¿Qué colaboración es esta y quiénes la hicieron posible?
Todo empezó con una pregunta: ¿quién debería diseñar la caja de Cancino para el Mundial? La respuesta era obvia: Ricardo Guzmán, el diseñador de una de las playeras más icónicas en la historia del fútbol mexicano. La que usó la Selección Mexicana en Francia 1998, la que lleva el Calendario Azteca en el pecho, la que la revista FourFourTwo colocó en el lugar 11 de las 50 mejores camisetas en la historia del fútbol mundial.

El problema es que, a más de 30 años de su creación, todos hablan de esa playera, pero muy pocos conocen al hombre detrás de ella.

Por eso, para esta colaboración, Cancino buscó a Ricardo Guzmán para intervenir un objeto muy especial para la marca: la caja de pizza del Mundial.

¿Cómo se encontraron estas dos partes por primera vez en este proyecto?
El motor principal fue contar una historia que merecía ser contada. Pero las preguntas seguían apareciendo: ¿cuál era la historia del genio que diseñó esa camiseta? ¿Quién tenía su contacto? ¿Dónde estaba? Nadie sabía con claridad.

Así empezó una búsqueda entre conocidos, amigos, gente del medio futbolero, historiadores, periodistas deportivos y personas que habían estado cerca de aquella época. Los mensajes viajaron de la Ciudad de México a Monterrey, de Monterrey a Madrid y de Madrid hasta Playa del Carmen, siguiendo el rastro del siempre copiado, pero jamás igualado: Ricardo Guzmán.

¿Qué trajo cada uno a la mesa desde el inicio?
Esta colaboración nunca se trató solamente de una caja de pizza, ni de una camiseta, ni siquiera de un Mundial. Se trató de hacerle un homenaje a una idea y, sobre todo, a la persona detrás de ella.

Ricardo trajo su creatividad infinita, su pasión pura por el diseño y una forma muy honesta de crear. Volvió a conectar con ese adolescente que, hace más de 30 años, diseñó algo que hasta hoy sigue siendo de todos los mexicanos, sin importar edad, ciudad o estrato social.

Cancino trajo una casa: una caja, una pizza y una comunidad dispuesta a compartir esa historia.

¿Qué decisiones terminaron definiendo lo que vemos hoy?
La creatividad y dedicación de Ricardo fueron el centro de todo el proceso. Desde el inicio, hubo una idea en común: que el fútbol, como la pizza, debe ser una casa para todos.

La caja terminó siendo eso: un punto de encuentro entre diseño, memoria, fútbol, comunidad y pizza compartida.

¿Qué momento del proceso fue el más extenso o complicado?
Definitivamente, llegar a Ricardo.

El trabajo de investigación tomó más de un mes. Preguntamos en Instagram, buscamos entre historiadores, periodistas deportivos y personas del medio, hasta llegar a gente que había coincidido con Guzmán cuando era diseñador gráfico en Aba Sport.

En ese camino también apareció una parte muy especial de la historia: que el diseño original de la camiseta nació en muy poco tiempo, casi como una intuición creativa, trazado primero en una servilleta.

¿Hubo algún desacuerdo o choque de ideas? ¿Qué pasó ahí?
Esta colaboración siempre partió de una idea muy clara: hacerle un homenaje a Ricardo Guzmán y a su historia.

Desde Cancino, Ricardo tuvo completa libertad creativa. El único requerimiento fue que imaginara algo nuevo a partir de un objeto que para nosotros es muy especial: una caja de pizza.

¿En qué momento el proyecto cambió de rumbo, aunque fuera un poco?
Cuando por fin logramos contactar a Ricardo.

Ahí el proyecto dejó de ser solamente una colaboración de diseño y se convirtió en una historia mucho más humana. El equipo de Cancino viajó a Playa del Carmen para conocerlo, escucharlo y entender de cerca la historia detrás de una camiseta que marcó a tantas generaciones.

¿Qué se llevan de haber trabajado con la otra parte?
El equipo creativo de Cancino se lleva el privilegio de haber contado una historia que empieza con un diseño y termina siendo parte de todos.

