What pieces or projects have you been working on lately?
Lately, I’m working on a project about the “infra-thin,” an investigation into the most delicate perceptions and imperceptible dimensions that connect humans and nature. By “infra-thin” I mean those layers of reality that escape immediate observation: vibrations, traces, micro-relations between beings and the environment, subtle energies that define our relationship with the world. At the same time, I’m pursuing collaborations with Splendore Mauro, with whom I created “Atopia” and “Maia”. I’ve also completed “Eve’s Diary”, a work exploring identity and the interconnection between all elements of reality.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
I’ve learned to trust intuition, allowing images to suggest without explaining everything. I’ve unlearned the idea that every photograph must tell a linear story: today, I welcome silences, voids, and suspension as an integral part of the narrative. This approach is essential when working on the subtle, where what is perceived is not always immediately visible or understandable.

What words, ideas or emotions were running through your head?
The work is immersed in a sense of suspended calm, curiosity, and wonder. There’s attention to the invisible, to the wild, and to the connections between humans and nature. It’s a balance between contemplation and participation, observation and immersion.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
The films that inspired me are those exploring interiority, silence, and the spiritual states of the mind. In literature, readings in anthropology, philosophy, and poetry have helped me develop a visual language capable of capturing what escapes immediate perception.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
The greatest challenge is maintaining delicacy and coherence, especially in the infra-thin project.

What is your favorite restaurant and why do you like going there?
I don’t go to restaurants. I prefer picnics in nature: sitting on a meadow, listening to the wind through the trees, observing the changing light. These moments, away from the noise, nourish my attention to detail and my ability to truly observe.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
It would be called “Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring Again” by Kim Ki-Duk.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
I would like to collaborate with studios and labs exploring photography, visual anthropology, and immersive practices: interacting with other perspectives generates new creative possibilities.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
I recommend Alec Soth, for his ability to construct open narratives, made of subtle connections between places, people, and time; he invites viewers to complete what is not immediately visible.

Francesca Woodman, for the emotional power of her images and her deep relationship with body, space, and memory.

Sophie Calle, for her bold exploration of intimacy and the traces of daily life, transforming the ordinary into a poetic experience.

Rinko Kawauchi, for her poetic and meditative sensitivity, transforming everyday life into suspended, luminous moments.

Contemporary Japanese photographers capable of capturing the most delicate traces of memory and existence.

Sonia Navelli
Italian photographer. She has been studying photography for several years Her photographic gaze is attracted by the profound complexity of human relationships and by a constant search for herself and its “nature”.
instagram.com/sonia_navelli

La entrada And spring again se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Nació en pandemia, en 2020. Comencé horneando pan en el hall de mi casa. A los pocos meses, el local donde comenzamos, en la colonia Escandón, se puso disponible y decidimos rentar. Siempre lo quise para un bar de cerveza draught. Cuando estuvo disponible, estaba experimentando con masa madre y, del sueño de hacerlo años atrás, se comenzó a materializar “sin querer”.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Cada horario tiene lo suyo. En las mañanas, prender los hornos, pan que comienza a salir, café, en chinga pero con calma. Obvio, las 7:30am que abrimos, ver a los clientes llegar por su pancito y café.

En cuanto a la producción, creo que también hay muchos horarios especiales: formado de barras, amasado, laminado… Hay procesos todo el tiempo. Se tiene que disfrutar lo que uno hace.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Ufff, qué difícil… pero creo que mi pieza de pan dulce favorita puede ser las conchitas. El rollo de arándano es increíble, el panqué de cocoa y espresso… Y de pan salado, creo que sí o sí una barra y una hogaza de la casa para llevar.

Nuestro Flat es muy bueno.

Y creo que los molletes con tocino y aguacate son definitivos.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Emprender no es fácil. No es fácil tomar la decisión de hacerlo y, una vez que lo haces, te das cuenta de que en realidad no tienes idea de la cantidad de situaciones que tenemos que atravesar. Todos los días suceden cosas. Al final, el pensamiento sigue siendo el mismo: ¡Tenemos que seguir!

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Siempre la influencia de seguir haciendo las cosas bien es vital, utilizando buenos ingredientes.

Me encanta la fermentación de alimentos. Siempre estoy leyendo y jugando con ingredientes.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Chad Robertson, una gran influencia. Sus libros son como la Biblia de la panadería.

Anthony Bourdain, 100% straight forward.

Hay muchos panaderos súper talentosos en el país, algunos amigos. Siempre platicar entre nosotros es muy enriquecedor.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
MMMM, no lo sé.

Hay proyectos muy interesantes y personas muy talentosas y divertidas por ahí.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
¡Sí! Un par.

El horno con el que damos servicio en el área de cafetería es un ROFCO, con una historia increíble detrás. Fue con el que comencé a hornear en casa.

Y, en general, el primer local. Se hacía todo: amasar, hornear, café… Era una locura, hasta hace un par de años que pudimos rentar un espacio bastante más grande del otro lado de la calle y sacar los hornos. Era un cotorreo sacar servicio, pan, café, loza, etc., etc., etc.

Nuestro refrigerador de barra comenzó como refrigerador para fermentar hogazas. Hoy tenemos varios refrigeradores y este año vamos a armar una cámara fría.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
CDMX. ¡Qué caos y qué chingona es! También es ruda y hay que saber por dónde.

