La exposición reúne esculturas, fotografías, objetos, experimentos textiles y un video-performance en vivo que funciona como una extensión de la investigación. En él, una voz lee una serie de registros clínicos ficticios mientras la frontera entre observador y paciente comienza a desdibujarse. Me interesaba construir una situación donde el contagio no fuera biológico, sino perceptual.

Gran parte de las piezas nacieron de procesos de experimentación textil. Me interesa la costura porque comparte algo con la cirugía, con la reparación y con la construcción de tejido. Muchas de las obras parten de injertos, suturas, tensiones y transformaciones materiales que terminan pareciendo organismos, restos arqueológicos o fragmentos de una anatomía imposible.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Aprendí que no todo proceso de transformación produce una forma más estable.

Durante mucho tiempo pensé la creación como una búsqueda de resolución, pero este proyecto me hizo interesarme más por los estados intermedios: aquello que todavía está cambiando, aquello que no termina de definirse.

También desaprendí la necesidad de encontrar significados claros para cada decisión. Hay materiales que entienden algo antes que una misma.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Membrana, umbral, injerto, contagio, cicatriz, observación, crecimiento, mutación, archivo y transformación.

Pensaba mucho en los momentos en que una estructura todavía no sabe lo que será. En sistemas nerviosos que se forman, en tejidos que se pliegan sobre sí mismos y en cuerpos que están cambiando todo el tiempo.

Más que una emoción específica, me rondaba una sensación de incertidumbre. La idea de que cualquier forma, incluso nuestro propio cuerpo, está mucho menos terminada de lo que creemos.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Gran parte de la investigación surgió a partir de un archivo clínico personal que he guardado durante años. Volví a revisar estudios, imágenes y diagramas anatómicos relacionados con una condición congénita vinculada al desarrollo de la columna vertebral y la médula espinal. Ese material me llevó a interesarme cada vez más por los procesos de formación del cuerpo, el desarrollo embrionario y las estructuras que sostienen un organismo.

No me interesaba tanto la dimensión médica del archivo como las preguntas que aparecían al revisarlo. Cómo se forma un cuerpo. Cómo se desarrolla una estructura. Qué ocurre cuando ese proceso toma un camino inesperado. Muchas de las formas presentes en Clínica Membrana nacieron de esa observación.

También estuvieron presentes lecturas sobre anatomía, embriología y morfogénesis, dándome espacio a una interpretación un poco más filosófica y estética. Especialmente On Growth and Form de On Growth and Form y The Body in Pain de The Body in Pain.

En el taller escuché mucho a Tim Hecker, Arvo Pärt, Coil y Brian Eno.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Aceptar que la investigación no siempre produce resultados visibles.

Vivimos rodeados de una presión constante por mostrar, publicar y terminar cosas. Lo más difícil ha sido defender los momentos donde todavía no existe una obra, donde sólo hay observación, dudas o asociaciones aparentemente inconexas.

Muchas veces el trabajo más importante ocurre antes de que exista algo que fotografiar.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Me interesa colaborar con laboratorios de biomateriales, talleres textiles experimentales, talleres de mármol y espacios donde la investigación científica y la producción artística puedan contaminarse mutuamente.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Berlinde De Bruyckere, porque consigue que la materia parezca contener memoria.

Patricia Piccinini, por la manera en que utiliza la ficción para expandir nuestra idea de lo que puede considerarse un cuerpo.

Kiki Smith, porque trabaja desde la vulnerabilidad sin renunciar a la precisión.

Anicka Yi, por la forma en que mezcla biología, percepción y especulación para imaginar nuevas maneras de entender lo vivo.

Me inspiran especialmente los artistas que permanecen durante años dentro de una misma pregunta y permiten que esa pregunta transforme su lenguaje.

Serena Creciente

Soy Samantha Lomelín. Trabajo entre la escultura, la fotografía y la investigación material. Bajo el nombre de Serena Creciente (mi estudio creativo) desarrollo proyectos que exploran el cuerpo como un territorio simbólico, ritual y en constante transformación, a través de la experimentación textil, escultórica y fotográfica.

www.instagram.com/serenacreciente

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