¿Cómo nació möle y qué lo hizo diferente desde el principio?
möle nace desde mi propia experiencia. Antes de möle tuve chambas que eran una de dos: o solo arquitectura o solo arte, nunca las dos conviviendo en el mismo espacio. Durante años pensé que así sería para siempre, que mi yo arquitecta y mi yo pintora/creativa eran incluso personalidades distintas.

Después de vivir ese sueño de tener mi propio despacho, construir un proyecto y finalmente entregárselo al cliente, me di cuenta de que le faltaba algo, y ese algo cada vez se hacía más grande conforme avanzaba el tiempo. Sentía que siempre le entregábamos al cliente algo a medias: el mero cascarón del proyecto, no el proyecto en su totalidad.

De ahí empezó a cocinarse la idea de un estudio que no sería ni un despacho de arquitectura ni un atelier, sino un espacio multidisciplinario donde un proyecto se lleva de manera integral, desde la idea hasta la ejecución.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutan más quienes forman parte?
Buena pregunta, porque no sé bien cómo contestarla, haha. Al ser tan multidisciplinario e integral, todo es parte de todo el equipo y se siente como un proceso colectivo, no como tareas independientes que se juntan al final para presentarlas al cliente. Eso me hace sentir bien, porque no quería repetir ese patrón de trabajo en este proyecto. Como dirían, ahí sí encontramos nuestro mero mole ;)

¿Cuál ha sido un desafío interesante que te haya hecho replantearte algo sobre möle?
Desafíos tenemos todos los días, honestamente, porque cada proyecto es muy distinto. Veo a möle como un estudio con una capacidad enorme de adaptación, y creo que ese es el aprendizaje: tener la disposición de adaptarse y evolucionar. Ningún sistema o método es estático. Tiene que haber orden y metodología, claro, pero con margen de flexibilidad para cada nuevo desafío.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Híjole, son muchas, y van por épocas y según el proyecto. Pero como fundadora quería que hubiera mucho de mí en möle, y con eso, mi background. Hay una gran influencia de los principios de la Bauhaus, donde se unifican arte, artesanía y tecnología, mezclada con una visión muy Barragán, donde se busca transformar la experiencia de habitar a través de la emoción.

Siento que eso me resume a mí, a mi práctica y a möle bastante bien: el funcionalismo alemán combinado con lo emocional, sentimental y color mexicano. De ahí nace el nombre, de hecho. Viene del mole negro, pero con un guiño a mi ascendencia alemana con la diéresis en la o. Y al final, tal como el mole, esa gloriosa salsa de cientos de ingredientes que pensarías que no van juntos y que en conjunto dan un sabor incomparable, möle studio es una mezcla de disciplinas, culturas y prácticas que, de alguna forma, funcionan.

¿Qué lugar, proyecto o persona te ha inspirado últimamente y por qué?
Siempre pienso en las mentes creativas como esponjas, como se dice de los bebés, que absorben rapidísimo todo lo que los rodea. Las personas creativas somos igual: una mezcolanza constante de miles de cosas. Pero hay inspiraciones a las que regresas cuando sientes que perdiste el rumbo, y para mí una es el muralismo mexicano, que es un pilar de la práctica de möle.

Hace poco llevé a mi equipo al Cárcamo de Dolores y a la fuente de Tláloc. Les expliqué que es el mismo Tláloc de Diego Rivera que forma parte de nuestro branding.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
möle tiene la colaboración en las venas. Las personas creativas nacimos para colaborar, y de ahí salen las verdaderas joyitas. Tengo muchísimas colaboraciones pendientes en mi lista y no podría nombrar solo una, pero me encantaría trabajar con estudios, artistas y gente creativa de otros países.

Recientemente colaboramos con DIIR, de Madrid, en un proyecto en Mérida y fue magnífico: dos culturas distintas creando para un contexto que era nuevo para ambos. Fue un ejercicio bellísimo.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia de möle?
Sí o sí, todo proceso creativo empieza con un cuestionario poco convencional para el cliente. Es nuestra biblia, el cheat sheet al que regresamos constantemente. Son preguntas muy personales y emotivas, por ejemplo: ¿qué olor te recuerda a tu niñez?

La finalidad de möle no es crear cosas que solo sean visualmente bonitas o funcionales, sino que tengan una conexión con quienes las habitan y con quienes las encargan. Se deben sentir inequívocamente suyas, sea el proyecto que sea.

Si möle fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Mi respuesta quizá sea poco original, pero sería sin lugar a duda la Ciudad de México, para mí la ciudad más chingona del mundo. Sí, el tráfico, el caos, el smog y todo lo demás, pero también es la ciudad más surreal del universo: capas sobre capas de más capas de historia.

Cada día salgo a la calle y la CDMX supera lo que cualquier IA podría inventarse. Amo esta ciudad, y al final es justo lo que es möle studio: una mezcla de culturas, historias y disciplinas que juntas hacen una salsa poca madre.

Créditos fotográficos: Cúmulo Taller, Rafael Palacios, Paulina Pedraza

Shanik Dörrbecker
fundadora & directora de möle
instagram.com/mole_studio_at_large

La entrada möle: studio at large se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació Mission Road y qué lo hizo diferente desde el principio?
Mission Road nació de una necesidad de entender de dónde vengo y qué responsabilidad tengo con lo que viene después de mí.

Crecí en Boyle Heights, al este de Los Ángeles, un lugar donde la identidad no siempre se explica con palabras, sino a través de las personas, sus oficios, sus contradicciones y las formas en que aprendemos a sobrevivir.

Con el tiempo entendí que nuestra cultura no es algo inmóvil. Somos el resultado de generaciones de desplazamientos, encuentros, pérdidas y transformaciones. Hay memorias que heredamos y otras que tenemos que reconstruir.

Desde el principio no quise crear simplemente una marca de ropa. Quise construir una casa de moda capaz de expresar esa complejidad desde una perspectiva mexicano-estadounidense contemporánea.

La diferencia nunca estuvo en intentar representar a toda una comunidad, sino en hablar desde mi propia experiencia con honestidad.

Para mí, el lujo no significa alejarme de mis orígenes. Significa darles el tiempo, la atención y la profundidad que merecen.

Mission Road es mi manera de demostrar que el lugar donde comenzamos no determina hasta dónde podemos llegar.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutas más?
Hay algo muy especial en ese momento en que una idea deja de existir solamente en mi cabeza y comienza a ocupar un espacio físico.

Desde seleccionar una tela, estudiar su comportamiento y desarrollar un patrón, hasta cortar, construir y finalmente sostener la pieza terminada.

Me interesa mucho la relación entre las manos y la memoria. El trabajo manual tiene una honestidad que ninguna imagen puede sustituir.

Disfruto especialmente cuando una prenda empieza a desarrollar su propia personalidad. Cuando una decisión que parecía pequeña termina cambiando completamente su expresión.

Pero también hay otro momento que valoro profundamente: cuando alguien se encuentra con una pieza y descubre algo que yo no había imaginado.

Ahí el diseño deja de pertenecer únicamente a su creador.

Una prenda comienza con una intención, pero adquiere otra vida cuando alguien decide hacerla parte de la suya.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que te haya hecho replantearte algo sobre Mission Road?
Uno de los desafíos más grandes ha sido aprender a construir una casa de moda independiente sin separar la visión artística de la realidad económica.

Hay una diferencia enorme entre imaginar algo y asumir la responsabilidad de hacerlo existir.

Cada pieza representa decisiones, inversión, errores, horas de trabajo y sacrificios que muchas veces no son visibles.

He tenido que cuestionarme qué significa realmente crecer. Si crecer es producir más, llegar a más personas o desarrollar algo que pueda sostener su valor con el tiempo.

También he aprendido que no todas las oportunidades deben perseguirse y que la velocidad no siempre representa progreso.

Vengo de un entorno donde trabajar duro es una necesidad, pero estoy aprendiendo que construir algo duradero también requiere paciencia, disciplina y criterio.

Mi mayor desafío ha sido entender que una visión necesita libertad para imaginar, pero estructura para sobrevivir.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que haces hoy?
El río de Los Ángeles.

No solamente como un lugar geográfico, sino como una forma de entender el tiempo, la identidad y el movimiento.

Crecí rodeado de infraestructura que muchas personas consideran ordinaria: puentes, concreto, vías industriales y edificios que han presenciado generaciones de cambios.

Para mí, esos espacios contienen una memoria extraordinaria.

Un puente existe porque alguna vez hubo una separación. Un río continúa moviéndose sin importar cuántas veces intentemos controlar su dirección.

Esa relación entre permanencia y transformación está presente en Mission Road.

También me interesa profundamente la historia anterior y posterior a la colonización, no desde la idea de recuperar una identidad intacta, sino desde el reconocimiento de que muchas de nuestras identidades actuales nacieron de rupturas, resistencias y adaptaciones.

No pretendo hablar por las comunidades que mantienen una continuidad ancestral que yo no heredé de la misma manera.

Mi trabajo parte de reconocer esa distancia y preguntarme qué podemos construir desde nuestra realidad contemporánea.

No se trata de regresar a un origen imaginado, sino de comprender lo que llevamos con nosotros y decidir qué merece continuar.

¿Qué lugar, proyecto o persona te ha inspirado últimamente y por qué?
Últimamente, Ciudad de México.

Hay algo profundamente interesante en llegar a una ciudad que comparte tantas referencias culturales con el lugar donde crecí y, al mismo tiempo, descubrir lo diferentes que pueden ser nuestras experiencias.

En el este de Los Ángeles, muchas veces conocemos México a través de la memoria familiar, las costumbres, las historias y las generaciones que cruzaron antes que nosotros.

Estar aquí me permite encontrarme con esa cultura desde otra perspectiva, una que no depende únicamente de lo que heredé.