Conocer al hombre detrás de una de las camisetas más queridas de México fue una experiencia profundamente especial. Se logró una colaboración con mucho respeto, cariño y admiración por Ricardo, por su historia y por la manera en la que una idea puede seguir viva tantos años después.

¿Qué referencias, conversaciones o cosas externas se colaron en el proyecto sin pedir permiso?
La historia creció tanto que se hizo un mini documental para contarla completa. Porque una historia así no podía quedarse solamente en una caja: merecía escucharse, verse y compartirse.

Si tuvieran que describir esta colaboración en una frase, ¿cuál sería?
Más que una frase, serían cinco palabras: pizza, fútbol, comunidad, México y compartir.

¿Qué canción sería el soundtrack perfecto de esta colaboración?
Cielito Lindo. “Ay, ay, ay, ay, canta y no llores, porque cantando se alegran, Cielito Lindo, los corazones.”

Cancino
La Pizza del Mes es un proyecto de Cancino en el que invitamos a personas que nos inspiran desde distintas disciplinas. A través de una pizza, contamos la historia de cada colaborador, su universo creativo y la forma en la que entiende la comida, la ciudad y la comunidad.
CDMX, México
instagram.com/loscancinos

La entrada La historia de una caja de pizza se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

La canción conserva la sensibilidad que ha distinguido a Hovvdy durante la última década. Guitarras acústicas, texturas electrónicas, sintetizadores y mellotron conviven sobre baterías programadas para construir un indie rock elegante y emotivo, capaz de conectar con quienes encuentran refugio en el slowcore, el lo-fi y las canciones que revelan sus detalles poco a poco.

“Try Try Try” también marca un cambio de enfoque para la banda. Después de un disco expansivo y profundamente confesional, Hovvdy apuesta por una propuesta más concentrada y dinámica.

“El último disco se sintió como una oferta muy generosa: un álbum doble, profundamente personal, en el que, literalmente, se me oye llorar en algunas canciones. Con este, queríamos asumir el reto de crear algo más conciso y directo, y ofrecer a los fans una experiencia más breve pero más emocionante”, explica Charlie Martin.

Durante los últimos años, Hovvdy se ha convertido en una de las voces más influyentes del indie estadounidense. Su música ha encontrado eco tanto en nuevas generaciones de artistas como en figuras consolidadas de la escena alternativa. Entre sus admiradores se encuentran Zach Bryan y el trío boygenius, quienes han destacado el impacto que el proyecto ha tenido en su propia trayectoria.

El lanzamiento llega acompañado de una intensa agenda de conciertos. La banda recorrerá Estados Unidos junto a Bleachers durante junio, continuará por Reino Unido y Europa como invitada de Wilco y más adelante encabezará una gira propia por Norteamérica.

Con apenas unos minutos de duración, “Try Try Try” funciona como una invitación abierta al universo de su próximo álbum: canciones precisas, emociones a flor de piel y una banda que sigue encontrando nuevas formas de expandir su lenguaje sin perder cercanía.

La entrada Hovvdy anuncia nuevo álbum con el single “Try Try Try” se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Esta edición se realizará en LagoAlgo, un espacio que ya se ha consolidado como punto de encuentro para prácticas culturales que cruzan exhibición, pensamiento y experiencia. Durante varios días, la exposición previa abre un territorio de observación lenta, donde las piezas pueden leerse como procesos en curso antes de entrar en su momento de circulación pública.

La selección de obra reúne a una amplia constelación de artistas como Alejandra Venegas, Carlos Amorales, Cynthia Gutiérrez, Fritzia Irízar, Javier Barrios, Ximena Garrido-Lecca y muchos más, bajo la curaduría de Allegra Cordero di Montezemolo. El conjunto traza un mapa diverso de prácticas contemporáneas donde el gesto artístico se expande hacia distintas materialidades, tensiones y narrativas.

Más que un evento de mercado, la subasta funciona como una infraestructura viva. Un espacio donde la edición, la crítica y la producción artística se sostienen mutuamente a través de una red de intercambio que mantiene activo el circuito independiente en la región.

