¿Cómo nació Ébora & Amaïa y qué lo hizo diferente desde el principio?
Como muchos proyectos, Ébora & Amaïa nace de un sueño. Nace de Mariana y Nicté compartiendo ese sueño, del amor por la cultura de tomar café, del romanticismo de hacer especial la rutina y de sentir un apapacho en el día a día, de reconectar con el hecho de estar presentes.

A partir de esta idea, de este sueño, fuimos creando a Ébora y Amaïa. Nos gusta pensar que son nuestros alter egos: Ébora representa la disciplina, lo meticuloso, la búsqueda constante de hacer las cosas bien y la idea de que hasta los detalles más pequeños merecen nuestra atención.

Luego viene Amaïa, que representa la contraparte: lo espontáneo, lo sensible, lo cálido, lo amable, lo imperfecto y lo bonito que es simplemente disfrutar.

Ambas son una expresión de nuestra pasión y del amor por lo que hacemos, cada una en su elemento. Si lo piensas, todos somos un poco de Ébora y un poco de Amaïa.

¿Cómo no ponernos románticas al hablar de nuestra cafetería, si hay tanto amor en la idea, en el proyecto y en la ejecución? Creo que eso es lo que quisimos hacer diferente: que detrás de cada café, de cada detalle y de cada interacción hubiera un poquito de ambas.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Diría que la parte del día que más disfrutamos es cuando llegan nuestros clientes y ya son rostros familiares. Comienza la interacción, la atención a los detalles: saber cuál es su bebida favorita, qué tipo de leche prefieren, qué tan caliente les gusta o cuánto hielo quieren.

Y luego viene el compartir: un «¿cómo va tu día?», un «¿cómo estás?» y terminar con un «ten un bonito día», pero de esos que se dicen de corazón y son genuinos, todos los días.

Ébora & Amaïa no se trata solo de servir una buena taza de café. Se trata de crear un vínculo y transmitir, a través de los detalles y de la correcta ejecución, lo importante que es para nosotras que disfruten ese momento del día y el espacio que creamos.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Definitivamente, nuestro muro de postales. Tenemos varios artistas que nos han prestado un poquito de ellos, de su expresión, de su estilo y de su pasión por celebrar esos momentos de la vida que hacen que este muro sea tan especial.

Nos gusta pensar que es una forma de acompañar la vida: no solo los cumpleaños, sino también un nuevo hogar, un nuevo trabajo, casarse, el Día de las Madres, un recuerdo de nuestra bella ciudad, los buenos momentos, los mejores amigos, el paso del tiempo…

Todos son momentos dignos de acompañar y, ¿por qué no hacerlo con una tarjeta y un mensaje escrito a mano, soltando la era digital?

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Ha sido muy complicado crear algo que busca conectar con el estar presentes, armar rituales, cuidar los detalles, escribir cartas y usar lápiz y papel, e irónicamente tener que mostrarlo en una pantalla, en las redes sociales, para que más personas nos conozcan.

En la era en la que vivimos, es parte del show. Pero hemos intentado conectar desde un lugar que nos hace sentir cómodas, para que el mensaje llegue como queremos y encontremos a nuestra tribu.

Además, el tema del espacio es un reto constante con el que hemos aprendido a lidiar. Nos las arreglamos para hacer funcionar todo en 30 m².

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
En un viaje a Oaxaca, mucho antes de que existiera nuestro proyecto, visitamos Bodæga. Nos encantó todo, pero a mí (Nicté) me llamó mucho la atención una hoja al lado del mostrador que decía OMOTENASHI en letras rojas y tenía un texto que, desde el lado del cliente, no se alcanzaba a leer muy bien. Evidentemente, no era para que nosotros lo leyéramos. Después de investigar de qué se trataba, nos dimos cuenta de que esa filosofía japonesa de la hospitalidad era justo lo que queríamos que fuera la médula del proyecto.

«La belleza de servir a los demás». Ofrecer un servicio desde el corazón, desinteresado, buscando que el cliente tenga una experiencia cálida y sienta que lo estábamos esperando, todas las veces.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos gusta usar nuestros tiempos libres, los pocos que tenemos, para visitar otros proyectos, no solamente cafeterías, sino también marcas que conocemos desde antes o que acabamos de descubrir.

Genuinamente, sentimos admiración por todos ellos. Sabemos que emprender empezó para cada quien desde lugares distintos, pero al final todos decidieron llenarse de valentía y apostarlo todo a algo que ni siquiera sabían si iba a funcionar.

Tener la oportunidad de platicar con ellos y escuchar los problemas que también viven y cómo los resuelven nos ayuda a ampliar nuestra visión y a no sentirnos tan solas en esta montaña rusa.