Me inspira la manera en que la ciudad convive con sus distintas épocas. La arquitectura, los talleres, los mercados, los diseñadores independientes y las expresiones contemporáneas que no necesitan abandonar sus referencias culturales para proponer algo nuevo.

No vengo a México a reclamar una identidad que no me corresponde por completo.

Vengo a escuchar, aprender, compartir mi perspectiva y construir relaciones.

Una misma cultura puede producir mundos distintos. Lo importante es permitir que esos mundos se encuentren sin borrar sus diferencias.

Si pudieras invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
Me interesaría reunir a artesanos, diseñadores y creadores de distintas generaciones de México y Los Ángeles.

Más que pensar en una colaboración definida por un nombre reconocido, me interesa lo que sucede cuando personas con conocimientos y experiencias diferentes se sientan a trabajar juntas.

Imagino un espacio donde un artesano pueda compartir técnicas desarrolladas durante décadas, mientras un diseñador contemporáneo propone nuevas formas de interpretarlas.

No para extraer elementos culturales y convertirlos en una tendencia, sino para establecer un diálogo donde exista reconocimiento, respeto y una verdadera participación creativa.

Me gustaría que el resultado fuera una serie de piezas únicas acompañadas por las historias de quienes las hicieron posibles.

Porque muchas veces celebramos el objeto terminado, pero olvidamos las manos y los conocimientos que le dieron forma.

Para mí, una colaboración valiosa no consiste solamente en unir nombres, sino en permitir que distintas formas de conocimiento transformen lo que cada uno creía posible.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia de Mission Road?
Siempre regreso al origen de una idea antes de comenzar a construirla.

Me pregunto por qué esa pieza necesita existir, qué quiero expresar con ella y si el material, la silueta y los detalles realmente sostienen esa intención.

No me interesa agregar elementos simplemente para hacer una prenda más llamativa.

A veces el proceso consiste precisamente en eliminar hasta encontrar lo esencial.

También hay una práctica que considero importante: mantener una relación directa con las personas que descubren Mission Road.

Desde presentar personalmente las prendas hasta recibir a alguien en nuestro showroom, quiero que exista una conexión entre quien imagina el objeto y quien decide llevarlo.

El lujo contemporáneo puede sentirse distante, pero yo encuentro valor en la cercanía, el conocimiento y la atención personal.

No quiero que Mission Road sea solamente algo que las personas compren. Quiero que sea algo que puedan experimentar, comprender y recordar.

Si Mission Road fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si Mission Road fuera una ciudad, sería Los Ángeles, pero no el que normalmente aparece en las películas.

Sería el este de Los Ángeles visto desde sus puentes, sus barrios y las vidas que continúan desarrollándose fuera de la imagen que el mundo consume.

Una ciudad construida sobre múltiples generaciones, donde las contradicciones forman parte de su identidad.

Pero también tendría algo de Ciudad de México.

Porque Mission Road no está interesado en entender la cultura a través de fronteras definitivas, sino a través de los movimientos humanos que las atraviesan.

Si fuera un libro, todavía estaría escribiéndose.

No tendría un capítulo final porque no considero que la identidad sea una conclusión.

Cada colección, cada encuentro y cada pieza representa una nueva pregunta.

Y si fuera un disco, tendría momentos de silencio, tensión, resistencia y celebración. No buscaría sonar perfecto, sino humano.

Mission Road es una obra en construcción. Una conversación entre lo que heredamos, lo que vivimos y aquello que todavía no existe.

ON A MISSION. BETWEEN ARCHES.

Dolor Pineda
Fundador y Director Creativo de Mission Road
instagram.com/missionroadclothing

La entrada Mission Road se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació ZENZÉ y qué lo hizo diferente desde el principio?
ZENZÉ nació en julio de 2023, del sueño de mi yo de 19 años, que encontraba algo especial en esos espacios donde puedes hacer una pausa, trabajar, estudiar o simplemente disfrutar un momento para ti. Desde ahí surgió una idea que todavía nos acompaña: crear un lugar donde la productividad y el goce pudieran convivir.

Pero ZENZÉ también nació bajo una circunstancia muy particular. Mientras yo estudiaba la universidad en Guadalajara, el proyecto comenzaba operaciones en Michoacán. Las vacaciones de verano nos dieron apenas un par de meses para rentar, amueblar, desarrollar el menú, formar al equipo y, sobre todo, construir un negocio capaz de funcionar aun cuando su fundador tuviera que regresar a estudiar.

Esa necesidad terminó convirtiéndose en una parte fundamental de nuestra identidad. Desde el inicio aprendimos a trabajar con procesos sencillos, recetas claras, una variedad cuidadosamente seleccionada y sistemas que permitieran al equipo operar de manera consistente. Dentro de ZENZÉ solemos decir: «Hacer algo es fácil; encontrar la manera de hacerlo fácil es lo verdaderamente difícil».

Con el tiempo entendimos que esa eficiencia no solo hacía más sencilla la operación de ZENZÉ, sino que también podía mejorar la experiencia de quienes nos visitaban. Por eso buscamos que todo ese trabajo que ocurre detrás de la barra se traduzca en algo muy sencillo para el cliente: bebidas que sepan bien, que se vean bien y que no requieran una larga espera. Queremos que pedir un café sea la parte fácil del día.

Y quizá ahí está lo que realmente nos hizo diferentes desde el principio. Mientras internamente construíamos un negocio capaz de funcionar de manera sencilla y eficiente, hacia afuera queríamos construir exactamente lo contrario a las prisas del día a día: un espacio amable en el que puedas llegar con cualquier mood y salir un poco más tranquilo.

Nosotros hacemos sencillo el proceso para que tú simplemente puedas disfrutarlo.

Eso es, para nosotros, encontrar tu momento ZEN.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Probablemente, lo que más disfrutamos es encontrar una mejor manera de hacer las cosas.

Cada lanzamiento parte de dos principios fundamentales: calidad y eficiencia. Una bebida puede ser deliciosa, pero si complica demasiado nuestra operación, el reto todavía no está resuelto. Tenemos que encontrar la manera de conservar aquello que la hace especial y, al mismo tiempo, hacer que sea sencilla, consistente y rápida de preparar.

Por eso nuestro proceso creativo se parece mucho a un pequeño laboratorio. La receta definitiva casi nunca aparece en el primer intento. Probamos, cambiamos proporciones, modificamos texturas y volvemos a empezar. En estas pruebas participa todo el equipo: nuestros baristas prueban, opinan y proponen cambios, porque son ellos quienes mejor conocen lo que sucede todos los días detrás de la barra.

A veces llegamos al sabor que buscábamos y entonces comienza un segundo reto: ¿podemos conseguir exactamente el mismo resultado con menos pasos? Es un proceso que disfrutamos mucho porque nos permite experimentar juntos y porque una bebida nueva termina teniendo un poquito de todas las personas que participaron en desarrollarla.

Y el proceso creativo tampoco termina detrás de la barra. Después viene imaginar cómo vamos a compartirlo: cuándo lanzarlo, cómo presentarlo, qué queremos comunicar visualmente y qué queremos que sienta alguien cuando lo descubra por primera vez.

Al final, crear en ZENZÉ casi siempre sigue el mismo camino: imaginar, probar, equivocarnos, simplificar, compartir y volver a mejorar. Porque para nosotros una receta puede llegar a estar terminada, pero un proceso difícilmente lo está. Siempre puede existir una mejor manera de hacerlo.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Si es tu primera vez en ZENZÉ, definitivamente te recomendaríamos comenzar con alguna de nuestras bebidas a las rocas. Son probablemente la mejor representación de lo que buscamos hacer: bebidas bonitas, de gran sabor y preparadas en muy poco tiempo.

Elegir solamente una es difícil porque nunca hemos construido nuestro menú alrededor de un único producto estrella. Preferimos tener una variedad más compacta en la que podamos cuidar cada receta y sentirnos orgullosos de cualquiera que llegue a tus manos. Pero si quieres probar algo especialmente nuestro, buscaríamos alguna bebida preparada con nuestros néctares. Desde hace tiempo comenzamos a desarrollar nuestros propios insumos y actualmente elaboramos néctares de fruta que utilizamos directamente en nuestras bebidas. Por ejemplo, nuestro néctar de mango está elaborado con pulpa natural y forma parte de diferentes recetas del menú.

Podríamos darte tres caminos: si eres amante del matcha, prueba nuestro matcha ceremonial acompañado de alguno de nuestros néctares de mango o fresa; si quieres algo refrescante y frutal, un boba preparado con nuestros néctares; y si buscas algo que además quieras fotografiar antes del primer trago, Aurora, nuestra bebida rosa a base de pitaya y mango, difícilmente pasa desapercibida.

Y si eres más de café, nuestro mocha blanco latte con tapioca es una combinación que nos gusta muchísimo.

Pero quizá esa es parte de la experiencia de ZENZÉ: no queremos que vengas solamente por «la bebida que tienes que pedir». Queremos que puedas explorar el menú, encontrar tu combinación favorita y saber que detrás de cada opción hubo una receta que decidimos conservar porque cumplía con nuestros estándares de sabor, calidad y eficiencia.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre ZENZÉ?
Uno de los desafíos más interesantes ha sido aprender que crecer no siempre significa agregar más cosas.

Durante mucho tiempo recibimos sugerencias de ampliar el menú, especialmente incorporando más alimentos. Nos han pedido desde desayunos hasta chilaquiles, y evidentemente hemos considerado muchas de esas ideas. Sin embargo, cada propuesta nos obliga a regresar a una pregunta muy sencilla: ¿esto realmente mejora ZENZÉ o solamente hace más grande el menú?

