante y genuina.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos gustaría hacer un especial de helado flotante con Nevería Roxy. Imagínate tomando el flotante enfrente del lago de Chapultepec o antes de entrar a ver una peli en la Cineteca. Deli.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia del proyecto?
Cuidar cada uno de los lotes que hacemos con mucho cariño. Producir kombucha es un ciclo muy lindo, algo así como tener tamagotchis gigantes que siempre necesitan nuestra atención en cada etapa del proceso.

Desde buscar el té perfecto y extraer su sabor de la mejor manera posible, pasando por revisar las fermentaciones hasta que estén en su punto exacto para agregar los ingredientes de cada sabor de la mejor manera y enlatarlas para que lleguen a las personas de la mejor manera posible.

¿Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería la CDMX, por la efervescencia de la ciudad, el caos que funciona, la vanguardia y tradición al mismo tiempo. Aquí sentimos la importancia de acompañar cada momento con algo rico de comer y de tomar. Es celebración y cotidianidad.

UMANI
Puras cosas ricas
umani.mx

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What pieces or projects have you been working on lately?
Recently, I have been making work that sits within a lot of different worlds. Freely exploring how image-making and storytelling can cohesively become an expression within documentary, fashion, and alternative processes. Inspired and reflective of my travels, the places, the people. Like little meditations on moments lived and dreamt.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
Realising that my relationship with image-making is multi-faceted and doesn’t need to sit within a box. It can be led by expression and experiences, as well as curiosity and desire.

What words, ideas or emotions were running through your head?
I have been sitting with the idea of collecting moments, true or made up. The way that the camera can capture, expand, and hold on to something so sacredly.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
Spending time in Latin America, countries and cultures so far from what I have ever known. The number of people, the traditions and rituals, and ways of life. The warmth of strangers, the colour, and constant chaos.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
Navigating ways to have my work live outside of the internet.

What is your favorite coffee shop and why do you like going there?
I have been spending time at Cicatriz; their little space feels so romantic with the sun dappling through the trees and lots of people passing by.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
Recently in Colombia, a woman sang a Simón Díaz song to me on the guitar, and it has stuck with me since. ‘Tonada De Luna Llena’ would soundtrack my month: a soft, mystical life amongst the chaos of the city.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
I have been having film developed and scanned with Foto Hercules, and I will be beginning to get back into the darkroom with FOCO Lab, developing and printing.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
My partner Liam Cosford is a ceramic artist and is currently in the middle of a residency here in CDMX. Watching him completely engrossed in his work, exploring and expanding his practice, has been so inspiring. He has a freedom, obsession, and childlike curiosity towards making, which radiates into our lives together.

Poppy Marshall-Kirby
Photographer and videographer from New Zealand, currently based in CDMX, Mexico.
instagram.com/poppymarshallkirby

La entrada Tonada de luna llena se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Shaka nació en 2017 con una idea muy clara: demostrar que comer rápido no tenía por qué significar sacrificar calidad. Queríamos traer a la Ciudad de México una propuesta inspirada en el poké hawaiano, pero adaptada a un estilo de vida urbano, donde pudieras comer algo fresco, delicioso y preparado al momento.

Desde el principio hablamos de Fast Good: comida rápida, sí, pero con ingredientes de calidad, mucha personalización y una experiencia que te hiciera sentir bien. Más que vender bowls, queríamos crear una marca con la que la gente se conectara.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Sin duda, cuando el restaurante empieza a llenarse de vida. Ver a alguien entrar por primera vez, descubrir cómo funciona el concepto, crear su bowl y regresar después porque encontró “su combinación” o platillo ideal es muy satisfactorio.

También disfrutamos mucho la parte creativa. Siempre estamos probando ingredientes, desarrollando productos y buscando nuevas formas de sorprender sin perder la esencia de Shaka. Nos gusta que cada temporada tenga algo nuevo que contar.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Definitivamente la experiencia de crear su propio bowl. Es la mejor forma de entender qué es Shaka: elegir cada ingrediente hasta encontrar una combinación que realmente se adapte a tu gusto.

Y si prefieres empezar con uno de nuestros favoritos, recomendaría el Bowl Ohana, Kilauea o Shaka King. Nuestras brochetas de brócoli y cualquier preparación de nuestras palomitas también te harán regresar.

Y hay algo que siempre recomiendo: acompañarlo con una limonada de lichi.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
El mayor reto ha sido crecer sin perder nuestra esencia.

Cuando abres una segunda, tercera o séptima sucursal, entiendes que ya no basta con hacer comida rica; tienes que construir procesos, formar equipos y lograr que la experiencia sea igual de buena en cualquier sucursal.