Creo que todos lo estamos haciendo bien, y poder darnos un espacio para compartir y ayudarnos nos resulta muy satisfactorio.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Probablemente invitaríamos a Morgan Eckrot, y sin duda la dejaríamos tomar la barra. La seguimos desde hace un tiempo y nos encanta la pasión y la simplicidad con la que habla.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
En nuestro almacén tenemos el pizarrón de producción, en el que ponemos el «mantra de la semana». Elegimos una frase que nos inspira en distintos aspectos: a dar un mejor servicio, a tener una actitud positiva o, de vez en cuando, a darnos un apapacho y recordarnos que el trabajo que hacemos es importante. Nos turnamos para escribirla y lo convertimos en nuestro propio ritual.

Si Ébora & Amaïa fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Creo que escojo la analogía del disco y me inclino por The Art of Loving, de Olivia Dean. Ella habla del amor en todas sus formas, no como un sentimiento, sino como algo que se aprende, se practica y se cultiva por medio del cuidado y la atención.

Creo que eso conecta mucho con nosotras. Amar no es solo sentir algo, también es la manera en que hacemos las cosas.

Su música es alegre y coqueta, y me gusta pensar que nuestro espacio también se siente así.

Mariana Montejano & Nicté Castro
Cofundadoras de Ébora & Amaïa
Donde los gestos se vuelven rituales
Guadalajara, México
instagram.com/eborayamaia

La entrada Ébora & Amaïa se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Un proyecto que estoy llevando a cabo y que me emociona mucho es la producción de un microdocumental para la diseñadora de indumentaria Steph Orozco, donde puedo explorar el arte y la creatividad al lado de grandes amigos y proyectos como Katedrall, Antimateria Films, Briz Martínez, Mike Bautista, Luis Hernández, Alfredo Eliasib y Juan Marcos.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Aprendí el poder de la colaboración y que crear con pasión puede hacer que conectes con personas muy valiosas.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Despertar, descubrir, realidad, agradecimiento y valor.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
El libro El elogio de la sombra ha cambiado mi forma de crear. Durante el rodaje conocí nuevos artistas musicales, como MONO. Los documentales de arquitectura que he visto, principalmente A vida é um sopro, sobre Oscar Niemeyer, fueron el inicio de estos nuevos proyectos.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Me he encontrado con la dificultad de crear sin pensar en cómo hacer rentable mi trabajo. A veces me es difícil crear libremente, por gusto o simplemente para expresarme.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Local Coffee & Records ha sido, desde hace un par de años, un punto de encuentro con más creativos. Me gusta estar ahí, conocer nuevas personas y aprender de ellas mientras tomo una de mis bebidas favoritas.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Recomiendo ampliamente el trabajo de revelado de Pantera Film Lab. Recientemente colaboré con Antimateria Films en la dirección del microdocumental y me gustaría colaborar en una pieza documental con el estudio de Tatiana Bilbao, Michel Rojkind o Alberto Kalach.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Conocí recientemente a Pablo Bisoglio y de su trabajo me gusta la filosofía del tiempo y el sonido para crear. De Steph Orozco admiro su fuerza para crear, defender y transmitir su arte.

Suelo ser una persona que quiere aprender a expresar, con diferentes lenguajes y materiales, lo que hay en mi mente. Soy arquitecto, pero me encanta la fotografía y me gusta producir diferentes proyectos con otras disciplinas creativas. Agradezco especialmente a Briz, quien me enseñó el mundo de la fotografía y me abrió las puertas para coincidir con tantas personas que me permiten conocer los procesos de su expresión artística.

Carlos Valladares
Café, arquitectura y dirección creativa.
instagram.com/_carlosvalladares

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¿Cómo nació Karaage y qué los llevó a crear el proyecto?
Karaage nació de la necesidad de tener un restaurante propio, con comida sencilla de preparar, rápida y única en la ciudad. El concepto de comida rápida japonesa surgió a partir de nuestra experiencia viviendo y trabajando en Japón, donde solíamos comer constantemente los platos que hoy servimos en el restaurante.

¿Cuál es ese momento en el restaurante que nunca se cansan de vivir?
El momento en que llega nuestro primer comensal y vemos su reacción al recibir y probar la comida.

¿Cuál es el platillo que mejor representa a Karaage?
El karaage, el pollo frito japonés.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
El estilo del comedor. Empezamos con una barra y bancos altos, muy al estilo de los izakayas japoneses. Estéticamente, era nuestro punto fuerte, pues la barra era el centro del lugar. Sin embargo, se volvió una limitante en términos de espacio y comodidad. Aquí los mexicanos solemos comer con todos los miembros de la familia, así que tuvimos que mudarnos y adaptar el espacio a esa necesidad.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Compartir la comida japonesa tal cual es, así como la influencia de nuestros padres en la calidez del servicio.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
El Grupo Edo Kobayashi, porque ha sabido transmitir la estética y la cultura gastronómica japonesa desde su lado más puro.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
A algún comerciante de pescado de Japón. Limpiaríamos y prepararíamos pesca fresca.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
No hay ninguno en especial, pero recolectamos varias de las ilustraciones que forman parte de la decoración en una pequeña casa de arte cerca del trabajo, donde exponían artistas locales.