Kitchen Confidential: cuenta las cosas “como son” en el día a día de la industria de la gastronomía. Nosotros no escondemos nada, es un proyecto auténtico que salió del corazón.

…Un disco… En 2020 puse mucho Blur, Bob Marley, The Herbaliser, Pink Floyd… ¡Qué difícil!

David Bessoudo
Fundador de Daves Home Bread
Harina, agua y sal
CDMX, México
instagram.com/daveshomebread

La entrada Daves Home Bread se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

What pieces or projects have you been working on lately?
I have been working on multiple ongoing projects. A few include documenting the American Midwest and old Korean architecture.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
I think the most important lesson I’ve had to learn is pacing. I tend to shoot as much as I can wherever I am, but with some of the projects I’ve been working on, it’s been more important to take my time and plan photos ahead of time.

What words, ideas or emotions were running through your head?
Whenever I am working on my projects, I always look at the scenes I’m capturing and ask myself whether I am telling the story I want to tell.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
Mostly conversations with other photographers have found their way into this work. I have several photographer friends I talk to for constructive feedback, and that’s been very helpful for gaining new insight. I enjoy watching movies and shows in general, and that has definitely influenced me over time. Some of my favorites, in no particular order, are Hereditary, Dunkirk, Parasite and The Man in the High Castle.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
Balancing a full-time job with these projects has been the biggest challenge. Finding time to shoot and finding access to the right locations and subjects doesn’t always fit neatly into a busy schedule. But I’ve been pushing through it, and if anything, the constraints have made me more intentional about the time I do have to go out and create.

What is your favorite coffee shop and why do you like going there?
My favorite coffee shop is Common, which I randomly discovered on my last trip to Tokyo. I love going there because they have a unique selection of food and coffee.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
The title would be Discovery, a quiet film about someone moving slowly through familiar and unfamiliar places, trying to notice things before they disappear. The soundtrack would be made by Jung Jae Il: understated and emotional, with a rhythm that feels like wandering with purpose.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
I have never collaborated with any studios, labs, or workshops, but I would love to in the future.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
Greg Girard has been one of my favorite photographers. His documentation of different countries and the lives people lived in inspires my projects. The way he explores places and captures what genuinely interests him encourages me to find meaning in the details of daily life.

Eli Beaverson’s street photography inspires my work documenting people. I love how he frames his subjects and tells stories through a single image. He has a remarkable ability to find beauty in all kinds of environments.

Yusuke Nagata’s work capturing Japanese youth is deeply inspiring. He is documenting an important part of Japanese society, and it pushes me to think more intentionally about my current and future projects. He also runs Far East Darkroom, a publisher that supports artists from East Asia.

David Lee
I’m ethnically Korean but spent most of my childhood growing up in Indonesia. My work focuses on capturing the world as it exists right now, with a focus on the intersection of humanity, architecture, and nature.
instagram.com/sanleesnaps

La entrada Discovery se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
SSAM nació con la idea de acercar la auténtica gastronomía coreana a México de una forma accesible y divertida. Desde el inicio quisimos que la experiencia fuera mucho más que ir a comer: crear un espacio donde las personas pudieran reunirse alrededor de una parrilla, compartir platillos y sentirse, por un momento, como si estuvieran en Corea.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Sin duda, cuando el restaurante empieza a llenarse y las mesas cobran vida. Ver a las personas cocinar juntas en la parrilla, probar algo nuevo y disfrutar la experiencia nos recuerda por qué hacemos lo que hacemos. También disfrutamos mucho crear nuevos platillos, bebidas y experiencias inspiradas en la cultura coreana.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
La parrillada coreana. Es el corazón de SSAM porque reúne a todos alrededor de la mesa. También recomendamos probar nuestros banchan, algún ramyeon y acompañar la experiencia con un soju o un cóctel inspirado en Corea.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los mayores retos ha sido mantener la autenticidad de la cocina coreana mientras conectamos con el gusto del público mexicano. Ese equilibrio nos ha impulsado a innovar constantemente sin perder nuestra esencia.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La hospitalidad coreana y la importancia de compartir los alimentos. En Corea, comer es un momento para convivir, y esa filosofía sigue siendo la base de cada experiencia que buscamos ofrecer en SSAM.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira la evolución de la gastronomía coreana a nivel mundial. Ver cómo cada vez más personas descubren y valoran esta cultura nos motiva a seguir innovando y creando experiencias que acerquen Corea a México de una forma auténtica.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría colaborar con un chef coreano reconocido por reinterpretar la cocina tradicional. Sería una oportunidad para crear un menú especial donde se mezclaran técnicas tradicionales con ingredientes mexicanos, celebrando el intercambio entre ambas culturas.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Muchos visitantes se enfocan en la comida, pero cada detalle del diseño fue pensado para transportar a nuestros invitados a Corea. Desde la ambientación hasta la selección de materiales y elementos decorativos, todo busca recrear esa sensación de estar viviendo una experiencia fuera de lo cotidiano.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería Seúl. Es una ciudad donde la tradición y la modernidad conviven de forma natural, igual que en SSAM: respetamos la esencia de la gastronomía coreana mientras buscamos ofrecer una experiencia contemporánea, dinámica y cercana para nuestros invitados.