Con el tiempo entendimos que una de nuestras fortalezas está precisamente en mantener una propuesta relativamente compacta. Cada producto nuevo significa ingredientes, almacenamiento, capacitación, tiempos de preparación y nuevos procesos. Por eso preferimos incorporar algo únicamente cuando sentimos que podemos hacerlo bien y sin sacrificar la eficiencia que buscamos detrás de la barra. Incluso hemos hecho lo contrario: a lo largo de nuestra historia hemos eliminado productos cuando descubrimos que ya no aportaban suficiente valor.

Curiosamente, hace poco este mismo principio nos hizo replantearnos algo completamente diferente. Comenzamos a ver en redes sociales bebidas que se volvían virales y nos dimos cuenta de que muchas de ellas podían prepararse fácilmente en ZENZÉ utilizando ingredientes que ya teníamos. El problema no era que nuestro menú tuviera pocas posibilidades; era que no estábamos comunicando esas posibilidades.

Cuando hicimos los cálculos, descubrimos que, partiendo de nuestras bebidas e ingredientes disponibles, un cliente podía crear más de 47 millones de combinaciones diferentes. Teníamos un menú deliberadamente sencillo detrás de la barra, pero enorme desde la perspectiva del cliente. Eso nos llevó a reformular la manera en que presentamos nuestro menú y nació ZENZÉ Fórmula: en lugar de solamente mostrar bebidas terminadas, comenzamos a comunicar que cada persona podía experimentar con los ingredientes disponibles y construir su propia combinación.

Ese proceso nos dejó un aprendizaje que hoy aplicamos en muchas decisiones: innovar no siempre significa agregar algo nuevo. A veces significa descubrir una nueva manera de utilizar y comunicar lo que ya tienes.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Más que una referencia específica, hay una idea que sigue guiando lo que hacemos: creemos que la eficiencia también puede ser una forma de cuidar la experiencia de una persona.

Desde el principio hemos buscado un equilibrio entre la productividad y el goce. Para nosotros, ser eficientes no significa simplemente producir más o reducir tiempos; significa poder entregar un producto de calidad sin sacrificar largas esperas, mantener precios accesibles y hacer que el proceso interfiera lo menos posible con el momento que alguien decidió darse.

Queremos que ZENZÉ sea un lugar donde puedas trabajar, leer, conversar, crear o simplemente sentarte a disfrutar. Por eso pensamos que una buena experiencia también implica recibir tu bebida rápidamente y poder regresar otro día sin sentir que darte ese momento representa un gasto excesivo. Muchas de nuestras decisiones internas, desde mantener un menú cuidadosamente seleccionado hasta optimizar nuestros procesos, parten de esa intención: controlar mejor nuestros costos y nuestra operación para que la calidad y la experiencia sigan siendo accesibles.

Y hay otra palabra que está muy presente en nuestras decisiones: franquicia. ZENZÉ nació pensando en la posibilidad de crecer y replicarse, por lo que cada decisión intenta servir a dos personas: a quien visita ZENZÉ y a quien algún día pueda tener su propio ZENZÉ.

Por eso buscamos construir un modelo ordenado, sostenible y fácil de administrar, pero no como un fin en sí mismo. Queremos que crecer no signifique perder aquello que hace especial a la marca; que la experiencia pueda conservarse independientemente de dónde esté ZENZÉ o quién esté detrás de la barra.

Al final, todo vuelve a nuestra misma idea: hacer lo que más te importa mientras te relajas. La eficiencia es simplemente una herramienta para hacerle espacio a eso que realmente importa.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Es difícil elegir un solo lugar, proyecto o persona porque nuestra inspiración suele venir de muchos lados al mismo tiempo. Pero si tuviéramos que mencionar algo que está constantemente presente en ZENZÉ, curiosamente no sería una persona ni un lugar, sino una palabra: franquicia.

Desde que nació ZENZÉ hemos tenido la ilusión de que algún día pueda crecer y llegar a otros lugares sin perder aquello que lo hace especial. Por eso, aunque todavía sea una meta a futuro, es una idea que nos acompaña desde ahora y que muchas veces nos hace preguntarnos: ¿esto podría funcionar igual de bien en otro ZENZÉ?

Esa pregunta aparece incluso en cosas que podrían parecer insignificantes. Puede ser al crear una bebida, acomodar un ingrediente, encontrar una manera más sencilla de hacer algo detrás de la barra o pensar en cómo queremos presentar un nuevo producto. Nos gusta imaginar que cada pequeño cambio que hacemos hoy también está ayudando a construir el ZENZÉ que queremos tener mañana.

Al mismo tiempo, somos muy observadores y creemos que gran parte de la inspiración está justamente en prestar atención. A veces alguien del equipo visita una cafetería o un restaurante y encuentra una forma interesante de hacer algo; otras veces vemos una fotografía, una bebida o una idea en redes que despierta nuestra curiosidad. Incluso una conversación o algo tan sencillo como ver una manera diferente de servir un jarabe puede terminar provocando una nueva idea.

Lo bonito es que cualquiera puede traer esas pequeñas inspiraciones a ZENZÉ. Muchas veces las ideas vienen de quienes están detrás de la barra; otras, de la parte creativa, de marketing o de quienes están al frente del proyecto. Se comparten, se prueban y, si hacen sentido para nosotros, terminan encontrando su propia forma dentro de ZENZÉ.

Por supuesto, todo lo que vemos, los lugares que visitamos y las personas que conocemos terminan influyendo de alguna manera en lo que hacemos. Sin embargo, nunca hemos sentido que exista un solo referente al que queramos parecernos. Preferimos tomar un poquito de todo aquello que nos inspira y llevarlo a nuestra propia manera de hacer las cosas.

Quizá por eso, más que una persona o un proyecto en particular, lo que realmente nos inspira es la idea de seguir construyendo lo que ZENZÉ puede llegar a ser. Nos emociona pensar que algún día pueda existir en más de un lugar y que, aun así, al entrar a cualquiera de ellos sigas sintiendo que estás en ZENZÉ.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
A Marisa Lazo, sin duda. La admiro no solamente por lo que ha construido como empresaria, sino por la tranquilidad con la que transmite su manera de entender los negocios y el liderazgo. Escucharla suele dejarte con esa sensación de que, incluso cuando emprender se vuelve complicado, todo puede estar bien.

Ha sido una inspiración importante para nosotros al momento de construir la cultura de ZENZÉ. Nos ha hecho reflexionar sobre qué significa ser un buen líder, crear un ambiente de trabajo sano y procurar que las personas que forman parte del equipo se sientan cómodas, escuchadas y orgullosas del lugar donde trabajan.

También admiramos mucho la manera en que ha desarrollado Marisa, particularmente el equilibrio entre eficiencia y frescura. Nos parece fascinante construir una operación capaz de producir de manera ágil y consistente sin perder esa sensación de que el producto acaba de ser hecho para ti. Es una filosofía con la que nos identificamos mucho en ZENZÉ.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Hay un rincón que para nosotros tiene un significado especial: el mueble donde hoy está el espejo de «Tu momento Zen». A simple vista puede parecer solamente un espacio decorativo; sin embargo, con el tiempo se ha convertido en una especie de pequeña memoria de ZENZÉ.

En sus repisas hemos ido colocando elementos que representan distintas etapas de nuestra historia: nuestro propio café, merch decorativa e incluso algunos de los productos que hemos desarrollado con el tiempo. Lo especial es que nunca fue planeado para cumplir esa función; simplemente, conforme ZENZÉ fue creciendo, el mueble también comenzó a llenarse de pequeños recuerdos de todo lo que hemos construido. De alguna manera, terminó convirtiéndose en una forma de ver físicamente la trayectoria del proyecto y el crecimiento de la comunidad que se ha formado alrededor de él.

Además, este rincón tiene una conexión mucho más personal que probablemente pocos conocen. Su concepto nos recuerda a un mueble que el fundador de ZENZÉ tiene en casa y que, a lo largo de los años, se ha convertido en uno de esos lugares donde muchas ideas para la cafetería comienzan a tomar forma. Ahí se desarrollan conceptos, productos y proyectos que, tiempo después, terminan formando parte de ZENZÉ.

Por eso nos gusta pensar que existe una conexión entre ambos espacios: uno es el lugar donde muchas de las ideas comienzan y el otro, de cierta manera, es donde podemos ver en qué se convirtieron.

Probablemente para muchos sea simplemente un espacio bonito para tomarse una foto, pero para nosotros se ha convertido, casi sin darnos cuenta, en una pequeña línea del tiempo de ZENZÉ.

Si ZENZÉ fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si ZENZÉ fuera un libro, probablemente sería Hábitos atómicos, de James Clear.

Nos identificamos mucho con una de las ideas que atraviesa el libro: las grandes transformaciones no siempre ocurren a partir de grandes decisiones, sino de pequeñas mejoras que, repetidas constantemente, terminan construyendo algo extraordinario.

Esa filosofía se parece mucho a nuestra manera de entender ZENZÉ. Nos gusta pensar que somos personas ordinarias haciendo cosas extraordinarias. Siempre estamos buscando una mejor manera de hacer algo: mejorar una receta, simplificar un proceso, escuchar una nueva idea del equipo o cambiar algo que descubrimos que podía hacerse mejor. Individualmente pueden parecer modificaciones pequeñas, pero con el tiempo son las que han transformado el proyecto.

Y también encontramos esa filosofía en muchas de las personas que nos visitan. ZENZÉ suele estar lleno de gente con proyectos: alguien estudiando, trabajando en su computadora, reuniéndose para desarrollar una idea o simplemente haciendo una pausa antes de continuar con su día. Cada persona está construyendo algo diferente y a su propio ritmo.

Quizá por eso nos gusta tanto esa comparación. No creemos que todos los días tengan que suceder cosas extraordinarias. A veces basta con avanzar un poquito, disfrutar el proceso y encontrar un espacio que haga ese camino más agradable.

ZENZÉ quiere ser parte de esos pequeños momentos.