Si este proyecto fuera una ciudad, ¿cuál sería y por qué?
Diríamos que Osaka, pues fue la ciudad donde vivimos más tiempo y donde probamos, por primera vez e incontables veces después, los platos que servimos en Karaage.

Louise Ortíz Pinto y Juan Carlos Arellano
Socios de Karaage
Barra Japo
Cholula, México
instagram.com/karaagecholula

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¿Qué han lanzado o activado recientemente que la gente debería conocer?
Nuestra nueva barra sobre Calzada del Valle, en San Pedro Garza García, es una reinterpretación moderna de lo que es Montecoyote. Busca reflejar todo el potencial de lo que podemos diseñar, manteniendo los elementos que caracterizan a Montecoyote.

¿Con quién han conectado recientemente que esté influyendo o dialogando con lo que hacen?
Este nuevo espacio se inspira en el estilo Mid-Century, un movimiento que surge del modernismo y de la Bauhaus. Tenemos una fascinación por la modernidad y la tecnología, pero al mismo tiempo vivimos en la nostalgia.

Este proyecto utiliza la madera como elemento protagonista. Buscamos conectar con lo artesanal y con el artesano, así como con la naturaleza mediante elementos naturales. Trabajamos con dimensiones a escala humana, geometría e iluminación suave. Combinamos líneas limpias y puras, materiales industriales y naturales, y un contraste sutil entre lo cálido y lo frío. Buscamos combinar lo viejo con lo nuevo, lo tradicional con lo futurista. Montecoyote es atemporal, al igual que el diseño de sus barras.

Compartan una anécdota de algo que haya ocurrido últimamente y que haya sido significativo para ustedes.
Elegimos esta ubicación para nuestra segunda barra por cómo se relaciona con la calle, la banqueta y la ciudad. Está pensada para que nuestros clientes lleguen caminando, en bicicleta o en scooter. Llegar a Montecoyote Calzada permite apreciar lo bello que es convivir con la ciudad, disfrutar de la sombra de los árboles de Calzada e interactuar con el entorno desde una perspectiva distinta a la de un vehículo.

Vivimos en una ciudad en la que se prioriza el automóvil sobre el peatón. A pesar de que Calzada del Valle es una de las calles más caminables del país, todavía presenta retos. Las calles en San Pedro Garza García aún no son un espacio público, sino solo un camino. No satanizamos el automóvil, pero se debe encontrar un mejor equilibrio.

Hay pocos espacios sobre Calzada que interactúen con el peatón y esperamos que, con esta barra, podamos poner nuestro pequeño grano de arena para darle más vida a la bella e icónica Calzada, y que se abran conversaciones sobre movilidad y diseño urbano.

¿Qué están preparando o desarrollando para los próximos meses?
Estamos construyendo una nueva barra dentro del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO). Entre exposiciones de arte contemporáneo y el vibrante centro histórico de la ciudad, esperamos ser un nuevo espacio para los amantes del café.

Estamos honrados de haber sido invitados a formar parte de este espacio, uno de los puntos culturales más emblemáticos de la ciudad. Esperamos no solo ser una pequeña parada para llevar, sino también formar parte de la zona, para que muchas personas puedan coincidir espontáneamente. Queremos ofrecer una pequeña experiencia cotidiana en la que se detenga el tiempo y se pueda disfrutar el momento.

¿Qué proyecto, marca o espacio nos recomiendan conocer y por qué?
Invitamos a visitar MARCO, uno de los museos más importantes del norte del país. Es sede de importantes exposiciones con obras de artistas de talla global y uno de los principales recintos culturales de la ciudad.

Hay que dejar atrás la frase «en Monterrey no hay nada que hacer». Monterrey tiene una historia enorme en el arte y la cultura, y entre más la apoyemos, más va a crecer.

Si tuvieran que describir el momento actual del proyecto con una imagen, frase o sensación, ¿cuál sería?
Como un mueble de Charles y Ray Eames: creamos a base de prueba y error. No dejamos de trabajar en nuestras barras, ya que nunca están listas. Siempre aprendemos algo nuevo y podemos mejorarlas. Utilizamos los aprendizajes de la última barra que diseñamos y los aplicamos para mejorar la siguiente. El mundo del café, de la hospitalidad y del servicio siempre está evolucionando, al igual que nosotros.

Ricardo Luna y César Estrada Gattas
Fundadores de Montecoyote
Café para compartir
Monterrey, México
instagram.com/montecoyote

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Últimamente he estado haciendo un poco de todo. He terminado un par de sesiones de embarazo, sigo compartiendo mi fotografía más personal y continúo colaborando con Sézane. También estoy haciendo fotografía de producto para distintas marcas.