Sujin Lee
Directora de Marketing de SSAM
Un viaje de sabores coreanos únicos en el mundo.
CDMX, México
instagram.com/restaurantessam

La entrada SSAM se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Actualmente no estoy trabajando en un proyecto en específico; más bien, he encontrado en la fotografía análoga un medio para expresar lo que siento. A través de ella logro conectar con el mundo y compartir lo valioso que es detenerse a observar.

Me gusta pensar que la fotografía es una máquina del tiempo, donde cada disparo se convierte en un instante congelado lleno de sensaciones y emociones.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Aprendí a soltar las expectativas sobre el resultado final y a mantener la calma en cada disparo.

También dejé atrás el recelo hacia las fotos no logradas y dejé de perseguir una idea rígida de la “foto perfecta”. Con el tiempo, entendí que lo imperfecto también puede convertirse en algo valioso y, muchas veces, en lo verdaderamente perfecto.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Puedo decir que el amor es el sentimiento que surge en mí cada vez que hago una foto.

Me da plenitud poder congelar en el tiempo momentos y personas.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Mi trabajo está lleno de la música y el cine que me acompañan cada día, así que sería injusto destacar solo una influencia.

Cada foto lleva un poco de todo lo que me gusta, de lo que veo y de lo que siento.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Lo más difícil que he enfrentado durante mi proceso creativo ha sido reconocerme a mí misma como fotógrafa.

Durante mucho tiempo me autosaboteaba, pensando que mis fotos no eran lo suficientemente buenas, y por eso sentía que no merecía el reconocimiento.

Aprender a valorarme y a aceptar mi trabajo ha sido un desafío constante, pero también una de las partes más importantes de mi crecimiento creativo.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
En realidad no tengo una cafetería favorita; me gusta más estar en parques o sentada en alguna banca, observando todo lo que pasa a mi alrededor.

Pero si tuviera que recomendar un lugar para comer algo mientras veo una película, sería Interestelar.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
La llamaría Contrastes de una vida y sin duda amaría que el soundtrack lo hiciera Natalia Lafourcade.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
La mayor parte del tiempo he trabajado con Fotostar; sin embargo, el último rollo que revelé fue con Proyecto Hybrida.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Últimamente he estado muy inspirada por Patrick Mainstone.

Me encanta cómo percibe la vida y logra compartirla de manera más real; su forma de mirar y capturar los momentos me inspira a encontrar belleza en lo cotidiano y a ser más auténtica en mi propio trabajo.

Anahi Olvera
Soy fotógrafa emergente de Puebla y me gusta vivir la vida a través de mi cámara. Casi siempre me encontrarás con ella en la mano, capturando momentos, personas y pequeños detalles que, para mí, hacen que lo cotidiano se sienta especial.
instagram.com/ziima.blue

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¿Qué han lanzado o activado recientemente que la gente debería conocer?
Acabamos de celebrar nuestro primer aniversario con una experiencia inspirada en las ferias: juegos, premios, bebidas especiales y distintas dinámicas alrededor de Koh’vi, nuestro personaje. Más que hacer una promoción, queríamos agradecerles a quienes han acompañado a Koh’va durante este primer año y crear un día en el que todos pudieran sentirse parte del proyecto.

¿Con quién han conectado recientemente que esté influyendo o dialogando con lo que hacen?
Últimamente hemos conectado todavía más con nuestros clientes, con creativos locales y, especialmente, con nuestro equipo de baristas. Escuchar lo que disfrutan, observar cómo hacen suyo el espacio y conocer las ideas que surgen detrás de la barra influye muchísimo en lo que hacemos. Muchas de nuestras bebidas, dinámicas y decisiones nacen justamente de esas conversaciones.

Compartan una anécdota de algo que haya ocurrido últimamente y que haya sido significativo para ustedes.
Durante el aniversario fue muy especial ver a clientes que nos acompañan desde que abrimos regresar para celebrar con nosotros. Entre el rush, los juegos y las bebidas, hubo un momento en el que nos dimos cuenta de que muchas personas ya conocían al equipo, tenían su bebida de siempre e incluso recordaban momentos vividos en Koh’va. Entender que dejamos de ser solamente una cafetería y nos convertimos en un lugar familiar dentro de su rutina fue muy significativo.

¿Qué están preparando o desarrollando para los próximos meses?
Nos emociona muchísimo el regreso de la temporada de Pumpkin Spice, ya que fue nuestra bebida más vendida del año pasado. También estamos desarrollando una nueva línea de bebidas energizantes, pensada para quienes buscan un boost antes de entrenar, comenzar el día o continuar con su rutina. Y, por supuesto, estamos muy emocionados porque próximamente vienen más sucursales de Koh’va en nuestra ciudad. Se vienen meses de mucho crecimiento, nuevas bebidas y más espacios para compartir con nuestra comunidad.

¿Qué proyecto, marca o espacio nos recomiendan conocer y por qué?
Una de nuestras principales referencias es Kali, en Monterrey. Nos encanta porque es un espacio súper innovador, con una propuesta muy creativa y, además, el café es delicioso. Sin duda, es una de las cafeterías que más admiramos y que nos inspira a seguir explorando nuevas ideas.