La jornada también reúne a coleccionistas, artistas, curadores y nuevas generaciones que se acercan al arte como un campo en construcción constante, donde cada encuentro suma capas al tejido cultural.

La 7ª subasta de Terremoto reafirma así una idea simple y potente: el arte no solo se muestra, también se activa en comunidad, se comparte y se sostiene en el tiempo a través de sus propias formas de colaboración.

La exposición puede visitarse del 13 al 15 de abril, de 10:00 a 18:00 hrs.
La subasta se realiza el 16 de abril de 2026, solo por invitación.

La entrada La 7ª Subasta de Terremoto: arte, circulación y comunidad en LagoAlgo se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Durante la Semana del Arte 2026 se inauguran más de 25 exposiciones y actividades. Museos como el Palacio de Bellas Artes presentan la intervención coreográfica Colosos de Diego Vega, mientras que el MUAC reúne exposiciones como Gunther Gerzso: algo en común con el pasado, Botánica de asfalto, Ni origen ni torbellino, El aire en forma de huéspedy Memorias sonoras de la literatura latinoamericana. El Museo Tamayo presenta una exposición temática de Gabriel de la Mora y Fundación Casa Wabi Sabino exhibe Mesa de Centro de Cristina Umaña, Cristalización Especular de María Naidich y Sísifo dichoso de Bosco Sodi.

La programación se extiende a galerías y espacios independientes con inauguraciones en OMR, Galería de Arte Mexicano, Proyectos Monclova, kurimanzutto, Arróniz, Saenger Galería, Galería RGR, Daniela Elbahara, Breuer Studio, Jovian Fine Art y otros espacios que concentran aperturas durante los primeros días de la semana. A esto se suman performances, residencias, recorridos curatoriales y subastas de arte en distintos puntos de la ciudad.

El Programa de Conversaciones incluye 24 encuentros públicos con curadores, artistas y gestores culturales. Entre ellos destacan Arte e instituciones: prácticas desde la gestión y la curaduría, con la participación de Stefano Collicelli, Simone Krug, Donna De Salvo y Tatiana Cuevas; Intercambios, moderado por Aimé Iglesias Lukin, con Magnolia de la Garza, Gilberto González y Lucía Sanromán; y la presentación del catálogo Sic itur ad astra. 90 años de la Galería de Arte Mexicano, con Daniel Garza Usabiaga, Christian Camacho y Juan Pérez Figueroa.

La agenda se completa con talleres, conferencias, recorridos guiados independientes y eventos nocturnos, además de Artsy Nights, la fiesta oficial de ZONAMACO, que amplía la programación hacia formatos híbridos entre música, arte y vida nocturna.

Conoce más sobre ZONAMACO aquí.

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada ZONAMACO y la Semana del Arte 2026 se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Ritual Collective es un grupo de fotógrafos con trayectoria dentro de la fotografía de bodas. El proyecto surge de la necesidad de trabajar y pensar la imagen con más tiempo, más atención y menos ruido. El colectivo está formado por Olya Vysotskaya, Meredith Heuer, John Dolan y Holger Thoss.

Nomada es una plataforma educativa nacida en Latinoamérica que trabaja desde el encuentro presencial. Workshops, retiros y espacios diseñados para compartir procesos, discutir trabajo y construir comunidad entre fotógrafxs. El proyecto está integrado por Amelia Alvarez, Rodrigo Aguilera y Alfonso Flores.

La colaboración entre Ritual y Nomada parte de una conversación compartida sobre el trabajo, la práctica fotográfica y la experiencia colectiva.

El 31 de enero, Ritual × Nomada abre esa conversación con The Gathering, un encuentro abierto en Broka, Ciudad de México, de 1:00 a 5:00 pm. Una tarde para hablar de fotografía, bodas, proyectos personales y los distintos recorridos profesionales dentro de la comunidad fotográfica.