Hace apenas quince días viajé a Asturias para fotografiar una casa rural en un entorno precioso. Pasamos unos días increíbles y pude hacer unas fotos que me encantan.

Gran parte de mis fotografías nacen de mi día a día. Me gusta fotografiar mis looks, preparar un pequeño bodegón con el desayuno, descubrir una cafetería bonita o detenerme ante una luz o un detalle que me llama la atención. Me encantan las manos, los pequeños gestos y esos detalles que a veces pasan desapercibidos.

También me gusta buscar una forma natural y diferente de fotografiar a las personas, incluso en momentos tan cotidianos como una foto familiar, huyendo de las poses y de las imágenes de siempre. Y, por supuesto, Cooper, mi perro, es ahora mismo mi modelo más habitual. Lo fotografío constantemente, tanto en casa como durante nuestros paseos.

No estoy desarrollando una serie fotográfica como tal, aunque es algo que llevo tiempo pensando y que me gustaría explorar. La playa, por ejemplo, me inspira muchísimo; podría pasar horas fotografiando el mar.

También me ronda una idea que me gustaría poner en práctica: acompañar a personas que visitan Madrid durante un par de horas, paseando con ellas y fotografiándolas de forma natural, sin las típicas fotos turísticas ni poses forzadas. Me gustaría que se llevaran un recuerdo bonito de la ciudad y de cómo vivieron ese momento.

Creo que todavía estoy descubriendo hacia dónde quiero llevar mi fotografía. Por ahora, disfruto fotografiando todo aquello que me inspira, sin obligarme a encontrar un único tema que lo englobe todo.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Estoy aprendiendo a confiar más en mi manera de mirar y a no intentar encajar en una idea concreta de lo que debería ser la fotografía. Durante mucho tiempo he dudado bastante de mí misma, de si lo que hago tiene suficiente valor o de si puedo llamarlo realmente mi trabajo.

También estoy aprendiendo a disfrutar del proceso y a entender que no todas las fotografías tienen que responder a un proyecto o tener una finalidad. A veces basta con que algo me llame la atención y quiera guardarlo.

Y, aunque todavía me cuesta, intento no ser tan exigente conmigo misma. Estoy entendiendo que encontrar tu propio camino lleva tiempo.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
La luz, el color, la calma y la naturalidad. Me atraen las escenas que no parecen preparadas, los pequeños detalles y esos momentos cotidianos que quizá pasan desapercibidos, pero que tienen algo especial.

Me gusta que las fotografías transmitan una sensación, que te hagan querer estar ahí o que te recuerden algo. No necesito que ocurra algo extraordinario; muchas veces me interesa precisamente encontrar algo bonito en lo más sencillo.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
La música está muy presente en mi vida. Oasis es uno de esos grupos a los que siempre vuelvo. Escucho música muy variada, desde los sonidos de los años sesenta y el britpop hasta el northern soul. Últimamente estoy escuchando bastante The Strokes y Fontaines D.C., y también estoy descubriendo bandas nuevas que suenan bastante bien. En español, si tengo que decir algunos favoritos, me quedo con Los Planetas y Leiva.

También me encanta el cine y las series británicas, tanto por las historias como por su estética. The Gentlemen y Rivalsson dos series que disfruto mucho visualmente. Me fijo muchísimo en los escenarios, las casas, los paisajes, la luz, los colores y la manera en que la fotografía consigue crear una atmósfera. Hay algo en esos espacios y en esa estética británica que me atrae especialmente.

Me gustan también películas como Notting Hill, Love Actually o The Holiday, por sus ambientes, sus localizaciones y esa sensación de entrar en un mundo familiar al que te gustaría pertenecer por un rato.

No diría que parto de una referencia concreta cuando hago una fotografía, pero sí creo que todo lo que veo, escucho y me emociona va construyendo mi manera de mirar. A veces una imagen, una escena o una determinada luz se te queda dentro y acaba influyendo en cómo observas las cosas después.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Confiar en mí misma y dejar de cuestionar tanto lo que hago. A veces me cuesta reconocer el valor de mis fotografías, sobre todo cuando pienso en todo lo que todavía me queda por aprender.

Soy bastante perfeccionista y puedo dedicar mucho tiempo a editar una imagen hasta que siento que transmite exactamente lo que quiero. Pero también estoy intentando no esperar a tenerlo todo claro para hacer cosas, probar ideas nuevas y descubrir qué funciona para mí.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Alma Nomad Fábrica, en Madrid. Me encanta el diseño del espacio, la luz, el mostrador de pastelería y todo lo que sucede allí. Desde el café y los croissants hasta la gente disfrutando de su desayuno, compartiendo mesa o simplemente pasando un rato. Me gusta ese ambiente en el que cada persona está a lo suyo, pero al mismo tiempo forma parte de una escena común.