Emiliano Rojas Borja
Dueño de ZENZÉ
Café | Bubble drinks | Crepas
Lázaro Cárdenas, México
instagram.com/zenzecafe

La entrada ZENZÉ se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Últimamente he estado trabajando en proyectos que retratan distintas tradiciones mexicanas, especialmente aquellas relacionadas con el mundo ecuestre. Siempre he sentido una conexión muy especial con los caballos y con todo lo que los rodea, así que la fotografía se ha convertido en una forma de acercarme a tradiciones como la charrería y el rodeo desde el respeto, la curiosidad y las ganas de comprender una cultura que no era la mía.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
He aprendido a observar más allá del espectáculo y a prestar atención a los pequeños detalles: las miradas, las manos, los gestos y todo aquello que normalmente pasa desapercibido. También he perdido el miedo a fotografiar personas. Venía de hacer mucha fotografía de naturaleza, donde el sujeto simplemente está ahí, mientras que el retrato implica una interacción distinta.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Curiosidad y evolución. Sentía que mi fotografía estaba entrando en una nueva etapa. Durante años estuve muy centrado en el paisaje y la naturaleza, y ahora disfruto explorando historias humanas sin dejar de lado mi manera de observar.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Decidí trabajar exclusivamente con fotografía analógica y ha supuesto un reto importante. Cada fotografía requiere más tiempo y planificación, además de aceptar que no existe la inmediatez del formato digital. Al mismo tiempo, ese proceso me obliga a disparar con mayor intención y a confiar más en mi intuición.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Mi cafetería favorita es Barra D’ Cafe, en Ensenada. Es donde se juntan mis amigos y gran parte de la comunidad creativa local.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Actualmente revelo mi trabajo con Reacción Film Lab, en Tijuana, un laboratorio que ha sido fundamental desde que empecé a trabajar en analógico. También he tenido la oportunidad de colaborar con La Perlita, un espacio creativo que apuesta por proyectos culturales y artísticos. Confío en CRIA para imprimir mis fotografías cuando preparo una exposición, ya que valoro mucho la calidad del resultado final. En el futuro me gustaría colaborar con otros laboratorios, galerías y fotógrafos para seguir aprendiendo y desarrollando nuevos proyectos.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
El trabajo de Graciela Iturbide es, sin duda, una de mis mayores referencias. Me inspira la forma en que documenta la cotidianidad. Sus imágenes, aun siendo en blanco y negro, tienen una enorme fuerza visual, pero también una gran sensibilidad.

También sigo mucho el trabajo de artistas como Manuel Zuñiga o Enrique Leyva. La verdad es que paso mucho tiempo descubriendo fotógrafos en redes sociales. Me gusta ver cómo mira cada uno, cómo construyen sus proyectos y encontrar inspiración en gente que está creando desde lugares muy distintos al mío.

Asier Indart
Originario del País Vasco, enfoco mi trabajo en documentar detalles y momentos sutiles durante mis viajes, alejándome de lo espectacular para centrarme en lo íntimo y lo efímero.
instagram.com/asierindart

La entrada Evolución visual se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació Las Barricas y qué lo hizo diferente desde el principio?
Las Barricas nació en 1998, en la colonia San Rafael, cuando la zona todavía tenía ese ADN profundamente cantinero que la hizo famosa. Desde el principio apostamos por algo muy sencillo: comer bien, beber bien y pasarla bien. La fórmula era la de siempre, una copa acompañada de un platillo, pero llevada a nuestro terreno: porciones generosas, mucho sabor y un ambiente donde sabes que la tarde se puede convertir fácilmente en noche.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Lo que más disfrutamos es tener todas nuestras mesas llenas y estar apurados atendiendo a nuestros clientes, por las tardes y noches, cuando el ambiente ya se ha asentado y hay música en vivo.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Hay que llegar con hambre y sin miedo: nuestro ritual es completar el menú de cuatro tiempos, con sus cuatro bebidas y sus cuatro platillos. No es poca cosa. La recomendación más importante es ir dejando espacio para el siguiente plato.

De la carta, hay varios que ya son clásicos de la casa: el jugo de carne, la sopa de médula, el mac & cheese con chipotle y tocino, el chamorro al horno en taquitos, la mojarra frita y el flan de queso.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre Las Barricas?
Hace casi tres años abrimos en una nueva ubicación, en la colonia Nochebuena, y con esa apertura llegó el reto de conocer a nuestra nueva clientela. Al final, la gente sigue buscando lo mismo: comer rico, echarse un trago y sentirse a gusto. El reto fue conocer a una nueva clientela sin perder aquello que hace que Las Barricas sea Las Barricas. Nos hizo replantearnos qué cosas son parte de nuestra esencia y cuáles pueden evolucionar.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Desde que abrimos y hasta el día de hoy, nos guía la tradición de cantina: comer y beber, sentirse apapachado y divertirse al puro estilo cantinero.

No buscamos reinventar la cantina; buscamos mantener vivo ese espíritu y hacerlo parte de la vida cotidiana de la ciudad.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira la Ciudad de México. La ciudad que cambia todo el tiempo, pero nunca deja de ser ella misma.

Nos inspiran sus barrios, sus mercados, sus cantinas, sus restaurantes, sus músicos y, sobre todo, la manera en que aquí conviven generaciones y estilos completamente distintos alrededor de una mesa. Las Barricas nace de esa ciudad y sigue aprendiendo de ella.

Si Las Barricas pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría colaborar con La Sonora Dinamita. Organizaríamos un «Tardeo Cantinero» lleno de cumbia y sazón. La Sonora Dinamita tocaría sus grandes éxitos entre las mesas y la barra, o nuestros músicos en vivo recrearían sus canciones, mientras nosotros servimos un menú especial inspirado en el sabor tropical. Transformaríamos el ambiente por un día en una auténtica pista de baile de barrio, donde nadie se quede sentado y la comida, la bebida y la música se disfruten en una sola fiesta.

También nos encantaría hacerlo con la Banda MS o con muchos artistas mexicanos que le dan identidad a nuestra cultura.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Las barricas decorativas que nos dan nombre guardan historias de clientes que han celebrado con nosotros desde 1998. Hay rincones donde aún se conservan anécdotas de vecinos, artistas y familias de la San Rafael que hicieron de este lugar su segunda casa.

Si Las Barricas fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si Las Barricas fuera una canción, sería “El Noa Noa”, de Juan Gabriel, porque tiene algo que también pasa aquí: es una fiesta donde caben todos. Se encuentran generaciones, desconocidos terminan compartiendo la misma energía y la música hace que todos se sientan parte de la misma mesa. Es cantar, brindar, comer y quedarse un rato más. Justo como una tarde en Las Barricas.

Mariel Kadise
Directora de Desarrollo Organizacional y Comunicación de Las Barricas
CDMX, México
instagram.com/lasbarricas_

La entrada Las Barricas se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

You had known José García and his work for years before making Princess Magnolia and the Golden Breasts. What made you feel that his story was ready to become a film?
I’ve worked with artisans around the world for nearly two decades, and I was fortunate to meet José and his family along the way. His work is incredibly distinctive, but the more I got to know him, the more I realized just how much of his life, and particularly his love for his family, was put into everything he created.

Every time I left their workshop, I walked away feeling reminded that love and imagination are some of the greatest gifts we are given, and I think anyone who’s spent time with José and his family would probably tell you the same thing.

After losing his sight, José began sculpting his wife Teresita’s face from memory so he wouldn’t forget her features. And then there were these stories about mermaids that he’d believed in since childhood, which had also found their way into his sculptures.

I was fascinated by how it all connected: his imagination, his love for Teresita, and this unwavering belief in mermaids. There was something so innocent and pure about the whole story, and I felt it was worth sharing.

José and his family were incredibly gracious in agreeing to let us tell their story. Ultimately, I think we all just wanted to put a little more love and imagination out into the world.

What was the first image, moment or idea that made you begin imagining this as a documentary?
It was José telling me about his belief in mermaids. His mother had told him stories as a child about beautiful women who lived beneath the sea, and he’d carried those stories with him his entire life.

What interested me was how naturally he spoke about them. There was no distinction between those childhood stories and the way he understood the world today.

When we started talking about the possibility of taking him to the ocean, where he could share this experience with his wife and get closer to mermaids, I knew there was a film there.

I loved the idea of making something about the purity of imagination and believing in something that may or may not exist, but to him absolutely does. I think there’s something we can all learn from José’s perspective on life, and that was reason enough for me to make the film.

José’s relationship with mermaids is central to the story. What interested you most about this belief, and how did you want to approach it without explaining it away?
What interested me was that José’s belief wasn’t something separate from his life or his work. It was all connected: the stories his mother told him, the figures he makes, and the way he sees Teresita. His sculptures often blur the lines between a woman and a mermaid.

I didn’t feel it was my place to question what he believed or try to explain it. That’s his world, and it’s a fascinating one.

I remember sitting with him at the ocean, with his face turned toward the water, genuinely believing there were mermaids swimming out there. It made me think about all the things we believe in but can’t necessarily see or touch, whether that’s something spiritual or even something as simple as hope or love. We all believe in things we can’t prove. José just happens to believe in mermaids, and I love that about him.

How did your existing relationship with José and his family affect the way you approached filming them?
It made a huge difference. These are relationships I’ve built over years, and I think that changes everything about how you approach a story.

We weren’t arriving as strangers asking people to open up their lives for a film. There was already trust, and that allowed us to work in a much more natural way.

I also wanted José and Teresita to feel completely comfortable with what we were doing. They aren’t actors, and I didn’t want them to feel they needed to perform for the camera. I wanted the film to reflect who they actually are.

And in many ways, the film itself was intended as a gift to them. Something that would preserve José’s work, his stories, and this moment in their lives. Something to leave with their family, their community, and their country. That was always an important part of why I wanted to do it.

What did you discover about José during the making of the film that surprised you?
I already knew how imaginative José was, how deeply he loves, and how much he influences everyone around him. His entire family looks at him with absolute adoration, myself included.

