En Birdman, quinta película del director mexicano Alejandro González Iñárritu, hay una secuencia en la que Michael Keaton, quien interpreta a un actor que tras protagonizar la saga de un superhéroe ve cómo su carrera se desmorona (cualquier parecido con la realidad no es mera coincidencia), decide ir a comprar una botella de licor un día antes del estreno de la obra que puede revivir su carrera dramática. La depresiva caminata que conduce al personaje por las calles de Nueva York, ciudad que en manos de Iñárritu adopta el papel de descomunal set teatral, desemboca en una licorería repleta de luces, mientras una voz, que aparentemente habita dentro de la mente de Keaton, recita el célebre soliloquio de Shakespeare sobre ‘el ruido y la furia’. El ambiente profundamente onírico de la tienda sirve para que la cámara de Emmanuel Lubezki, fotógrafo superestrella del momento que debería con toda justicia conseguir su segundo Oscar al hilo con esta maravilla, se recree entre las luces de colores y la cara demacrada de Keaton que sale, bolsa de estraza en mano y con la novena sinfonía de Mahler como acompañamiento, a una calle en donde la cámara descubre que los diálogos de Macbeth son recitados por un vagabundo al borde del colapso. La abrumadora complejidad conceptual, narrativa y técnica de esos minutos, resume a la perfección lo que González Iñárritu pretende hacer a lo largo de las dos horas de duración de Birdman: en primer lugar tenemos la brillante técnica visual de Lubezki, quien para este proyecto consigue generar la ilusión de que el 90% del filme está compuesto por una gigantesca toma sin cortes de poco más de hora y media de duración, proeza detrás de la que se esconden algunos cortes disfrazados, pero que, aún así, involucra una grandiosa complejidad de coordinación histriónica y fílmica, la falsa toma sin cortes está compuesta a su vez por varias tomas secundarias con duraciones de más de 10 minutos cada una, lo que eleva la complejidad técnica de filmación y de la posterior corrección de color, todo esto sin contar la dificultad asociada a generar con dicha técnica la alucinante cantidad de momentos hermosos que la lente de Lubezki consigue captar. En segundo lugar, tenemos al cúmulo de actores que rodea esta obra magna: Emma Stone como la hija de Keaton, Zach Galifianakis como el productor de la obra, Naomi Watts como una de las actrices protagónicas, y por encima de todos Edward Norton como el actor joven y altanero, además de Michael Keaton, en el mejor papel de su vida, como ese despojo de actor que cree que vale más de lo que es, y que pelea con garras, dientes y sangre para conquistar la trascendencia que cree merecer. En tercer lugar, está la gloriosa banda sonora, que salvo por algunos instantes en los que Iñárritu recurre a Mahler o Tchaikovsky para apuntalar momentos de gran dramatismo, está compuesta por las brillantes improvisaciones jazzísticas de Antonio Sanchez, las cuales llegan incluso a coexistir de forma visual con la trama, contribuyendo a ese aspecto a veces onírico y a veces esquizofrénico que Iñárritu construye, con todo y homenaje a Fellini incluído (véase la secuencia del vuelo de Keaton por el túnel), con maestría desmedida. Finalmente, en cuarto lugar de mención, pero no en último de importancia, está la historia que Iñárritu escribe junto a Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo, la cual aborda con lucidez una abrumadora cantidad de conflictos que por sí mismos requerirían filmes independientes, pero que a lo largo de dos horas se concatenan a la perfección en una bestia que en manos de cualquier otro director habría resultado incontrolable, mientras que en poder de Iñárritu se convierten en un relato que disecciona el miedo a la intrascendencia y al amor, así como la intensa pasión del artista que lo sacrifica todo por una necesidad instintiva que surge de una fuerza interior que ni él mismo acaba de comprender, pero que lo obliga a sumergirse en un proceso creativo irrestricto, así como en la autodestrucción que dicho proceso conlleva.

‘Estoy en quiebra. Lo he arriesgado todo por esta obra’, le dice Keaton a una crítica que amenaza con destruir su obra el día del estreno, ‘…tú nunca has arriesgado nada en la vida… no has creado nada… eres únicamente una adjetivadora… una catalogadora…’. Irónicamente, la crítica que había sido mordaz con los últimos trabajos de Iñárritu no tiene más remedio que rendirse ahora ante él. Bien jugado, Alejandro, ante esta virtuosa pieza de cine ya sólo nos queda aplaudir y guardar silencio.

[NOTA: este texto está estructurado, tramposamente por supuesto, en dos tomas principales, del mismo modo que el filme del que habla]

Película: Birdman
Director: Alejandro González Iñárritu
Año: 2014

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Después de ver Black Swan, me queda claro que el diálogo de Aronofsky con su público seguirá siendo igual o más conflictivo que antes, ya que con esta cinta vuelve a apartarse del sobrio camino que había tomado con The wrestler, con el que había tranquilizado un poco a sus detractores, y elabora un relato que se atreve a jugar con la percepción de la realidad en una forma tan radical como la que presentó en The fountain, su cinta más repudiada hasta el momento y una de mis favoritas.