Más adelante, el proyecto continúa con El Retiro, una experiencia creativa de cuatro días en la Hacienda San Andrés, Estado de México. Un espacio de trabajo enfocado en narrativa visual, práctica personal y revisión de obra. Ejercicios fotográficos, conversaciones en grupo y tiempo para observar el propio trabajo con distancia.

Gathering
31 de enero
Broka, CDMX
Cupo limitado

Retiro
Hacienda San Andrés, Edo. de México
1 al 5 de febrero
12 participantes
Todo incluido

Información y registro:
nomadaworkshopma@hotmail.com

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada Ritual Collective x Nomada se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

La banda originaria de Hoboken, Nueva Jersey, se presentará el 20 y 21 de enero de 2026 en la Sala (A) del Foro Indie Rocks!, trayendo de vuelta su universo sonoro y el material de This Stupid World, su más reciente álbum de estudio, editado en 2023 a través de Matador Records.

Formada en 1984 por Ira Kaplan y Georgia Hubley, a quienes más tarde se uniría James McNew en 1992, Yo La Tengo se ha convertido en una banda de culto imposible de encasillar. Su música se mueve con naturalidad entre el folk, el noise, el punk, el shoegaze y la experimentación electrónica, siempre con una identidad propia que ha resistido modas, ciclos y algoritmos.

Más allá del éxito comercial, Yo La Tengo ocupa un lugar privilegiado en la historia del indie rock: una banda profundamente respetada por la crítica y abrazada por un público que entiende el valor de sus silencios, sus explosiones y su constante reinvención. Sus visitas a México han sido prueba de ello.

Este regreso a la CDMX forma parte de una agenda intensa para la banda, que incluye una gira por Latinoamérica, una residencia de ocho conciertos en Nueva York hacia el cierre de 2025 y su participación en la edición 2026 del Wilco’s Sky Blue Sky Festival en la Riviera Maya.

Los boletos para la segunda fecha ya se encuentran disponibles a través de Feverup.com. Dos noches para dejarse llevar por una banda que nunca ha tenido prisa, pero siempre ha sabido llegar a tiempo. 

Arte por: @eloscar_lc

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada Segunda fecha: Yo La Tengo en el Foro Indie Rocks! se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

“Liberar” dura casi ocho minutos. En un mundo de playlists rápidas y algoritmos que nos cortan la atención a los 20 segundos, ¿qué buscan ustedes estirar, tensar o incluso resistir con un tema tan largo?
Gaby: Justo eso, no pensamos en el tiempo que iba a durar, realmente solo lo sentimos. Así se fue dando el proceso creativo, ya que nos gusta la sensación de repetición. En un mundo en el que nos obligan a tener poca atención, es muy importante tener pausas para contemplar y solo vivir sin pensar en el tiempo.
Alam: Sí, tenemos mucho esta dinámica de escuchar las maquetas que se crean y de ahí ver qué nos va pidiendo la misma música. Pueden ser 30 segundos o 15 minutos, jeje. Todo depende de lo que el sonido requiera.

Su sonido habla de trance, motorik, atmósferas densas. Si tuvieran que traducir “Liberar” a una imagen ritual, ¿qué veríamos?
Gaby: Yo vería líneas desintegrándose, generando una tensión como si algo pronto fuera a explotar.
Alam: Yo lo describiría como una hoguera en medio de la noche, también humo que queda después de una noche de guerra.

El álbum que viene se llama Ígnea. ¿Qué significa el fuego para ustedes?
Gaby: Es el medio por el que se experimenta un fin, pero también un inicio. Un elemento de transformación y renacimiento.
Alam: Concuerdo mucho con Gaby en esto, el fuego es transformación. Para mí también habla sobre una energía, algo que va creciendo dentro de la gente y que en algún momento tiene que salir.