También recomendamos muchísimo a nuestros amigos de Chiqueada, con quienes hemos tenido la oportunidad de colaborar en distintas ocasiones, especialmente con nuestro Matcha Float. Son un gran referente en helados y tienen una propuesta increíble de postres y bebidas. Nos encanta coincidir con proyectos que comparten nuestras ganas de crear cosas diferentes y deliciosas.

Si tuvieran que describir el momento actual del proyecto con una imagen, frase o una sensación, ¿cuál sería?
Sería la sensación de avanzar por un camino lleno de curvas: mirar hacia atrás después de cada una y descubrir cuánto hemos crecido, todo lo que hemos aprendido y a cuántas personas hemos encontrado en el recorrido. Para nosotros, las curvas representan esos cambios de dirección que nos han permitido evolucionar, crear y descubrir nuevas posibilidades sin perder nuestra esencia.

Hoy estamos justo en una de ellas: orgullosos del camino recorrido, profundamente agradecidos con quienes han decidido compartirlo con nosotros y emocionados porque, aunque no podamos ver con exactitud qué hay después de la siguiente curva, sabemos que todavía queda muchísimo por descubrir.

Wendy Candice Ramírez Cruz
CEO de Koh’va
Kafé / Matcha / Boba
Oaxaca, México
instagram.com/kohva.koffee

La entrada Koh’va se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Mi trabajo suele comenzar desde un impulso visceral: la necesidad de recrear una sensación, un estado emocional o incluso una imagen que aparece en un sueño.

Muchas veces ese impulso nace también del duelo y del intento de darle forma a aquello que duele, para poder transformarlo en imagen.

En esos momentos siento el deseo de traducir algo que fue vivido internamente hacia una forma visible.

Durante los últimos seis años he estado desarrollando una serie de fotografías que nacen precisamente de ese impulso y de una escucha profunda del entorno.

Durante este proceso me he refugiado muchas veces en los bosques, observando a los árboles como grandes maestras y espejos.

Reconociendo sus ciclos cuando sus hojas caen, cuando las semillas flotan, sus raíces se extienden y la red de micelio actúa por debajo de forma invisible conectando a los demás árboles, es ahí mismo donde mi proyecto cobra vida, ya que comprendo que nuestros cuerpos también pertenecen a esa misma lógica de transformación.

Quizás mi trabajo nace precisamente desde ese lugar, del intento de comprender cómo el dolor, al igual que en la naturaleza, puede convertirse en un proceso de transformación y regeneración.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Mirando las imágenes, trabajando en cómo conectarlas, he comprendido que muchos procesos de transformación no pueden forzarse.

Al igual que la naturaleza, hay ciclos que necesitan tiempo (por eso algunas de mis imágenes de estos dos últimos años a veces conversan y se conectan muy bien con otras imágenes de hace seis años).

También los ciclos necesitan silencio y un cierto grado de incertidumbre para poder desplegarse.

Creo que he tenido que desaprender la necesidad de controlar demasiado la imagen. En lugar de buscarla activamente, intento escuchar cuándo una imagen quiere aparecer.

Trabajar con el duelo, por ejemplo, me enseñó a aceptar los momentos de pausa, de vacío o de aparente quietud como parte necesaria del proceso creativo.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Hay palabras que van y vienen constantemente mientras estoy fotografiando o poco antes de sentir ese primer impulso de hacerlo: ciclo, raíz, memoria, regeneración.

También aparece con mucha fuerza la idea de que la naturaleza es maestra y espejo, que al observar con consciencia el bosque me llevará a pensar en aquello que cae y aquello que germina, en cómo la pérdida y la transformación forman parte del mismo movimiento.

El duelo también se transformó en pregunta: ¿Qué partes de nosotros necesitan caer para que algo nuevo pueda emerger?

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
La música es fundamental en mi proceso creativo. Casi todas las imágenes que he creado han nacido acompañadas por música, ya que me ayuda a entrar en un estado de escucha más profundo y a conectar con una emoción o una atmósfera desde la cual las imágenes empiezan a aparecer. Es un proceso muy especial.

Recientemente he visto la película Hamnet, de Chloé Zhao, y me conmovió muchísimo durante semanas. De alguna manera reforzó algo que ya intuía en mi propio proceso, y es que la creación puede convertirse en una forma de atravesar el duelo, de darle un lugar al dolor para que pueda transformarse en algo que también contenga vida.

En cuanto a los libros, vuelvo con frecuencia a la poesía. La leo casi como escucho música, como un espacio donde las palabras abren imágenes. Me acompañan muchos poetas como Emily Dickinson, Rainer Maria Rilke y Mary Oliver.

También me han influenciado los pensamientos de Carl Jung, especialmente en relación con el mundo simbólico y lo inconsciente, así como las investigaciones de Suzanne Simard sobre las redes del bosque.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Quizás lo más difícil ha sido sostener el proceso de confrontación que implica trabajar con experiencias profundamente personales como el duelo, la pérdida o la transformación. Crear desde ese lugar requiere atravesar emociones intensas y aceptar cierta vulnerabilidad.

Al mismo tiempo, ese proceso también implica transformar esas experiencias para que no permanezcan únicamente en el plano individual. Parte del desafío es encontrar una forma de trasladar esas vivencias hacia un lenguaje visual que pueda abrirse a otros.