Es uno de esos sitios en los que me apetece fotografiarlo todo: la tarta de limón en el mostrador, una taza de café, una mesa junto a la ventana o algún detalle que probablemente pasaría desapercibido para otros. Me gusta tanto disfrutar del lugar como observarlo, porque siento que siempre hay algo que merece la pena guardar en una fotografía.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
La titularía A ver qué sale.

Creo que estoy en un momento en el que tengo muchas ideas, algunas dudas y ganas de hacer cosas, aunque todavía no tenga demasiado claro hacia dónde me llevan. Estoy intentando dejar espacio para que las cosas sucedan sin tener que resolverlo todo antes.

La banda sonora sería, sin ninguna duda, Stop Crying Your Heart Out, de Oasis.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
He hecho trabajos de fotografía para hoteles, entre ellos uno importante en Madrid, además de sesiones de embarazo, bodas y colaboraciones con marcas. Me gustaría seguir explorando ese tipo de trabajos, pero también desarrollar proyectos más personales y hacer más fotografía documental y de personas.

También he colaborado con varias marcas, fotografiando a Cooper con productos para mascotas. Y, puestos a soñar, me encantaría hacer algún día una campaña para Zara Home con su colección para mascotas. Adoro la decoración, los espacios cuidados y todo lo bonito que crean, y Cooper me parece un modelo precioso. Sería una ilusión enorme unir todo eso a través de la fotografía.

Me atrae especialmente fotografiar bodas de una forma natural, prestando atención a lo que sucede alrededor y a los momentos que no están preparados. Me encantaría, por ejemplo, hacer un reportaje de boda para una publicación como Vogue.

Pero hay un proyecto que siento de una manera especial y que llevo años pensando: fotografiar la Navidad dentro de distintas casas.

Me gustaría recorrer realidades muy diferentes, porque siento que la Navidad no significa lo mismo para todo el mundo. Desde alguien que pasa esas fechas a solas y cena cualquier cosa, hasta una familia que se reúne después de un año para recibir a su hija, que vive al otro lado del mundo. Una pareja que celebra su primera Navidad en su nueva casa o alguien que se enfrenta a las primeras fiestas sin la persona con la que las compartió durante toda su vida.

Me gustaría entrar en esos hogares y fotografiar cómo vive cada uno esos días, sin dirigir demasiado, sin idealizarlo y sin intentar que todo parezca bonito. Capturar lo que sucede de verdad: los reencuentros, las ausencias, las pequeñas tradiciones, las casas llenas de gente o el silencio de una casa vacía.

Creo que sería una forma bonita de contar muchas historias diferentes a través de algo que todos conocemos, pero que cada persona vive de una manera distinta. Es una idea que me acompaña desde hace años y que me encantaría convertir algún día en un proyecto real.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Hay varias personas a las que sigo porque conecto con su forma de mirar y con la sensibilidad que transmiten sus fotografías: Maley, Nanda Moira Hagenaars, Pepe Lobez, Julia Nimke y Victoria Garcia Martinez.

Me gusta descubrir miradas diferentes y ver cómo cada persona construye su propio universo a través de la luz, los colores, los encuadres o los momentos que decide fotografiar. Creo que inspirarse en el trabajo de otros es importante, pero no significa copiarlo. Al final, cada persona mira de una manera distinta y, aunque dos fotógrafos estén en el mismo lugar, ante la misma escena, es muy difícil que hagan exactamente la misma fotografía.

Y creo que ahí está precisamente la gracia: en encontrar tu propia mirada y tu manera de contar las cosas.

Instagram es una de mis principales fuentes de inspiración. A veces descubro una fotografía que se me queda en la cabeza y me hace pensar en cómo podría mirar yo algo parecido desde mi propia perspectiva.

Carolina Carmona
Me gusta fotografiar aquello que me hace detenerme: la luz, los colores, los pequeños detalles y las escenas cotidianas. Estoy descubriendo mi propia manera de mirar a través de todo lo que me inspira.
instagram.com/caroline__sc

La entrada A ver qué sale se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació Fuga y qué lo hizo diferente desde el principio?
Fuga es la fusión de Café de Nadie y Revancha, producto de las conexiones que se han tejido, especialmente a partir de nuestra pasión compartida por la música. Lo que comenzó como un bar y tienda de vinilos se ha convertido en una comunidad viva que queremos fortalecer y expandir.