¿De qué se han liberado con su fuego interno en el proceso creativo de construir este nuevo álbum?
Gaby: En lo personal he dejado de poner expectativas y hacer lo que me gustaría escuchar, poniéndole más atención a lo que quiero decir, disfrutando el proceso y lo que me hace sentir.
Alam: Podría decirse que es como vivir el viaje y no pensar en el destino. Liberándonos de lo que deberíamos hacer y concentrándonos en disfrutarlo nada más. Agregaría que este álbum ha tenido un proceso creativo muy diferente al anterior. Lo siento como más personal, y supongo que es muy normal que la gente vaya cambiando de gustos, de hábitos. Creo que en Ígnea me propuse solo disfrutar y sentir todas esas ideas que teníamos ya maqueteadas.

Tras la gira europea: ¿qué cambió en su forma de pensar la música después de enfrentarse a públicos tan distintos?
Alam: Realmente sí sentimos que cambió mucho nuestra forma de ver al público. Obvio cambia de un lado a otro la energía. Al principio que comenzamos el tour se sentía extraño, estar tan lejos de casa, en un país donde no conoces nada, ¡uff! Pero conforme fuimos tocando más, realmente sentimos una gran conexión con el público, hicimos amistades y nos la pasamos increíble. Poco a poco nos dimos cuenta de cuál era el mood. Y, en lo personal, me dio mucho gusto que la música nos llevara tan lejos. Creo que sería eso: ahora veo la música con más entusiasmo y como una forma de ir a conocer más lugares, y eso me emociona.
Gaby: Para mí fue un antes y un después de cómo percibía hasta el tocar. Tocar en otro país y darte cuenta de que te escuchaban desde tan lejos fue algo que me quitó muchas barreras y hace que creas más en lo que estás haciendo. Es una motivación muy grande.

Pamela RM

Escribo. Tengo un centro cultural @heladooculto.
Tour / Personal manager.
CM. Imagen Pública.

www.instagram.com/sopadeburbujas

La entrada Liberar el tiempo: el trance encendido de Mirror Revelations se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Click aqui para comprar boletos.

Formada en 1984 en Hoboken, Nueva Jersey, Yo La Tengo se ha consolidado como una agrupación de culto. El dúo fundador, Ira Kaplan y Georgia Hubley, junto con James McNew —quien se unió en 1992—, han dado forma a un sonido inconfundible que atraviesa folk, punk, shoegaze, noise y tintes electrónicos. Su versatilidad y autenticidad han marcado una trayectoria celebrada tanto por la crítica como por generaciones de seguidores fieles alrededor del mundo.

La gira actual presenta This Stupid World (Matador Records, 2023), su más reciente álbum de estudio, un material que los llevó a recorrer Latinoamérica, ofrecer una residencia de ocho fechas en Nueva York y unirse al cartel del Wilco’s Sky Blue Sky Festival 2026 en la Riviera Maya. Ahora, el turno es de la Ciudad de México, donde Hipnosis promete un concierto completo y cercano, fiel al espíritu de la banda.

El 20 de enero de 2026, el Foro Indie Rocks! será el escenario en el que Yo La Tengo reafirme por qué, después de cuatro décadas, su música sigue siendo sinónimo de exploración, emoción y resistencia sonora.

Fotografía por Cheryl Dunn. Arte del cartel por Oscar López.

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada Hipnosis trae de vuelta a Yo La Tengo en el Foro Indie Rocks! se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

El tema surge de un sencillo riff de guitarra acústica que poco a poco se expande en capas: una percusión palpitante, la medida justa de distorsión y un medio tempo que se instala con calma en el oído del oyente. El resultado es un viaje sonoro donde conviven lo delicado y lo enérgico, una dualidad que se ha convertido en marca de identidad de la banda. El clímax final, sofisticado y potente, confirma la capacidad de Bum Motion Club para crear atmósferas que emocionan y sacuden a la vez.

Pero más allá de la producción impecable —a cargo de Carlos Hernández, junto a los propios miembros Alejandro Leiva y Alberto Aguilera, y masterizada por Javier Roldón—, lo que distingue a “Paso Lento” es el trasfondo de su mensaje. La canción funciona como un recordatorio contemporáneo: la felicidad puede encontrarse en aquello que solemos pasar por alto, como sentir la brisa, mirar un rayo de sol o compartir un instante con alguien cercano. Es una pausa consciente en tiempos de aceleración.