Con el tiempo he entendido que ese tránsito, aunque a veces sea incómodo o desafiante, también permite que algo íntimo se convierta en un espacio de resonancia colectiva. Es allí donde el proceso creativo deja de ser solo personal y se transforma en una posibilidad de encuentro.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Tengo dos lugares favoritos aquí en Granada. Uno es Botánico Café, un café-restaurante que ya es casi mítico en la ciudad, fundado por dos mujeres hace más de veinte años y siempre ha estado muy vinculado a la vida cultural de Granada. Además, está justo frente al Jardín Botánico, lo que lo convierte en un lugar muy especial para sentarse, observar y leer un buen libro. Es un ambiente muy cálido y a menudo hay exposiciones o encuentros que hacen que el arte y la conversación sucedan de forma natural.

Otro lugar es La Finca. Me encanta su café y también su repostería, pero sobre todo porque se ha convertido en parte de una pequeña rutina personal: cada vez que salgo a caminar para despejar la mente suelo parar por ahí.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Si este mes mi vida fuera una película, probablemente la llamaría Montaña de fuego.

Siento que describe muy bien un momento de transformación intensa, donde muchas cosas se están moviendo internamente, como si algo estuviera ardiendo bajo la superficie para poder transformarse.

Quizás es tiempo de mirar a las montañas.

El soundtrack sería una mezcla de artistas, porque cada emoción y cada momento del proceso creativo pide una música distinta.

Por ejemplo, pienso en un soundtrack que contenga a Caetano Veloso, Ney Matogrosso, George Harrison, Pitou, Buzzy Lee, Frank Ocean o Magdalena Bay.

También hay artistas que me acompañan mucho cuando necesito entrar en un estado más contemplativo o experimental, como John Cage, Brian Eno, Harry Nilsson, Cocteau Twins y James Blake.

Supongo que el soundtrack sería precisamente eso: un mosaico de sonidos que acompañan distintos estados emocionales mientras las imágenes empiezan a aparecer en la película.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
En los últimos años he colaborado con distintos espacios independientes dedicados a la experimentación artística y al desarrollo de procesos creativos.

En Bruselas trabajé con The Green Corridor, un espacio de residencia y experimentación donde artistas, arquitectos y creadores multidisciplinares pueden desarrollar procesos y explorar nuevas ideas dentro de un contexto colaborativo.

Más recientemente, en Granada, colaboré con La Raíz Lab y con Espacio Márgenes, espacios que fomentan el intercambio entre artistas y la investigación en torno a prácticas contemporáneas.

Me interesa especialmente seguir colaborando con laboratorios artísticos, residencias y espacios de investigación donde la fotografía pueda dialogar con otras disciplinas como la performance, el cuerpo o la exploración del paisaje.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
La primera en la lista tendría que ser Yoko Ono. Sé que gracias a ella se despertaron en mí las ganas de dedicarme a crear. Siempre me ha interesado su manera de entender el arte como una práctica abierta, donde la idea, la acción y la participación pueden ser tan importantes como el objeto final.

Ana Mendieta es otra artista que me inspira muchísimo, especialmente por la forma en que su trabajo conecta el cuerpo con la tierra. Su obra tiene una dimensión ritual y espiritual que me parece muy poderosa.

En pintura, está el trabajo de Georgia O’Keeffe. Ella me ha influenciado mucho en la forma de observar la naturaleza y de acercarme a ella con una mirada íntima, donde lo orgánico y lo emocional se encuentran.

Dentro de la fotografía, otro muy importante para mí sería Wolfgang Tillmans, por su libertad formal y por la manera en que expande el lenguaje de la fotografía más allá de lo convencional.

También Nan Goldin, donde se encuentran lo cotidiano y lo sensorial, la fuerza emocional, cruda y honesta de su trabajo; Rinko Kawauchi, por la delicadeza con la que captura momentos efímeros y pequeños gestos de la vida; y Daido Moriyama, cuya fotografía tiene una energía visceral y muy libre que siempre me ha fascinado.

Alexandra Colmenares Cossio
(Lima, Perú, 1986) Fotógrafa y artista visual radicada en Granada. Su práctica investiga el vínculo entre el cuerpo y la naturaleza, utilizando la fotografía, el ritual y la performance para explorar procesos de duelo y transformación.
instagram.com/alexandracolmenarescossio

La entrada Montaña de fuego se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Asbaje nació primero como una panadería dark kitchen, con la idea de que el pan fuera el principal protagonista y se respetara el tiempo que necesita para existir. El uso de masa madre, largas fermentaciones y procesos tradicionales es el eje principal del local, aunque eso significara ir a un ritmo distinto al que muchas veces exige el mercado actual.

Con el tiempo el proyecto fue aceptado, comprendido y evolucionó hasta contar con un espacio físico donde ahora el pan, el café y la cocina conviven de forma natural, siempre con la intención de ofrecer un servicio y alimentos hechos con conciencia y sin prisas.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Las primeras horas de la mañana, cuando salen las primeras piezas de pan, se calibran los molinos de café y los aromas empiezan a inundar el espacio; justo la calma antes de recibir a nuestros primeros clientes.

También disfrutamos sentarnos para desarrollar los nuevos productos de temporada, el proceso de investigar qué ingredientes nos ofrece la temporalidad; probar las técnicas tanto para la cocina como para la panadería y encontrar el equilibrio entre lo tradicional y la vanguardia.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Sin duda debe comenzar con el pan: es el corazón de todo el proyecto. Después, que se tome el tiempo de elegir algún café para acompañarlo y un buen plato de brunch para pasar un rato agradable.