What I hadn’t realized was how physically active he is! He’s constantly moving, exercising, and keeping his body strong, never allowing his blindness to get in the way. There’s a scene in the film where he suddenly does a plank/push-up on a table, which took us completely by surprise.

I also hadn’t realized how he approaches his work. He gets up at three in the morning and makes his way into his workshop to begin sculpting. He doesn’t need the sun to be up or the lights to be on. He just quietly finds his way to the clay and starts working.

I find something really beautiful about that. Those early morning hours, before the world wakes up, are probably the only time he has complete quiet around him.

What did you discover about yourself as a filmmaker while making your first documentary?
That I’m not really a filmmaker! Or at least, I still don’t think of myself as one, even though I’ve made three films this year alone.

My goal was never to become a filmmaker in the traditional sense. I’m interested in people, in recognizing and appreciating the lives they lead and what they contribute to the world. Film just happens to be another way for me to share those stories, and I’m fortunate to have the resources and people around me to help bring them together.

I always believed I could do it, but that’s how I approach most things in life. I tend to jump in and figure things out along the way.

And maybe there’s something valuable about coming into filmmaking without a formal background. You approach it with a certain innocence, without too many preconceived ideas about how things are supposed to be done.

I have no particular ambition to turn this into a career. I’m not making films for myself. I’m doing it because I meet extraordinary people whose stories I think deserve to be told, and I want to find a way to tell them properly.

How did you decide what kind of visual language would suit José’s story?
I wanted the film to reflect how I imagine José himself views the world. And despite being blind, that world is in full colour.

He approaches everything with such wonder, excitement, and enthusiasm for life. I imagine that in his mind, things exist in their most beautiful form, because that’s so much of who he is as a person.

So we deliberately embraced colour throughout the film, both to reflect José’s outlook on life and to celebrate the richness of Mexican culture.

Because he works through touch and memory, we also spent a lot of time focusing on his hands, the clay, the textures of his studio, and the small interactions between him and Teresita.

And, of course, the ocean becomes another important element. It’s a place he’s imagined for so long but hadn’t experienced since losing his sight.

Sound was equally important. We wanted to capture the natural sounds of his environment, alongside original music composed by Ryan Peake and Mexican songs that hold personal meaning for José’s family and community.

Was there anything about the process that turned out to be completely different from what you had expected when you began?
You can go into a project with a pretty clear idea of the story you want to tell, but post-production is an enormous amount of work. I think that was something I just didn’t expect! You’re working through hundreds of individual moments, trying to figure out how they fit together, what matters, and what doesn’t.

And I probably didn’t help myself by taking on three documentaries in one year while also running a global company and a foundation, and having a family!

It’s been a lot, but I’ve learned an incredible amount through the process.

What was the most challenging part of making the film?
I would say the language, without question.

My Spanish isn’t quite where I’d like it to be. I took a lot of lessons leading up to filming, and I can certainly hold my own in a conversation, but making a documentary is very different.

So much of storytelling is in the subtleties and nuances of what someone is saying. It’s not just about understanding the words, but also the emotion behind them, the humour, the little expressions, and things that aren’t necessarily said directly.

Being able to recognize and properly capture those layers in another language was challenging. And when you’re telling such a personal story, those details really matter.

Did making this film change the way you think about your work with artisans and the stories that exist behind their work?
Not fundamentally, because it’s something I’ve believed for a long time. But it certainly reinforced it.

I’ve always been interested in the person behind the object: where someone lives, what they’ve experienced, what influences their work, and how their knowledge has been passed down.

José’s sculptures are extraordinary on their own, but understanding the relationship between his work, his memories, and his personal life gives you a completely different perspective.

I think when you understand the person and their story, you appreciate what they’ve created in an entirely different way.

Obakki Films grew out of years of documenting the people and communities you work with. What can film capture about an artisan’s life that photography, writing, or an object itself cannot?
Film gives you time with someone, and I think that’s what makes it so valuable.

I travel all over the world, and Obakki is active in 26 countries. The access I’ve had to people and their incredible stories is something I feel very grateful for. I’ve spent much of my life in different parts of the world, and I’ve always had a very global perspective. I don’t really see the world in terms of borders or divisions. To me, we’re all connected.

Film is a way to share that perspective and bring people a little closer together. It allows someone on the other side of the world to spend time with a person they might never otherwise meet, hear their voice, understand their life, and perhaps recognize something of themselves in that person.

I also think about what these films will mean years from now. We’re documenting artists, their techniques, their voices, their homes, and their relationships. It’s a record of a particular person and place at a particular moment in time.

To me, there is real value in preserving that.

What are you most curious to explore as you continue developing Obakki Films?
There are so many stories within the artisan communities we’ve worked with over the years, and we’ve really only begun exploring them through film. Most of my work is in remote locations, and after seeing how this film, just from sharing small links on my social media platform, is inspiring people, I can’t wait to create more.

One of my recent projects this year was documenting the massive earthquake in Turkey. We went to the epicentre and helped weavers rebuild after losing everything. The world is full of extraordinary people doing extraordinary things, and I am grateful for the opportunity to tell their stories!

I’m really just interested in continuing to meet people, learning from them, and finding ways to share their stories with others.

Treana Peake
Founder and creative director of Obakki and the founder of the Obakki Foundation. For nearly two decades, she has worked with artisan communities around the world, connecting design, cultural preservation and social impact.
instagram.com/treanapeake

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¿Cómo nació KURHAUS y qué lo hizo diferente desde el principio?
KURHAUS nació de dos experiencias muy distintas que terminaron encontrándose.

Somos Anja y Lorena, dos alemanas que llegamos a Ciudad de México para trabajar en producción internacional de televisión. Lo que inicialmente iba a ser una estancia de aproximadamente un año terminó convirtiéndose en nuestra vida aquí. Después de varios años produciendo documentales y reportajes por Latinoamérica y Estados Unidos, decidimos dejar nuestros trabajos y construir algo completamente nuestro.

La idea de KURHAUS viene de nuestras propias experiencias con la recuperación. Anja creció en Alemania, en una familia para la que ir al sauna era parte de la vida cotidiana. No era un lujo ni una ocasión especial, sino un ritual semanal para desconectar, recuperarse y empezar de nuevo. Lorena, por su parte, jugó fútbol a nivel semiprofesional y desde muy joven entendió que la recuperación no es lo contrario del rendimiento, sino una parte esencial de él.

Cuando nos conocimos trabajando en producción, vivimos durante años en un ambiente de mucho movimiento, presión y output constante. Ahí empezamos a notar una contradicción: en los entornos de alto rendimiento, la recuperación suele tratarse como una recompensa que llega después del esfuerzo.

Queríamos cambiar esa perspectiva.

También vimos que muchos espacios de sauna y cold plunge están pensados principalmente desde la función: sauna, cold plunge, sauna, cold plunge. Una hora, una secuencia, siguiente persona. Las herramientas funcionan, pero muchas veces no existe realmente un espacio para quedarse, bajar el ritmo y dejar que la recuperación suceda.

Para nosotras, esa pausa no es un extra. Es lo esencial.

Es exactamente igual que con el deporte: el cuerpo no se adapta durante el entrenamiento, sino durante la recuperación que viene después. El estímulo es importante, pero lo que haces después es lo que permite que el cuerpo lo asimile. Con KURHAUS quisimos diseñar toda la experiencia alrededor de esa idea: no solo entrar para hacer sauna y cold plunge, sino tener el espacio y el tiempo para respirar, descansar, estar en el jardín y volver a ti.

Cuando encontramos una casa abandonada en la Roma Norte, vimos la oportunidad de convertirla en un espacio dedicado al sauna, al cold plunge y, sobre todo, a la recuperación. Así nació KURHAUS.

Desde el principio quisimos alejarnos de la idea de que el wellness tiene que ser otra cosa que optimizar. Queríamos crear una experiencia sencilla pero poderosa, basada en herramientas que funcionan desde hace generaciones: calor, frío, naturaleza y tiempo.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan en KURHAUS?
El jardín, sin duda.

Desde el primer día supimos que queríamos que la naturaleza fuera el corazón del proyecto. Estás en la Roma Norte, en medio de una de las zonas más activas de la ciudad, y poco a poco el espacio te lleva hacia el jardín. Cambia la luz, cambia el sonido y cambia el ritmo.

Uno de nuestros momentos favoritos es después del cold plunge, cuando el cuerpo empieza a recuperar su equilibrio. Es un momento de mucha presencia: sientes tu respiración, tu temperatura, tu cuerpo y todo lo que sucede a tu alrededor de una manera diferente.

También disfrutamos muchísimo el Aufguss. Es una tradición alemana de sauna que forma parte de la experiencia en KURHAUS: se vierte agua con aceites aromáticos sobre las piedras calientes y se distribuye el calor dentro del sauna. Tiene algo muy especial porque combina intensidad, ritual y comunidad.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Recomendamos especialmente quedarse un rato en el jardín después del circuito. No como una pausa pasiva, sino como una parte activa de la recuperación: darle al cuerpo el espacio necesario para integrar el estímulo y volver a encontrar su ritmo.

Y definitivamente vivir un Aufguss. Para nosotras es mucho más que una técnica de sauna; es un ritual que crea un momento compartido y hace que la experiencia tenga una estructura y una intención.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Probablemente el hecho de que no sabíamos prácticamente nada de lo que estábamos haciendo.

Venimos de la televisión y la producción. Nunca habíamos construido un negocio, renovado una casa, trabajado en hospitalidad ni gestionado una obra. De repente tuvimos que aprender sobre construcción, permisos, finanzas, operaciones y muchísimas cosas que nunca habíamos imaginado.

Eso fue frustrante muchas veces, pero también terminó cambiando nuestra manera de pensar.