Es un espacio donde damos prioridad a la música y al audio para generar una atmósfera que invite a todos a entrar y pasarla bien, rodeados de un ambiente casual y sin pretensiones.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Ir construyendo el set desde cero. Ir creciendo poco a poco con los BPM y la selección musical. Poder pasar de un funk clásico a un modern funk y que la gente lo note y empiece a sentir más ganas de mover el pie.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
La estupenda selección de mezcales y las pizzetas.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los ha hecho replantearse algo sobre Fuga?
Parte del encanto del lugar es que la gente puede estar en constante movimiento, porque no hay mesas. Esto representa un reto para el servicio. Poco a poco, toda la familia Fuga hemos ido aprendiendo a navegar entre las multitudes.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nos guía nuestro amor por la música, la cultura del formato físico y el deseo de generar comunidad y cooperación, alejándonos de la inmediatez y la comodidad.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Más que un lugar, una persona o un proyecto, nos inspira la creatividad humana. Nos interesa alejarnos de los algoritmos y las distracciones del celular para socializar de forma real con personas desconocidas.

Si Fuga pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Tricky, para recrear la escena del soundsystem, que involucra la interdisciplina artística, el multiculturalismo y el activismo político. Estos son valores que guían nuestra propuesta como bar.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
En unos días recibiremos una parte importante del espíritu del bar: una rocola.

Conseguir una rocola para discos de 7 pulgadas no es fácil. Tampoco lo es encontrar a alguien que restaure una de ese tipo. Hacer una selección de discos de 7 pulgadas para un público tan diverso como el que recibimos también es complejo.

Pero ese es precisamente nuestro norte: ofrecer una selección musical curada que requiere cuidado, investigación, viajar y diggear, todas esas cosas que hemos dejado de hacer en la era de la inmediatez.

Si Fuga fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Siempre nos hemos imaginado a Fuga como una pequeña gruta con una incandescencia al fondo. Por eso podríamos comparar a Fuga con Maggot Brain, de Funkadelic.

Manuel Carrasco y Billy Castro
DJs residentes de Fuga
CDMX, México
instagram.com/fuga.cdmx

La entrada Fuga se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

How did Supplies Supplies come about, and what made it different from the start?
Supplies Supplies was actually born out of a lack. We are both active in different kinds of sports and were always wondering where to buy our gear. So it made perfect sense to start that spot ourselves.

At the same time, a lot was happening internationally. Small, independent labels were getting more and more attention, rightly so. Coming from very similar but also quite different backgrounds, it was exciting to bring all of that together in one concept. The combination of different sports and perspectives makes it pretty much unique.

What part of the day, the space, or the creative process do you enjoy the most?
That’s a tough one. Maybe the morning routine: getting in, playing some music and putting the coffee on. There’s something really nice about that time at Karmelitermarkt, which is a great neighbourhood, by the way.

But the store is very much about community, so whenever a small group of people gathers to have a coffee or a beer, play some table tennis or have a chat, it means a lot to the place and the idea behind it.

If someone is coming in for the first time, what should they not miss?
Actually touching and trying the stuff you used to only look at online. We also highly recommend getting in touch with us. We’re genuinely happy to help.

And an alcohol-free beer from Grieskirchner, straight from our tap.

What has been an interesting challenge that has made you rethink something about Supplies Supplies?
Seasonal planning and a lot of forward thinking, especially when working exclusively with independent brands. That’s great most of the time, but it also has its challenges.

Of course, the representation of cis men as “the sports person” and the still very male-skewed nature of most collections are things that really frustrate us. We’re aiming for an assortment that’s at least 50% women’s and 50% men’s, and we’re trying to extend that balance into other areas, such as events and community. That definitely makes you rethink a few things.

In general, though, never get too attached to things or ideas that are already out there or already have a decent following. Try new things, unexpected things, even bizarre things. And loud isn’t always effective.

What influence, idea, or reference continues to shape the way you work today?
Urban culture always has and still does. But I think what has shaped us the most from the beginning is a great deal of spontaneity.

We’re lucky to have a large and diverse network of people from all kinds of backgrounds around us. It’s a privilege to act and react within that network and find new ideas wherever you go.

If Supplies Supplies could invite someone to collaborate for a day, who would it be, and what would you do together?
Let’s just say: stay tuned.

To mention one unsuccessful attempt, we once reached out to Museum Gugging to ask if they’d be interested in creating some merch together, but they never wrote back. ;—( haha

Is there an object, corner, or detail of the space that has a story few people know?
We have this one cactus that people really seem to like. Johanna fell in love with it instantly when she found it online, and we drove an hour and a half to pick it up. It’s a really large plant, and the ride back was very prickly, but absolutely worth it.

If Supplies Supplies were a city, a book, or a record, which would they be, and why?
People often say the store reminds them of New York City. We’re not quite sure why, but we’ll gladly take it.

Check My Machine by Paul McCartney.

Johanna Mitulla and Johnny Huemer
Co-founders of Supplies Supplies
Vienna, Austria
instagram.com/supplies___supplies

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¿Cómo nació NKD y qué la hizo diferente desde el principio?
NKD nació en Argentina hace casi seis años a partir de una búsqueda muy personal: crear piezas que celebraran a una mujer libre, auténtica y totalmente dueña de su cuerpo. Comenzamos diseñando lencería y trajes de baño desde una convicción muy clara: la libertad de vestir para una misma, sin buscar la aprobación de los demás ni pedir permiso.