Más que recomendar un solo platillo o pan, nos gusta guiar la experiencia de nuestra panadería y menú, entendiendo que todo es parte del proceso creativo.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Aprender a crecer sin perder la esencia. Conforme el proyecto fue creciendo entendimos que la calidad no depende solo de la receta y los procesos, sino también de la capacitación del equipo y la cultura del trabajo.

Eso nos llevó no solo a documentar los procesos, sino a seguir capacitándonos y estudiando, mejorar el conocimiento para construir un proyecto sólido que pueda seguir evolucionando sin dejar de ser fiel a nuestros principios.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La fermentación natural sigue siendo la idea que guía todo el proceso. Nos recuerda que las cosas buenas necesitan tiempo, paciencia y atención, y que no todo puede ni debe acelerarse.

Más allá de que sea la filosofía del pan, también influye en cómo seleccionamos nuestros ingredientes, diseñamos nuestros menús, construimos nuestro espacio y recibimos a quien nos visita. Creemos en los procesos honestos, en respetar el ritmo de cada creación y encontrar el valor de aquello que madura sin prisa.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Últimamente nos ha inspirado la filosofía del diseño y la gastronomía nórdica: la belleza de lo simple, el respeto por el alimento y la idea de que cada elemento debe tener un propósito.

La forma de entender el diseño y la cocina nos recuerda que muchas veces menos es más y que la calidez no depende de la abundancia, sino de la autenticidad.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaríamos a Sophie Avernin, del proyecto Provocateur Wine Bar. Nos interesa mucho su forma de entender la gastronomía y creemos que sería muy enriquecedor explorar juntos los fermentados; una experiencia donde el pan dialogue con vinos extraordinarios para encontrar sabores profundos, honestos y con identidad.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Nuestro nombre, Asbaje. Es lo más visto, pero poco conocido, ya que muchos preguntan qué significa.

Viene del apellido de Sor Juana Inés de la Cruz antes de tomar su hábito: Juana de Asbaje; y lo tomamos porque justo al querer ponerle nombre al proyecto leíamos su recetario de cocina conventual, y nos gusta lo que representa: conocimiento, curiosidad, la búsqueda constante de aprender. Así definimos nuestro oficio.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
El sembrador, de Vincent van Gogh. Por la idea de sembrar sin buscar resultados inmediatos, confiando en los procesos, en el tiempo y en el trabajo constante; tal cual es nuestra filosofía en nuestro lugar.

Javier Coria & Nicolás Cano
Cofundadores de Asbaje
Masa madre, café y brunch
Toluca, México
instagram.com/asbaje.bakery

La entrada Asbaje se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Lo último más interesante que hice fue una pequeña serie del malecón de Veracruz, pedida por mi cuñado. Fueron fotos con requerimientos muy generales pero que tuvieran una estética decorativa clara, y en general creo que las últimas fotos que he logrado tomar han sido de ese tipo.

Durante mucho tiempo busqué que las fotos funcionaran únicamente con cierto contexto, bajo cierta historia, o junto a otras fotos; cosa muy distinta a lo que hice con esas fotitos de Veracruz. Y ese ha sido mi reto últimamente: mantener la capacidad de lograr imágenes que funcionen junto a otras imágenes y lograr imágenes que funcionen por sí solas. Hubo unas fotos que tomé en Chiapas hace poco y también se sintieron así, que tenían que funcionar por sí solas.

Creo que en esos casos lo que uno necesita es hacer muy claro el sujeto en cuestión, aunque no demasiado porque si no se pierde toda la sensibilidad de todo.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Creo que cuando hacía estas fotos de Veracruz pensé mucho más en los colores que en objetos, más en las capas producidas únicamente por los colores y no tanto por las personas, y creo que era el camino correcto porque fotos del puerto de Veracruz hay muchas ya y muy buenas.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Durante todo ese tiempo no podía dejar de escuchar el álbum yes/and de yes/and. Lo amo.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Lo más difícil que he enfrentado en mi proceso creativo últimamente es que, a pesar de que he intentado desarrollar esta capacidad de hacer imágenes que hablen por sí solas y al mismo tiempo imágenes que funcionen junto con otras imágenes, intento mantener todo dentro de una estética muy clara.

Llevo poco haciendo fotos, de modo que, más que un tipo de avance, ponerme dentro de una estética muy clara puede ser más bien un obstáculo para crecer.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Me encanta demasiado Totte. Creo que Totte es todo lo que una cafetería debería de ser: buen café con trazabilidad, el barista conoce súper bien el grano y el tueste (Kento incluso va a las fincas y él mismo tuesta el café), espacio, diseño y convivencia.

Además de que me encanta cómo ha acomodado todo, el tostador, la barra, los asientos; demasiado lindo.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Nada que hacer y tendría música de Sade.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Últimamente he trabajado muy de la mano de BUENTORO, un estudio de diseño súper lindo. Han sido más bien trabajos de carácter comercial, pero igual me ha gustado demasiado.