Ese reto nos obliga todos los días a preguntarnos cómo seguir creciendo sin dejar de ser cercanos, auténticos y mantener la calidad y servicio que nos caracteriza.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La buena vibra sigue siendo el centro de todo.

Nos inspira la cultura hawaiana, no solo por el poké, sino por esa forma de vivir donde se disfruta el momento, se comparte y las cosas se hacen con una actitud positiva. El saludo “Shaka” representa justamente eso.

Queremos que, aunque sea por media hora, quien venga a comer salga de aquí con un mejor ánimo del que llegó.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira mucho ver cómo está evolucionando la forma de comer y de vivir la ciudad.

Cada vez más personas buscan lugares donde puedan comer bien, trabajar un rato, reunirse con amigos o simplemente desconectarse unos minutos. La tendencia de consumo de mayor proteína y menos alimentos procesados nos motivó a evolucionar Shaka y desarrollar también Shaka Hawaiian Café en la sucursal de Río Lerma, para acompañar diferentes momentos del día sin perder nuestra esencia.

Al final buscamos ser parte del estilo de vida de nuestros clientes, no solo una opción para comer.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Más que pensar en alguien famoso, nos gustaría colaborar con personas que realmente compartan nuestra filosofía de vida: atletas, chefs, creativos o incluso clientes que forman parte de la comunidad Shaka.

Crearíamos juntos un bowl inspirado en su historia, sus ingredientes favoritos y su personalidad. Creo que las mejores colaboraciones son las que nacen de algo auténtico y terminan convirtiéndose en una experiencia que todos pueden disfrutar.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Mucha gente piensa que Shaka es solo un nombre, pero en realidad representa una filosofía.

El “Shaka” es un saludo originario de Hawái que simboliza buena vibra, respeto, amistad y disfrutar el momento. Desde que elegimos ese nombre quisimos que toda la marca girara alrededor de esa idea.

Por eso cada detalle, los colores, los mensajes, la música, el diseño y hasta la forma en que atendemos, busca transmitir esa sensación de relajarte un momento y disfrutar una buena comida.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería Honolulu.

Porque tiene exactamente la mezcla que buscamos transmitir con Shaka: naturaleza, energía, movimiento, buena comida y una forma relajada de vivir.

Es una ciudad donde puedes empezar el día haciendo ejercicio, trabajar, ir a la playa, comer increíble y terminar viendo el atardecer. Esa combinación entre bienestar, diversión y optimismo es la misma que queremos que la gente sienta cada vez que entra a Shaka.

Sergio Schipper
Fundador y CEO de Shaka 808
Hawaiian poke & more
CDMX, México
instagram.com/shakamexico

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Después de 12 años trabajando con artistas, exposiciones, ferias y distintos proyectos alrededor del arte contemporáneo, Agencia de Arte abre por primera vez un espacio físico en la Ciudad de México.

Constelación, una muestra colectiva con 41 artistas que han formado parte de la historia de la agencia, ocupará la planta baja y podrá visitarse del 1 al 4 de octubre de 2026. En la planta alta, el nuevo espacio permanente abre con Tempo, una exposición individual de Dionnys Matos, con curaduría de Raúl Cordero.

Fundada en 2012 por Sarai y Lara Balderrama, Agencia de Arte ha trabajado con artistas emergentes, de media carrera y establecidos, acompañando distintas etapas de sus trayectorias y desarrollando exposiciones, proyectos editoriales, participaciones en ferias y otras formas de acercamiento al arte.

La apertura en San Miguel Chapultepec reúne en un mismo lugar parte de ese recorrido y una nueva etapa para el proyecto. La agencia plantea el espacio como un punto de encuentro entre artistas, públicos y coleccionistas, con la intención de hacer más cercano el acceso al arte contemporáneo y al coleccionismo.

Constelación reúne a Alejandro Castañeda, Alexa Torre, Andrés Anza, Andrés Gómez Servín, Andrés Monnier, Arantxa Solis, Camila Rodrigo, Daniel Adolfo, Daniel N. Johnson, Daniela Rivero, Denise Lacarra, Diego Ascencio Fuentes, Dionnys Matos, Diego Garcia, Edgar Solorzano, Emanuel Torres, Felipe Bedoya, Fernanda Uski, Gaby Lobato, Griselda Benavides, Guadalupe Quesada, Hugo Lugo, Ismael Senties, James Bonachea, Jessica Sanchez, José Snaider, Juan Pablo Vidal, Karian Amaya, Lucía Oceguera, Luis Miguel Rico, Margarita Velázquez, Martín Levêque, Pablo Arellano, Prince Láuder, Rebeca Cors, Renata Alarcón, Rocca Luis César, Román de Castro, Sandra de León Torres, Santiago Arau, Vero Glezqui y Yumnia Duarte.

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