Este sencillo se suma a “Paseo de vuelta” y “La Grieta (Una casa)”, los otros dos adelantos de Distracciones, un disco que se perfila como un paso adelante en la carrera de Bum Motion Club. Con cada lanzamiento, la banda va descifrando una nueva visión de su propio universo, siempre fiel a su esencia shoegaze, post punk y dreampop, pero con un refinamiento que refleja madurez artística y una clara ambición por consolidarse en la escena alternativa nacional.

La formación no es ajena al reconocimiento: su álbum Claridad y Laureles fue elegido mejor disco nacional 2023 por Dod Magazine, situándolos como una de las propuestas más emocionantes de la nueva ola musical española. Ahora, con su segundo largo, parecen dispuestos a escalar aún más alto.

Y como todo buen lanzamiento merece escenario, la banda se embarcará en una gira por España que dará inicio este octubre y recorrerá ciudades como Madrid, Barcelona, Málaga, Granada, Bilbao y Murcia. Una oportunidad para experimentar en directo ese “paso lento” que, paradójicamente, promete convertirse en un huracán sonoro en cada concierto.

Con “Paso Lento”, Bum Motion Club demuestra que detenerse no significa retroceder, sino encontrar un ritmo propio desde el cual avanzar con más fuerza. Y quizá esa sea la clave de su éxito: transformar la pausa en movimiento y lo cotidiano en algo extraordinario.

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada Bum Motion Club y la invitación a vivir a “Paso Lento” se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

La Lá ha sido reconocida por su sinceridad y profundidad al componer. Desde sus primeros discos —Rosa (2014) y Zamba Puta (2017)— ha abordado temas que van desde el desamor y la desigualdad de género hasta las relaciones de poder y las vulnerabilidades sociales. Con cada nuevo proyecto, su obra se expande y se vuelve aún más comprometida, como sucede en También te vi, donde el ritmo del festejo se convierte en un vehículo de denuncia, mientras la letra reflexiona sobre la objetualización de las personas y los territorios saqueados por intereses económicos.

Su participación en COLORS no solo representa un logro artístico, sino también un acto de visibilización cultural y política. La plataforma, conocida por su estética minimalista y su enfoque en artistas emergentes y sonidos originales, ha sido escenario de talentos internacionales como Billie Eilish, Kali Uchis y Doja Cat. Para La Lá, aparecer en este espacio significa mostrar no solo su música, sino también su identidad: “Me concibo ante el lente de COLORS no solo como La Lá, sino como una mujer peruana cantando un estilo musical tradicional de mi país. En estos tiempos de etnocidio y despojo, la identidad es una defensa frente a los intereses económicos que amenazan territorios, recursos y vidas”.

A lo largo de su trayectoria, La Lá ha fusionado música tradicional peruana con géneros del mundo, como jazz, bossa, guaracha y bolero, creando un estilo único que refleja la complejidad de nuestra realidad. Su cuarto disco, Debut (2023), incorporó nuevos géneros y colaboraciones, mientras que su quinto álbum promete continuar explorando la relación entre música, memoria y resistencia.

Además de su carrera discográfica, La Lá ha llevado su música a escenarios internacionales en Perú, México, España, Argentina, Chile, Colombia y Estados Unidos, compartiendo escenario con artistas como Alanis Morissette, Mon Laferte, Julieta Venegas y Susana Baca. Cada presentación se ha convertido en una oportunidad para conectar con el público desde la autenticidad y la reflexión, transformando su música en un espacio de conciencia y comunidad.

Con También te vi, La Lá reafirma su compromiso artístico: crear música que conmueva, que cuestione y que recuerde que, incluso frente a la violencia y el saqueo, la resistencia cultural y la identidad son un acto de supervivencia y de amor hacia la vida.

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada La Lá, la primera artista peruana en presentarse en COLORS se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

El título evoca una acción casi infantil: lanzar una moneda al suelo, trazar una línea a mano, caminar y contar. Pero aquí el juego se convierte en un gesto poético y político: cada cuerpo mide distinto, cada paso deforma la distancia, cada trayecto abre un campo propio.