Aprendimos que no necesitas tener todo perfectamente resuelto para empezar. Muchas respuestas aparecen solamente después de dar el siguiente paso.

Y también aprendimos a aceptar que un proyecto evoluciona. KURHAUS sigue tomando forma a través de las personas que vienen, de lo que aprendemos y de todo lo que descubrimos en el camino.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Una idea que sigue guiando todo lo que hacemos es la simplicidad radical.

Para nosotras, la simplicidad no significa hacer las cosas básicas o quitarles profundidad. Significa ser muy intencionales con lo que dejamos entrar.

Vivimos en un momento en el que incluso el bienestar se ha convertido en algo que tenemos que optimizar constantemente. Hay una nueva métrica, un nuevo suplemento, un nuevo protocolo, un nuevo gadget. Y aunque muchas de estas herramientas pueden ser interesantes, también pueden terminar convirtiendo la recuperación en otra tarea más.

Nosotras queríamos preguntarnos: ¿qué pasa si quitamos todo lo que no es esencial y volvemos a lo que realmente funciona?

Calor. Frío. Naturaleza. Tiempo.

Son herramientas increíblemente simples, pero también profundamente poderosas. No necesitan demasiadas explicaciones ni tecnología para funcionar. El reto está precisamente en crear el espacio adecuado para que tengan efecto.

Esa idea también define cómo diseñamos KURHAUS. No queríamos llenar el espacio de estímulos ni hacer que cada rincón compitiera por tu atención. Cada elemento tiene una razón de estar ahí: los materiales, la luz, el recorrido de la casa, el jardín, el sonido, los rituales.

Para nosotras, la simplicidad radical es quitar lo innecesario para hacer más espacio para lo que importa. Y quizás eso es lo más radical de todo: en un mundo que constantemente te pide hacer más, elegir conscientemente parar.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Desde el principio nos inspiran mucho los proyectos y las personas que tienen un propósito que va más allá de simplemente ganar dinero, lugares como ATMA, CONPAUSA y Casita SOLOSE. Nos atraen los espacios que están hechos con intención, donde cada decisión tiene una razón de ser y existe una idea detrás de lo que ofrecen. También observamos mucho lo que sucede alrededor del mundo del wellness y nos llama la atención cuando un espacio se posiciona como un lugar de bienestar, pero después colabora con cualquier marca, incluso con productos o servicios que contradicen ese mismo discurso.

Nos inspiran especialmente otros fundadores que han construido negocios exitosos y, al mismo tiempo, han creado una vida que les permite disfrutar de su tiempo, cuidar su bienestar y estar presentes para lo que realmente importa.

Queremos que KURHAUS sea un espacio que recuerde a las personas que el éxito no tiene por qué estar peleado con el bienestar. Un lugar donde puedan bajar el ritmo, reconectar con su cuerpo y recuperar energía para todo lo que quieren hacer y construir.

Creemos que hacer una pausa no significa hacer menos, sino crear el espacio necesario para poder seguir dando lo mejor de ti. Que una vida ambiciosa también puede ser una vida en equilibrio. Y, al final, eso es también lo que queremos vivir nosotras y transmitir con nuestro propio ejemplo: que es posible construir, crecer y aspirar a mucho, sin dejar de disfrutar el camino.

Si KURHAUS pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría invitar a Pachanga Boys a KURHAUS porque su música tiene esa capacidad de transformar una experiencia y hacerte perder la noción del tiempo. Además, el dúo conecta México y Alemania, dos culturas que también forman parte de nuestra identidad.

Nos imaginamos empezar con un Aufguss, pasar por el sauna y el cold plunge y terminar bailando en nuestro jardín, bajo las estrellas, rodeados de cientos de velas, con un live set de Pachanga Boys. Para nosotras, esto sería una noche inolvidable.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
El jardín está lleno de pequeños detalles que todavía seguimos descubriendo. Incluso cultivamos fruta ahí, así que algunas personas literalmente pueden encontrar algo para comer mientras descansan.

Si KURHAUS fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si KURHAUS fuera un disco, sería Time, de Pachanga Boys.

Time tiene exactamente esa sensación de perder la noción del tiempo. Es hipnótico, envolvente y sensual, pero al mismo tiempo tiene una energía que te mantiene presente. La música te lleva poco a poco a otro estado, hasta que dejas de pensar en cuánto tiempo ha pasado.

Y eso es justamente lo que buscamos en KURHAUS: crear un espacio donde el tiempo deje de sentirse como algo que tienes que controlar. Entras, bajas el ritmo, te conectas con tu cuerpo y, por un momento, pierdes la noción del tiempo.

Lorena Schüle & Anja Heck
Co-fundadoras de KURHAUS
Sauna. Cold Plunge. Rest.
CDMX, México
instagram.com/kurhaus.mx

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Durante tres días, una locación privada en Roma Norte se transforma en un recorrido por el universo de The Macallan, donde diseño, tecnología y storytelling permiten descubrir una historia que va más allá de la destilación. En lugar de seguir una línea cronológica, la experiencia se construye alrededor de cuatro elementos: origen, madera, tiempo y oficio. Cuatro maneras de acercarse a los detalles que intervienen en la elaboración de un whisky y que, aunque no siempre son visibles, forman parte de su identidad.

La madera ocupa un lugar central en este proceso. Las barricas de roble sazonadas con jerez contribuyen al desarrollo de los aromas y sabores, además de aportar al color 100 % natural de los whiskies de The Macallan. Su selección y preparación requieren conocimiento, paciencia y atención a cada etapa. El resultado depende de una serie de decisiones que comienzan mucho antes de que el whisky llegue a la botella.

Mastery Beyond Reason convierte esos procesos en una experiencia que puede recorrerse. Los distintos espacios combinan recursos visuales y sensoriales para acercar a los visitantes a un oficio perfeccionado durante generaciones. La propuesta consiste en detenerse en aquello que normalmente permanece detrás del producto terminado: los materiales, las técnicas y el trabajo de las personas que participan en su elaboración.

Para David Zambrano, Brand Ambassador de The Macallan en México, el objetivo es precisamente mostrar esa suma de decisiones. Detrás de cada whisky existe un proceso que comienza mucho antes de llegar a la copa, construido a partir de dedicación, conocimiento y una búsqueda constante de calidad.

Esta atención al detalle también plantea una relación particular con el tiempo. En una época acostumbrada a la inmediatez, la elaboración del whisky depende de procesos que no pueden apresurarse sin alterar sus resultados. La madera necesita prepararse, los conocimientos se transmiten y cada decisión responde a una lógica desarrollada a lo largo de los años. La experiencia invita a conocer esa dimensión del oficio desde una perspectiva contemporánea.

Para The Macallan, preservar una tradición tampoco significa mantenerla inmóvil. La marca busca nuevas formas de compartir su historia sin abandonar los principios que han definido su trabajo desde su fundación en Escocia. «La tradición nos da una base muy sólida, pero también existe una curiosidad constante por seguir avanzando», explica Zambrano. Evolucionar, señala, implica reconocer qué merece permanecer y encontrar maneras relevantes de transmitirlo a las nuevas generaciones.

En ese cruce entre permanencia y cambio se encuentra el sentido de Mastery Beyond Reason. El diseño y la tecnología funcionan como herramientas para presentar una historia de más de dos siglos desde otro ángulo, mientras los materiales y procesos siguen ocupando el centro del relato.

La experiencia reúne así distintas dimensiones de un mismo oficio: la precisión técnica, el conocimiento acumulado y la voluntad de seguir explorando. Una oportunidad para descubrir cómo se construye la identidad de un whisky y cuántas decisiones pueden concentrarse en algo que, al final, cabe en una copa.

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¿Cómo nació Patito Rooftop Tulum y qué lo hizo diferente desde el principio?
Patito Rooftop Tulum nació inspirado en la esencia vibrante y creativa de Tulum. Su nombre surge de la palabra «palito», en referencia a la arquitectura local construida con bambú y madera. Desde su creación, se planteó como mucho más que un rooftop: un espacio donde el arte, la música, la creatividad y la socialización convergen en una experiencia única.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Los atardeceres son, sin duda, los protagonistas. Es cuando la energía del rooftop alcanza su punto máximo, la piscina se llena de vida, la música acompaña el ambiente y los visitantes disfrutan de una de las vistas y atmósferas más representativas de Tulum.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
La experiencia Patito Fun: disfrutar de la piscina, probar los característicos cócteles rosados y compartir la propuesta gastronómica mientras se vive la atmósfera relajada y festiva que define al espacio.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre Patito Rooftop?
Uno de los principales desafíos ha sido crear un concepto que refleje la energía de Tulum sin caer en estereotipos. Esto llevó al equipo a construir una identidad propia donde la creatividad, el diseño y las experiencias auténticas tienen tanto protagonismo como la fiesta.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La cultura creativa de Tulum sigue siendo la mayor inspiración. La mezcla entre naturaleza, arte, comunidad y libertad de expresión continúa definiendo la evolución del concepto y la experiencia de los visitantes.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Los espacios colaborativos donde convergen distintas disciplinas artísticas resultan especialmente inspiradores, ya que comparten la misma filosofía de crear comunidades a través de experiencias que mezclan entretenimiento, creatividad y convivencia.

Si Patito Rooftop pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Sería interesante colaborar con un artista contemporáneo mexicano para desarrollar una intervención inmersiva que combine arte visual, música en vivo y mixología, reforzando el carácter creativo y experimental que distingue a Patito.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Pocos conocen que el nombre «Patito» proviene de la palabra «palito», un guiño a los materiales tradicionales que forman parte de la identidad arquitectónica de Tulum y que inspiraron el desarrollo conceptual del rooftop.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería una ciudad costera creativa, llena de color, música y movimiento constante. Un lugar donde diferentes formas de expresión conviven y donde siempre existe la posibilidad de descubrir algo nuevo, exactamente como ocurre en Patito Rooftop.