Lo que nos hizo diferentes desde el primer día fue cuestionar la idea de guardarse prendas o privarse de usar algo por el «qué dirán». Para nosotras, si una prenda te gusta y te hace sentir libre, no necesitas ninguna razón ni pretexto para usarla.

Con ese cuidado en cada detalle del ajuste, el calce y la producción artesanal, el proyecto fue evolucionando de forma natural. Nos entusiasmó la idea de no quedarnos solo en la playa, sino llevar esta misma filosofía de seguridad, soltura y amor propio a cápsulas de prendas y a un estilo de vida más completo. Hace aproximadamente un año trajimos el proyecto a México, donde terminó de consolidarse esta visión de resortwear y lifestyle libre, relajado y sofisticado.

¿Qué parte del proceso creativo disfrutan más como equipo?
Nos apasiona ver cómo el trabajo en equipo hace crecer la visión de la marca. Para mí, el punto de partida es la inspiración pura: buscar las telas, tocar las texturas y ver las primeras muestras tomar forma. A partir de ahí, me encanta reunirme con el equipo para darle vida al concepto completo.

Es increíble ver cómo esa prenda que empezó en un boceto se transforma cuando colaboramos: desde definir la dirección creativa, buscar las locaciones ideales y elegir a las modelos, hasta capturar el detrás de cámaras, cuidar la conexión cercana con nuestras clientas e influencers y mantener ordenada la estructura de la marca.

Al final, lo que más disfrutamos todos es ver cómo esa idea inicial se materializa gracias al trabajo en equipo y conecta de forma tan bonita con nuestra comunidad.

¿Cuál ha sido un desafío que las ha hecho replantearse algo de NKD?
Aprender a hacer evolucionar la marca sin perder su esencia original. Pasar de hacer lencería y trajes de baño a diseñar propuestas de vestuario más amplias, así como adaptarnos a un nuevo país, nos hizo replantearnos cómo mantener la cercanía, el cuidado por el detalle y la exclusividad de las piezas.

Nos enseñó a fluir con los cambios, mantener la flexibilidad creativa y entender que crecer significa afinar procesos sin perder el alma con la que nació NKD.

¿Qué ideas o referencias siguen guiando lo que hacen hoy?
Nos guía la idea de la libertad absoluta: vestir para una misma, sentirte cómoda en tu propia piel y elegir una prenda simplemente porque te hace feliz. Como influencia, nos inspira la elegancia relajada y el movimiento del cuerpo, creando piezas versátiles con esa sofisticación sin esfuerzo que te permite pasar de un día de playa o descanso a un plan en la ciudad.

Nuestra gran referencia sigue siendo la naturaleza, la luz del sol y la belleza de lo orgánico y atemporal.

¿Qué lugares, proyectos o personas las han inspirado últimamente y por qué?
Nos inspiran los espacios donde el diseño contemporáneo y la naturaleza conviven sin prisa: desde la tranquilidad de los rincones costeros de México hasta el dinamismo y la arquitectura de la ciudad.

Este contraste nos demuestra que el estilo de vida relajado no es exclusivo de la playa, sino una actitud que puedes llevar contigo a la cotidianidad urbana.

A la par, nos llena de energía ver a mujeres reales y creativas que habitan su día a día con soltura, autenticidad y sin prejuicios. Ellas son nuestra mayor inspiración porque le dan vida a nuestras prendas y demuestran que la elegancia y la comodidad pueden acompañarte tanto en un momento de descanso como en la rutina de la ciudad.

¿Con qué persona o proyecto les gustaría colaborar y qué harían juntos?
Nos encantaría colaborar con un estudio local de arquitectura contemporánea o de diseño de interiores que trabaje en la integración de la naturaleza y los espacios urbanos.

Más que un shooting tradicional, nos imaginamos un encuentro conceptual donde la moda, el espacio y la luz se fusionen: diseñar una instalación textil efímera o un espacio vivo, capturar la colección en formato análogo con un enfoque en el movimiento de las telas y terminar con una charla o cena íntima al atardecer, rodeados de personas que compartan esta misma visión creativa.

¿Hay algún detalle de NKD que pocas personas conozcan?
Cuidamos meticulosamente la experiencia del cliente al recibir su paquete: la presentación, los acentos visuales y el aroma característico de NKD.

Además, antes de cada lanzamiento, tenemos la costumbre de probar la usabilidad de las prendas en distintas situaciones para asegurarnos de que transmitan esa comodidad, libertad y versatilidad que prometemos.