Durante dos años, catorce artistas compartieron espacios, dudas, conversaciones y fricciones en SOMA. Ahora, sus procesos convergen en una muestra que se despliega en esculturas, instalaciones e intervenciones a lo largo de los pasillos y rincones de Laguna. No se trata de un relato lineal, sino de un recorrido subjetivo, cambiante, donde lo que se ve nunca está separado de lo que se siente.

Más que homogenizar, la exposición apuesta por la disonancia y la desviación como formas de conocimiento. Cada obra, desde su propio lenguaje, interroga los conflictos del presente y se ofrece como un punto de encuentro entre ficción y realidad, entre desplazamiento y escucha.

La elección de Laguna como sede no es casual. Este espacio cultural en la Colonia Doctores abre por primera vez sus puertas a SOMA, ampliando las posibilidades del juego expositivo y potenciando la heterogeneidad de las propuestas.

La entrada es gratuita y comenzará el sábado 27 de septiembre a las 17:00 horas en Dr. Lucio 181, Colonia Doctores (Laguna)

El programa público de Contar los pasos para medir una distancia se desplegará a lo largo de octubre con actividades que amplían la muestra hacia terrenos lúdicos, críticos y colectivos. El sábado 4 de octubre, Carolina Berrocal abrirá el ciclo con Stop, declaro la guerra en contra de mi peor enemigo que soy yo, un taller que indaga en los miedos y contradicciones del trabajo creativo. Una semana después, el 11 de octubre, Nicolás Pradilla y Vivian Abenshushan presentarán Compro, vendo y cambio por igual, publicación experimental que cuestiona la autoría y la circulación de ideas.

El 15 de octubre, en un Miércoles de SOMA extendido, Sofía Olascoaga propondrá Naranja dulce limón partido, donde las y los participantes cocinarán una exposición alterna a partir de doce ingredientes. Finalmente, el 24 de octubre, Piolinda Marcela cerrará el ciclo con Contar los papelitos para medir una panza, un festivo baby shower que dará un cierre simbólico a esta etapa compartida.

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada Contar los pasos: SOMA llega a Laguna se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

El fin de semana continúa con Hablar de música es la nueva música, un conversatorio y concierto organizado por Campo Abierto, que rescata obras clave del arte sonoro experimental en México.

El cine también dice presente: el Festival de Cine Alemán despide su 24ª edición con una retrospectiva dedicada a Rainer Werner Fassbinder, cerrando con la proyección de Kamikaze ’89 y un picnic temático ochentero en los jardines de Casa del Lago.

La música internacional se hace escuchar con Sawtooth, dúo canadiense-finlandés que mezcla folk, clásico y experimental.

La literatura encuentra su lugar con el conversatorio Contar el bosque, a cargo de la Revista de la Universidad de México, que explora la relación entre lenguaje, ecología y memoria a través de la voz de escritores como Gabriela Damián y Andrés Cota.

En artes visuales, el poeta chileno Raúl Zurita trae a la CDMX el registro monumental de su proyecto Verás, un poema escrito con luz sobre los acantilados del norte de Chile.

El mes culmina con el festival Poesía en Voz Alta 2025, tres días dedicados a la voz como contacto táctil y ritual, con actos sonoros, performáticos y poéticos de artistas de México, Latinoamérica y Europa.

Y como adelanto, noviembre recibirá a Las brujas de Salem, montaje de la generación 2022 del CUT, y el concierto de Yttling Jazz (Björn Yttling, de Peter, Björn & John).

Casa del Lago UNAM se convierte este octubre en un territorio donde música, poesía, cine y artes visuales dialogan entre sí, expandiendo los límites de la experiencia cultural.

Marina Vélez

Periodista y editora cultural especializada en música y arte contemporáneo.

La entrada Octubre en Casa del Lago: Warhol, Fassbinder, poesía y música experimental se publicó primero en ERRR MAGAZINE.