Sobre otros estudios o talleres, la verdad es que no he pensado mucho en ello.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
A veces me gusta decir, quizá sin tanto compromiso, que la belleza recae en las contraposiciones. Y todos los artistas que me gustan, creo que siguen esa línea.

Me gusta demasiado el trabajo de Alex Rúa, un fotógrafo de Guadalajara, que hace únicamente fotos hermosísimas en los contextos más cotidianos y mexicanos. En sus fotos se siente como él mismo es parte de todo lo que fotografía.

Me encanta mucho Emilio Villalba, no es fotógrafo, es un pintor de San Francisco, pero se alcanza a ver lo mismo: los trazos menos convencionales, pero la pintura completa es una imagen natural y real.

Me encanta también el trabajo de mi amigo Alejandro Llamas, hace de todo y en cada cosa que hace logra mantener cierta ingenuidad en cada trazo, pero la pintura completa es una emoción completa.

Y hace poco descubrí a Alonso Robles, que también mantiene esa contraposición. Son figuras demasiado simples, pero se ve vivo y despierto todo.

José Luis Sánchez Maldonado
Nací en Veracruz, pero vivo en la Ciudad de México desde hace muchos años. Estudié filosofía y ahora me dedico a la foto. Me gusta leer, andar en bici, el café, dibujar, y caminar.
instagram.com/walrus.da

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¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
De la mano del chef Luis Moreno y el chef Daniel Leal, dos jóvenes apasionados por la gastronomía, Biga nació mucho antes de tener un horno o un local. Nació en conversaciones interminables sobre la cocina que soñábamos hacer y sobre la aportación gastronómica que queríamos darle a Los Mochis.

Este proyecto surge de la inquietud de crear una propuesta distinta, donde existiera espacio para explorar la pizza desde el respeto por el oficio. Desde el inicio decidimos trabajar con fermentaciones largas mediante la técnica de biga fría, un método que aporta mayor complejidad de sabor, mejor estructura y una masa más ligera y digestible. A la par, desarrollamos focaccias de temporada que evolucionan constantemente para aprovechar ingredientes, experimentar nuevas combinaciones y mantener una cocina viva.

Más que una pizzería, Biga busca ser un espacio donde la gastronomía se construya desde los detalles. En una industria donde muchas veces se prioriza la rapidez y el volumen, nosotros elegimos apostar por el tiempo, la técnica y la experiencia de quienes se sientan a nuestra mesa.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Sin duda, el proceso creativo. Disfrutamos investigar ingredientes, entender su origen, experimentar nuevas combinaciones y reinterpretar técnicas tradicionales desde nuestra propia visión. Nos mueve la búsqueda constante de calidad, pero también la emoción de compartir algo hecho con paciencia y dedicación. Al final, la cocina es un lenguaje que se construye con tiempo, memoria y sensibilidad.

También hay algo muy especial en los momentos previos al servicio. Es ahí donde el trabajo y la planeación de días finalmente se transforman en una experiencia para nuestros comensales.

Creemos que cocinar es una forma de comunicar. Cada receta habla de paciencia, memoria, técnica y sensibilidad, y eso es lo que más disfrutamos compartir.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Más que decirles un platillo específico, nos gustaría que no se pierdan la oportunidad de sentarse, compartir y disfrutar la experiencia completa. Que prueben nuestra masa, que descubran nuestras focaccias de temporada y que se den el tiempo de conocer una propuesta hecha con paciencia, dedicación y un profundo respeto por cada ingrediente.

Creemos que una buena comida no se trata únicamente de lo que llega a la mesa, sino de todo lo que sucede alrededor de ella: las conversaciones que nacen, el tiempo que se comparte y los recuerdos que comienzan a construirse.

Más que una primera visita, esperamos que sea el comienzo de una relación con un proyecto que busca evolucionar constantemente y aportar algo diferente a la escena gastronómica de la ciudad. Un lugar al que siempre haya una razón para volver, porque cada temporada trae nuevos sabores, nuevas ideas y la misma pasión por hacer las cosas bien desde el principio.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los mayores retos ha sido entender que construir una propuesta gastronómica va mucho más allá de desarrollar un buen producto. Con el tiempo nos dimos cuenta de que la experiencia comienza desde que una persona cruza la puerta y termina mucho después de que sale del lugar.

Eso nos ha llevado a cuestionar constantemente nuestros procesos, nuestra hospitalidad y la forma en la que comunicamos lo que hacemos. Hemos aprendido que evolucionar no significa cambiar nuestra esencia, sino encontrar nuevas maneras de expresar la misma idea con mayor claridad y coherencia.

Este es un proyecto que está en constante construcción, y creemos que esa capacidad de replantearnos las cosas es precisamente lo que nos permite seguir creciendo.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nos sigue guiando una idea muy sencilla: hacer las cosas con intención.

También creemos que la innovación no siempre significa hacer algo completamente nuevo, sino reinterpretar lo tradicional desde una perspectiva propia. Esa búsqueda constante de aprender, perfeccionar y evolucionar es la que hoy sigue marcando el rumbo de nuestra visión.

Además, reconocemos y valoramos el trabajo de quienes entienden la gastronomía como una expresión cultural y no únicamente como un servicio. Cocineros, panaderos y proyectos que conocen el origen de los ingredientes, respetan los procesos y construyen propuestas con una identidad muy clara.