Aunque lo intentara con ahínco, a lo largo de este artículo no podría transmitirles ni un tercio de la explosión guionística y estética que Black Swan presenta en apenas hora y media de metraje. Pensada originalmente como parte de un proyecto sobre el romance de un luchador y una bailarina, que posteriormente se dividiría en dos películas debido a la complejidad de ambos temas, Black Swan es un demencial viaje por la mente de una bailarina, interpretada por la extraordinaria Natalie Portman, que es sometida a una brutal presión al ser escogida para interpretar el papel principal de El lago de los cisnes de Tchaikovsky.

El viaje interior que debe realizar la protagonista para encontrarse con su lado oscuro y poder interpretar tanto la inocencia del cisne blanco como la salvaje pasión del cisne negro, se ve afectado por la estricta vigilancia de su madre y su intensa represión sexual, así como por el desaforadamente competitivo mundo de la danza.

La brillante actuación principal de Portman se complementa de forma extraordinaria con Vincent Cassel, quien interpreta al visceral y apasionado director de la obra y Mila Kunnis, que sorpresivamente hace un muy buen trabajo como la bailarina que destruye el delicado balance de la protagonista.

Con una narrativa que emocionalmente va siempre in crescendo hasta alcanzar niveles insospechados, el quinto filme de Aronofsky nos deja ver la enorme libertad creativa de la que goza este artista, que ya se encuentra más allá del bien y del mal y que, sin preocuparse en lo más mínimo por su audiencia, presenta un filme sin restricciones en el que se adivina la enorme pasión que siente este hombre por el séptimo arte.

Esta intensa y a veces grotesca reflexión sobre el narcicismo obsesivo del medio artístico, está filmada con una evidente maestría, que puede admirarse sobre todo en las secuencias de baile captadas con cámara en mano y en algunos momentos en los que difícilmente se puede creer el nivel de belleza estética que se observa en pantalla. Esto es resultado evidente del trabajo conjunto entre Aronofsky y el genial Matthew Libatique, director de fotografía de Pi, Requiem for a dream y The fountain, que por alguna razón no participó en The wrestler pero que afortunadamente se ha reincorporado al ejército de Darren.

Una vez más la banda sonora corre a cargo de Clint Mansell y aunque ésta no tiene el mismo protagonismo que en otras cintas de Aronofsky, el trabajo de adaptación que hizo el brillante músico de la obra de Tchaikovsky es simplemente espectacular.

No puedo contarles más de lo que ya he dicho acerca de este logro de la cinematografía contemporánea, pero lo que si puedo decirles es que si tienen que ver sólo una película que se haya filmado en el 2010, esa debe ser Black Swan.

Película: Black Swan
Director: Darren Aronofksy
Año:2010

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Es Alice Munro la culpable de la reaparición de ese Almodóvar amoroso y delicado, que tras experimentar con el thriller y la comedia decidió dar vida a un guión que –según los créditos del filme– está basado en tres cuentos de la escritora canadiense ganadora del Nobel: Chance, Soon y Silence.

El amor/odio filial entre madre e hija es el tema central de Julieta, cinta cuyo título se toma directamente del nombre de la protagonista del filme: una mujer que en sus años de madurez decide recapitular la historia de su juventud, en un intento desesperado por contactar a su única hija, que la ha abandonado y cuyo paradero desconoce.

Es a través del viejo truco del flashback que el público entra en contacto con la historia de Julieta: una joven impetuosa, maestra sustituta de literatura y exponente arquetípico del español rebelde de la época de “la movida madrileña”, que conoce en un ferrocarril –sin lugar a dudas el momento estético y narrativo más inspirado del filme– a Xoan, un marinero con el que tiene un amorío y que la embaraza en ese primer encuentro fortuito.

Almodóvar recorre con paciencia y delicadeza inusitadas las viñetas que dan forma a la vida de la protagonista y a la relación con su hija. Todo el cuidado estético que el director español suele imprimir en sus filmes está ahí, con su omnipresente amor por el color rojo, y con ese estilo de composición visual que, aunque emana de la lente del fotógrafo Jean-Claude Larrieu –colaborador de cabecera de Isabel Coixet– conserva los manierismos característicos de la filmografía del cineasta manchego.

Por desgracia, el estilo depurado de este Almodóvar en plenitud se topa de frente con la intrascendencia del argumento del filme, que aunque hilado de forma impecable, presenta un desarrollo narrativo poco atractivo, con personajes que en ningún momento resultan magnéticos o interesantes, y con los que es prácticamente imposible empatizar de forma alguna. Que quede claro: no se trata de una necesidad de agregar giros inesperados o protagonistas sobresalientes, de hecho los cuentos de Munro son precisamente liderados por gente ordinaria, con problemas emocionales y familiares también ordinarios, sin embargo, la escritora canadiense siempre consigue dotar a sus personajes, y a las situaciones en las que éstos se desenvuelven, de un superlativo atractivo emocional que en Julieta nunca termina de presentarse, con excepción tal vez de la secuencia final que cierra el filme con gran belleza.

Julieta es un filme visualmente atractivo que se desenvuelve como uno de esos poemas bellamente escritos que se olvidan a los dos minutos de haberlos leído. Técnicamente Almodóvar está en el pináculo de su carrera, ahora sólo le falta recuperar la inspiración y el oficio narrativo del que sabemos es capaz.

Director: Pedro Almodóvar
Año: 2016

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