Patito Rooftop
de Moxy Tulum
México
instagram.com/patito_totalfun

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¿Cómo nació la idea de este “Forensita”?
“Forensita” empezó cuando conocí a Inés y a su familia. Por un lado, Inés me abrió las puertas de su mundo y me lo mostró. Desde que la conocí, me pareció muy curioso el contraste entre ella, que tiene una personalidad llena de vida y es tan divertida, y la seriedad y el respeto con los que lleva a cabo su oficio.

También tuve varias pláticas con Isabel, la madre de Inés, y me llamó mucho la atención cómo hablaba sobre su hija y la relación que tienen ellas dos. Estas conversaciones me conectaron con esta historia y empecé a imaginar cómo se podría llegar a contar en un documental.

¿Qué descubriste (o desaprendiste) mientras lo realizabas?
Aprendí todo y desaprendí muchas cosas. Creo que lo que más me aportó fue descubrir el poder de la observación y de la escritura en la investigación. Es importantísimo estar atento a todo, no solo a lo que pasa en el mundo que estás observando, sino también a los sentimientos que este te transmite. Todo esto tiene formas muy curiosas de colarse en las historias. Un ejemplo es la relación que tienen Inés y su madre. Hay dos escenas en la película en las que ellas platican y son dos de mis escenas favoritas.

Hacer esta película también me expuso a la realidad del oficio forense en México. Es una profesión fundamental para la que hacen falta recursos y personal.

¿Qué imágenes, sonidos o emociones guiaron la construcción de “Forensita”?
Creo que el sentimiento que más me guió fue la ternura. Al ser esta la historia de una adolescente, buscamos retratar su mundo bajo este lente y creo que eso nos acercó, a mí y al equipo, a conectar con la historia. Mis momentos favoritos del rodaje sucedieron en la escuela. Después de filmar, todos en el equipo acabamos recordando cómo fueron nuestras adolescencias y nos dábamos cuenta de que, a pesar de que crecimos en ciudades diferentes, teníamos muchas cosas en común. Este sentimiento fue algo que permeó en la edición; queríamos recordarle a la audiencia las sensaciones de un salón de clases, de un bailable de tabla rítmica o de asistir a unos quinceaños, y que, por medio de estas escenas, pudieran adentrarse y encontrar similitudes con la historia de Inés.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
La serie de fotos Prince Street Girls, de Susan Meiselas, fue una de las referencias de las que Nassif, el fotógrafo, y yo platicábamos mucho. Nos encantan los retratos de esas jóvenes en ese momento tan particular de sus vidas.

Cuando empecé a trabajar con Andrea Rabasa, una de las editoras, la primera escena que trabajamos fue una en la que Inés participa en un baile de tabla rítmica. Mientras veíamos el material, Andrea sacó un libro y me dijo: «Esta secuencia me recuerda a estas fotos». ¡Y era la serie de Prince Street Girls!

¿Cuál fue el mayor reto durante la creación (en la filmación, edición, producción o idea)?
Mi mayor reto fue hacer las paces con el hecho de que Inés estaba creciendo. Al principio de la investigación, yo sentía que, si nos tardábamos mucho en filmar, la historia se nos iba a escapar. Pero, una vez que empezamos a filmar, me di cuenta de que crecer era una capa más dentro de la historia.

Ahora creo que, cuando te enfrentas a la realidad, hay cosas que puedes sentir que están jugando en tu contra, pero, si las ves desde otra perspectiva, pueden terminar informando la narrativa.

¿Cuál es tu restaurante favorito y qué nos recomiendas pedir?
Las flautas ahogadas de papa y las gorditas de chicharrón de La Campana, en la Del Valle, son increíbles. Nassif y yo comimos muchas veces ahí durante la preproducción, y muchas de nuestras mejores conversaciones las tuvimos ahí.

Recomiéndanos algún artista que sigas, que te inspire, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Me encanta el trabajo de Antonia Alarcón, sobre todo sus piezas de flores; me fascinan la libertad y la ligereza que transmiten.

Pablo Vaca
Cineasta mexicano. Ha trabajado en el desarrollo y la investigación de documentales, incluyendo la serie Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero (2025), de la que formó parte del equipo de investigación. 
instagram.com/pablo___va

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Se han callado los pájaros y me siento en sí de tu abrazo, convirtiendo las penumbras en un sordo murmullo. Mi alma cantaba el alba favorita de los dioses.

¿El temor es inmovilidad o movimiento?

Mientras un canal de peces se abría a nosotras, se nos abrieron los ojos.

Distingo que hoy las olas predominan más que ayer.

El tiempo dejó de correr. No corría. No había tiempo.

Una especie de crepúsculo rosado me iluminó.

—No todo siempre es lineal —te repetía, con la calma y el viento pegándonos en la cara.

El sueño de anoche.

El mar es un erotismo desconocido.

Un erotismo que se aprende.

Estas pequeñas voces atadas, desafiándose en la arena, transpiraban oxígeno y misterio.

Había aprendido a meterme al mar con euforia.

Pensé que era la única forma de acceder profundo y sin miedo.

Las olas rozan el límite un instante, resbalan hacia el abismo y retroceden.

Miro mi reflejo y me deseo, te deseo.

Nadie puede culparnos, teníamos derecho a la ingenuidad, a desorientarnos con tanta marea. A ser anónimas, transparentes, heridas.

A menudo acudía a la memoria de mis amantes. Flashbacks, flashbacks, flashbacks.

Se interrumpían con cada ola que caía en la arena. Este era mi lenguaje, mi acto egoísta. Mi forma de plasmar los recuerdos como yo quería.

Hoy quisiera que el mar me despida con un beso en la boca.

A veces cualquier beso me era insuficiente.

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En Studio Lazcano, el espacio también forma parte del proceso. Durante su residencia, Jennifer Laflamme y Blanca Espasa trabajaron juntas desde lenguajes distintos, dejando que sus respectivas investigaciones sobre materia, cuerpo y percepción encontraran una relación con el lugar y entre sí. El resultado reúne pinturas y textiles de Laflamme junto a las esculturas de Espasa, piezas que, aunque parten de procesos diferentes, comparten una atención particular a aquello que sucede mientras una obra toma forma.

Laflamme trabaja con textiles, pintura y pigmentos naturales, explorando el comportamiento del color y la memoria que pueden conservar los materiales. Sus pinturas construyen espacios liminales, lugares que parecen existir entre la memoria y la imaginación, y que se relacionan con su interés por reconstruir mundos que no pudo experimentar por completo. Espasa, por su parte, desarrolla una práctica escultórica basada en la experimentación y en formas biomórficas que establecen relaciones entre estructuras naturales, espacio y cuerpo. Durante la residencia, ambas trabajaron a partir de las condiciones particulares de Studio Lazcano y del ritmo más pausado que encontraron en el sur de la ciudad, pensando también en cómo sus piezas podían relacionarse dentro del espacio.

El resultado de la residencia se presentó el sábado 3 de octubre en Studio Lazcano. Durante la semana siguiente, el espacio permanecerá abierto al público mediante cita previa.

Para conocer mejor las investigaciones que atraviesan este encuentro, conversamos con ambas artistas sobre sus procesos, la relación que mantienen con los materiales, la memoria, el cuerpo y aquello que puede surgir cuando una obra se desarrolla en diálogo con un lugar.

Jennifer Mifi Laflamme

La práctica de Jennifer Laflamme se sitúa entre el textil y la pintura. A través de pigmentos naturales y procesos de teñido aprendidos en Japón, trabaja con materiales cuyo comportamiento no puede controlarse por completo. La luz, el tiempo, el ambiente y el contacto con el cuerpo continúan transformando sus piezas incluso después de terminadas.

Su trabajo también explora espacios liminales: lugares imaginados que se encuentran entre la experiencia y la memoria, entre aquello que se recuerda y aquello que se reconstruye. Laflamme ha descrito sus pinturas como mundos imaginados, construidos a partir de una relación compleja con el lugar, la cultura y su propia memoria. En sus textiles, esta búsqueda se extiende hacia materiales que ya contienen historias, marcas y huellas de quienes estuvieron en contacto con ellos.

Para Mifi, trabajar con estos elementos implica aceptar sus propios ritmos y permitir que algo inesperado permanezca en la obra. El resultado son piezas que no parecen completamente estáticas, sino abiertas a seguir cambiando con la luz, el tiempo y la presencia de quien las observa.

Tu práctica parte del textil y del teñido natural. ¿Qué te atrae de trabajar con materiales cuyo resultado final nunca puede controlarse por completo?
Me atrae que los materiales tengan sus propias vidas y ritmos. Cuando tiño, raspo, doblo o pinto una tela, dejo una huella, pero el tejido continúa cambiando y evolucionando después. Los tintes naturales también se comportan de manera diferente dependiendo del material y de las condiciones, así que siempre existe un elemento de experimentación e imprevisibilidad.

Me veo trabajando junto a los materiales, en lugar de intentar controlarlos por completo. Esto comenzó cuando aprendí sobre el teñido natural en Japón y empecé a pensar en las plantas no simplemente como fuentes de color, sino como seres con los que estaba interactuando y de los que estaba aprendiendo. Me interesa permitir que esa relación permanezca visible en la obra.

Estudiaste y trabajaste con técnicas de teñido en Japón. ¿Cómo transformó esa experiencia tu manera de aproximarte al color y al proceso?
Aprender teñido natural en Japón cambió por completo mi manera de entender el color y el proceso. Estudié con personas que llevaban mucho tiempo trabajando con estas técnicas y aprendí a pensar en las plantas como organismos completos, incluyendo su relación con el cuerpo y sus posibles beneficios para la salud.