Al final, nuestro objetivo es ofrecer una propuesta que refleje quiénes somos como chefs y que aporte realmente algo distinto a la escena gastronómica actual de Los Mochis.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Más que una sola referencia, nos inspira esta generación de cocineros y proyectos que están redefiniendo la gastronomía desde la autenticidad.

Últimamente nos han inspirado mucho distintas personas que, desde lugares muy diferentes, comparten una misma forma de entender la gastronomía.

Lupita Vidal, por la manera en que ha sabido construir una propuesta que habla de su estado y que, al mismo tiempo, aporta a la identidad gastronómica de su territorio.

Andrés Cárdenas, por recordarme que detrás de una experiencia bien construida existe tiempo, paciencia y una atención profunda a cada detalle.

Thalía Barrios, por cocinar desde sus propias memorias y demostrar que la cocina también puede ser una forma de contar de dónde venimos y quiénes somos.

El chef Emiliano Padilla, por esa manera tan particular de entender que una ciudad también puede explicarse a través de lo que se come y se bebe en ella.

Creemos que todas esas referencias, desde sus distintas perspectivas, nos recuerdan por qué nos interesa tanto la gastronomía: porque no se trata solamente de cocinar, sino de observar un lugar, entender su gente, sus historias y su identidad, y encontrar una manera honesta de expresarlo a través de la mesa.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaríamos a Lauren Plasencia porque creemos que el vino y la pizza tienen mucho más en común de lo que a veces imaginamos. Nos gustaría pasar un día creando combinaciones, probando etiquetas, ajustando detalles y armando un menú especial que naciera de esa conversación entre la cocina y el vino.

Al final, la idea sería compartir esa experiencia con nuestros clientes en una noche relajada, donde cada recomendación tuviera un porqué y donde descubrir un buen maridaje se sintiera tan natural como sentarse a comer una pizza entre amigos.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Quizá uno de los detalles que guarda una historia más especial es, precisamente, el nombre de Biga.

Más allá de hacer referencia a una técnica de fermentación que aprendimos y adoptamos como parte de nuestra manera de entender la masa, Biga nace de una historia mucho más personal. Durante la formación en gastronomía hubo un chef que se convirtió en una figura muy importante en mi camino. Fue él quien me enseñó esta técnica, aprendida durante su experiencia en Italia, y quien, sin saberlo, dejó en mí una enseñanza que con el tiempo se quedó profundamente arraigada.

La palabra Biga siempre resonó conmigo. Se quedó en mi memoria como uno de esos aprendizajes que trascienden el aula y terminan acompañándome en el camino.

Por eso, cuando llegó el momento de darle un nombre a este proyecto, Biga apareció de manera natural. Es un pequeño homenaje a esa etapa de la vida, a las personas que nos enseñan y dejan huella, y a la forma en que ciertos conocimientos terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia historia, representando memoria, gratitud y el inicio de un camino que continúa transformándose.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si Biga fuera un disco, sería el punto de encuentro entre Esencia de Humbe y The Art of Loving de Olivia Dean.

Tendría la calma de quien disfruta el proceso, la calidez de una conversación larga y la honestidad de los pequeños detalles. Sería un álbum que no busca impresionar a la primera escucha, sino convertirse en ese al que siempre quieres volver. Porque, al igual que nuestra cocina, está hecho con tiempo, intención y mucho corazón.

Daniel Leal & Luis Moreno
Cofundadores de Biga
Pizzería & Focacceria
Los Mochis, México
instagram.com/biga_pizzeria

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What pieces or projects have you been working on lately?
Funny you should ask! I’m in the process of editing my first photography book.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
That self-publishing a book is a larger endeavor than most people realize. From scanning stacks of negatives to editing and layout, it’s a beast that I underestimated. The perfectionist in me has changed his mind a few times already, but hopefully I’m on the right track to creating something that will age well.

What words, ideas or emotions were running through your head?
I often think about legacy and the impressions that I’ll leave behind in my time here.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
No standout movie or album in particular, but film and music immensely influence my work. Sometimes it will be a tone set by a scene in a movie, or an interlude of a song that will reflect what I’m looking to shoot.

When composing a photo, I try to emulate something found in a motion picture, often to the tune of a song playing in my head. I feel like this exercise can give the product some extra depth and intention.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
Between a heavy work schedule and freezing outdoor temperatures, finding the time to put a few rolls through a camera can be challenging. Most of the photos aren’t anything special, and admittedly, winter is my least favorite season to photograph. But I do find that getting outside to shoot helps the creative process flow.

What is your favorite coffee shop and why do you like going there?
I may catch some flack for this one, but it’s my neighborhood Tim Hortons. There is a fellow in his early 20s who works the drive-thru. He’s by no means a shift supervisor, but it’s quite apparent that he runs the show. Every morning at 6:00 am, he greets me with a “Mornin Boss” and hands me an iced coffee through the window, then the day begins.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
Entropy.
Hans Zimmer or Ludwig Van Goransson.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
I haven’t, no, but I’m sure I’d be willing if asked.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
Bart Kuykens is the real deal and my favourite photographer. His black and white work has this unmistakable magnetism that pulls you in. I feel he could photograph anyone and have them look natural, and to me, that is a mark of mastery.

Michael Pihowich
SK-based film photographer, never too far from a suitcase.
instagram.com/blackfilmcorp

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