También trabajé con textiles tradicionales, algunos de cientos de años de antigüedad y teñidos con tintes naturales. Me sorprendió lo vibrantes y complejos que podían ser sus colores. Esa experiencia despertó en mí un interés particular por la seda, por la manera en que recibe y refleja el color, por los degradados que puede crear y por esa cualidad casi luminosa que adquiere.

Desde entonces, mi proceso se ha vuelto muy experimental. Puedo comenzar con un color determinado y pasar semanas o meses buscando cómo conseguirlo con distintos materiales. A menudo trabajo en varios proyectos al mismo tiempo porque siento que cada pieza tiene su propio tiempo y ritmo.

En tu trabajo, la luz, el tiempo y la temperatura continúan transformando la materia. ¿Piensas en la obra como algo que sigue evolucionando después de estar terminada?
Por supuesto. Pienso en los materiales como seres vivos. Incluso después de que una pieza ha sido teñida o terminada, el tejido continúa cambiando. La luz, el entorno y las personas que interactúan con él pueden modificar su apariencia y su textura.

También pienso en las historias que los materiales ya contienen. Cuando trabajo con telas antiguas, me fascinan las marcas que han dejado las personas que estuvieron en contacto con ellas. Deshacer costuras que habían sido hechas cientos de años atrás se sentía como una forma de viajar en el tiempo. En ese sentido, la obra nunca está completamente separada de las huellas de todo aquello que la ha tocado.

También me gusta dejar algunas cosas crudas o inacabadas. Un borde deshilachado, por ejemplo, me recuerda que los materiales están sujetos al cambio y al deterioro. Me interesa esa sensación de movimiento continuo, en lugar de un objeto completamente fijo o resuelto.

También trabajas con prendas y textiles recuperados. ¿Qué cambia cuando un material pasa de ser algo que observamos a algo que entra directamente en contacto con el cuerpo?
Cuando alguien usa una de mis piezas, lo veo como una colaboración entre el cuerpo y el tejido. La prenda ya tiene su propia vida, espíritu y movimiento, y deja nuevas marcas y huellas. Cada persona que la usa se convierte en una parte más de su historia.

La forma del cuerpo estira el tejido, mientras que los aceites naturales de la piel, los aromas y el movimiento dejan nuevas marcas y huellas. Cada persona que usa una pieza aporta algo a ella. Al mismo tiempo, la prenda tiene una vida incluso cuando nadie la está usando.

También me interesa recordar a las personas que estos materiales son valiosos y requieren cuidado. Cuando vivimos en un mundo de consumo acelerado, podemos desconectarnos del trabajo, la fragilidad y la historia contenidos en los textiles. Quiero que las personas sean conscientes de aquello con lo que están interactuando físicamente y que puedan vivir con las piezas, en lugar de simplemente verlas como objetos.

Tu práctica está atravesada por tu herencia japonesa y coreana. ¿Cómo aparecen estas referencias en tu trabajo sin convertirse necesariamente en representaciones literales?
Mi historia personal es compleja y tiene mucho que ver con mi relación con el lugar y la cultura. Nací en Japón; mi padre es canadiense y mi madre es coreana. No intento necesariamente representar esas culturas de manera literal. En cambio, mi trabajo se convierte en una forma de explorar los vacíos y las incertidumbres de mi propia memoria cultural. A menudo describo mis pinturas como mundos imaginados porque intento construir o reconstruir un lugar que no tuve el tiempo suficiente para experimentar plenamente mientras crecía.

También hay cosas que no comprendo por completo, especialmente cuando se trata del lenguaje y de ciertas sutilezas culturales. Puedo interpretar algo de una manera que no sea completamente precisa o culturalmente “pura”, pero esa incertidumbre forma parte del trabajo. Intento comprender estas dinámicas culturales complejas en lugar de presentar una representación definitiva de ellas.

¿Qué descubriste durante tu residencia en Studio Lazcano que quizá no habría surgido trabajando de manera independiente?
La residencia me dio la oportunidad de pensar en la obra más allá del objeto individual y de considerar cómo un entorno completo podía convertirse en parte de la práctica. Trabajar alrededor de otras personas, materiales y un espacio ya existente puede generar relaciones y posibilidades que son más difíciles de encontrar cuando se trabaja a solas.

Cada vez me interesa más la idea de que mis piezas puedan hablar entre sí y con su entorno, que los colores puedan fluir de un objeto a otro, que los tejidos puedan responder a la luz y al espacio, y que una exposición no tenga que permanecer estática. Me gustaría crear ambientes en los que las personas puedan literalmente entrar en el mundo de la obra.

Tus pinturas construyen espacios que has descrito como mundos imaginados y espacios liminales. ¿Qué te interesa de crear lugares que parecen existir entre la memoria, la imaginación y la experiencia?
Pintar me permite conectar con mi espíritu y dejar que el color, las imágenes y las emociones aparezcan intuitivamente. Para mí, es un acto de entrega, confianza y conexión con una creatividad infinita.

La pintura se convierte en una forma de construir mundos imaginados donde pueden coexistir recuerdos, sueños e historias ancestrales. Entiendo el proceso como una forma de escucharme y permanecer abierta, en lugar de intentar controlar el resultado. Los colores y las imágenes surgen intuitivamente y, a través de las capas y la relación con el material, la pintura adquiere su propia vida.

La memoria es porosa y cambia constantemente, y siento que las capas y transparencias pueden capturar aquello en la memoria, el olvido y lo que existe entre ambos. A veces no sé qué estoy haciendo hasta que ya estoy dentro de la obra. Para mí, esa incertidumbre es parte del proceso: una forma de conectar con algo más allá de mí y permitir que un mundo imaginado aparezca.

Blanca Espasa

La práctica de Blanca Espasa parte de la escultura y de una constante experimentación con distintos materiales y procesos. Sus formas biomórficas surgen de un imaginario en el que conviven estructuras naturales, huesos, conchas y ornamentos de carácter religioso, pero también de una pregunta por aquello que conecta el espacio, la materia y la experiencia del cuerpo.

En su proceso, el material tiene un papel activo. Sus características determinan las posibilidades de cada pieza y orientan las decisiones que toma durante su elaboración. Las huellas de ese proceso permanecen visibles en las esculturas porque, para Espasa, el proceso es tan importante como la obra terminada. Esta relación con el cuerpo también aparece en su trabajo de joyería, que entiende como una forma de “escultura habitable”.

Durante la residencia en Studio Lazcano, estas investigaciones se encontraron con las condiciones particulares del espacio y con el trabajo de Laflamme. Las pinturas y textiles, más ligeros y volubles, dialogan con las esculturas de Espasa, pesadas y enraizadas, componiendo juntas una distribución particular del espacio.

Tu práctica parte de la escultura, pero también de una constante experimentación con materiales y procesos. ¿Qué papel juega el material en las decisiones que tomas durante el proceso?
A través de las características que cada material posee, durante el proceso, me va indicando cómo trabajarlo. Se trata de un proceso muy intuitivo, de cómo llevar el material a los límites que este me permita, ya sea repujando el metal, estirándolo, fundiendo ceras muy finas para que salga la plata muy delicada y maleable, o experimentando con materiales bio, como el bioplástico, que dependiendo del molde donde lo vierta adquiere más o menos transparencia.

Muchas de tus formas tienen un carácter biomórfico y parecen encontrarse entre lo natural y lo construido. ¿De dónde surge tu interés por estas estructuras?
El interés por estas estructuras y construcciones surge de una imagen que comparten uniones de conchas, uniones entre huesos, ornamentos de carácter religioso, es una mezcla de imágenes que me han acompañado durante mi vida, por las que siempre he tenido especial fijación, ya que para mí entrelazan las conexiones entre la escultura y cómo nos posicionamos respecto a las obras. Es todo aquello que compone espacio, materia y vivencia. Me gusta mucho el término fascia, que usa la investigadora Isabel de Naverán para describir este hilo que todo une, presencia, espacio y cuerpo.

En tus esculturas permanecen visibles las huellas de su elaboración. ¿Qué significa para ti conservar el gesto y las marcas del proceso dentro de la pieza terminada?
Es muy importante para mí dejar visible la huella del proceso porque es inherente de la propia pieza, el proceso es igual o más importante que la obra acabada.

Has llevado algunas de estas formas a la joyería en plata. ¿Qué sucede cuando una forma que originalmente ocupa el espacio se convierte en un objeto que acompaña directamente al cuerpo?
Tuvo mucho sentido empezar a hacer piezas de joyería porque son esculturas habitables. Adapto las ceras que luego fundo al cuerpo, igual que las piedras que luego engasto. Es otro tipo de proceso escultórico, ligado directamente a la interacción con los cuerpos.

¿Cómo entiendes la relación entre intuición y experimentación dentro de tu proceso de trabajo?
La experimentación junto con la intuición van de la mano, una lleva a la otra. La intuición guía el proceso y a su vez conduce a la experimentación.

¿Qué lugar ocupó la residencia en Studio Lazcano dentro del desarrollo de las piezas que ahora se presentan?
El desarrollo de las piezas que se presentan en este open studio ha estado marcado por la vinculación con el sur de la ciudad. Un ambiente más pausado, pudiendo desarrollarlas con esta tranquilidad. Están pensadas para el espacio, que junto con las piezas de Mifi, dialogan entre sí. Las pinturas son ligeras y volubles, mientras que las esculturas pesadas y enraizadas, juntas se componen y distribuyen los espacios en Studio Lazcano.

El trabajo realizado durante la residencia deja ver dos maneras distintas de acercarse a la materia, pero también una preocupación compartida por aquello que ocurre cuando una obra entra en relación con el cuerpo y con el espacio. En Studio Lazcano, sus piezas no solo conviven: modifican la manera en que el lugar puede ser recorrido, observado y habitado.

Studio Lazcano
Private home & residency in San Angel Inn
Mexico City, Mexico
instagram.com/studiolazcano

La entrada Materia, cuerpo y memoria se publicó primero en ERRR MAGAZINE.