Si NKD fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuáles serían y por qué?
Una ciudad: un punto de encuentro entre la calma de una playa caribeña y la frescura de un pueblo costero: luminoso, cálido, relajado y lleno de vida.

Un libro: un coffee table book de fotografía análoga, viajes, texturas y arquitectura integrada en la naturaleza.

Un disco: un álbum suave, envolvente y veraniego, con ritmos orgánicos que transmitan serenidad y buena vibra.

Nadia Fariñas
Fundadora y diseñadora de NKD
Bikinis & outfits
instagram.com/somosnaked

La entrada NKD se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació Masa Crítica y qué la hizo diferente desde el principio?
Masa Crítica pan y café existe porque deseaba trabajar en un lugar que respetara a la ciudad, que les ofreciera a las personas algo sabroso y amable, donde se pudiera llegar a pie o en bici y que estuviera lejos de los coches. Años antes de crear Masa Crítica, pertenecí a grupos que promueven ciudades más humanas y eso fue un parteaguas en mi vida. De repente, me encontré en mi casa haciendo pan todos los días y vendiéndolo en un local de 9m² al que, además, podía llegar en bici sin problema.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Cuando probamos las nuevas creaciones, tomamos un descanso en el que estamos la mayoría del equipo y logramos que un pan alcance para todos. Probarlo por primera vez está bien bonito.

También disfrutamos cuando hacemos el descanso afuera de la primera sucursal, porque estamos en la banqueta y podemos ver a nuestros clientes, saludarlos, platicar, reír y hasta crear teorías.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Algo dulce sería una conchita combinada y un flat white. Algo salado, una chapata de roast beef con chucrut y un cold brew tónico. Si vienes a desayunar, prueba un jugo Moncho y los chilaquiles mixtos.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que las haya hecho replantearse algo de Masa Crítica?
Uno bueno fue que nuestro primer nombre fue Panacleta y, después de un año, nos percatamos de que ese nombre ya tenía registro. Fue un dolor directo al corazón. Ya quería cerrar la panadería, me aferré al nombre, pero ahora agradezco mucho el reto.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Hay un término que inventó Jaime Lerner: “Acupuntura urbana: una acción rápida en un lugar adecuado puede cambiar la dinámica de toda la ciudad”. Yo le sumé a esta dinámica algo que me diera para vivir, que fuera rico y disfrutable, y que muchos mexicanos adoptáramos: el pan y el café. ¡Fácil! Pienso que el flujo de nuestros clientes genera una calle más segura, voces y camaradería en el espacio público, algo bien necesario en este mundo.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Siempre he admirado el trabajo de las personas que venden pan y tamales en triciclo. Una vez tuvimos uno con la idea de poder vender nuestro pan en el Centro de Querétaro de esa forma, pero está difícil hacerlo en calles de adoquín. Necesitas práctica, fuerza y maña. Finalmente, nos robaron el triciclo.

Si Masa Crítica pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Sin duda invitaría a Natalia Lafourcade. En 2022 hicimos un conciertito, “La Masita Musical”, e invitamos a Belafonte Sensacional, que se aventó unas rolas en la banqueta. Vinieron un buen de personas, no se cerró la calle y había espacio perfecto para todos. También vinieron infancias, se bailó, se cantó, se aplaudió, se bebió mucho cafecito y se vendieron panes y panes.

Me imagino así a Natalia: todos disfrutando del espacio público y haciendo la Masa.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
La elección del nombre “Masa Crítica” siempre me gusta explicarla, porque es algo que ya existe, no lo inventé yo. Se usa en física, sociología y ahora en movilidad, y va así: la masa crítica es el número mínimo de individuos necesario para iniciar un cambio de conducta o un fenómeno colectivo que luego crece por sí mismo.

Pensé: ya tiene la palabra masa, como las masas del pan, y el término representa justo lo que quiero lograr, que crezca por sí mismo, con la levadura correcta, como el pan.

Si Masa Crítica fuera una canción, ¿cuál sería y por qué?
Sería una canción: Hasta la raíz, de Natalia Lafourcade. Un día hasta establecimos que se iba a escuchar todos los días a la misma hora.

Le tenemos mucho amor a la Masa por lo que nos genera. Somos amigos, hacemos amigos, creamos pan, llevamos en las venas pan y muchas risas. Cuando no estamos en la Masa, la extrañamos y siempre hablamos de todo lo bonito que es pertenecer a ella. El chiste es hacer raíz y crecer en colectivo.

Dulce Mariana Ayala Bárcenas
Creadora de Masa Crítica
Pan y café
Querétaro, México
instagram.com/masacriticapanycafe

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¿Cómo nació RECIO y qué lo hizo diferente desde el principio?
RECIO nace de la idea de hacer comunidad y de tener un lugar donde compartir lo que a nosotros, como socios, nos gusta: comida, música, bebidas y, sobre todo, juntarnos con amigos o familia para pasarla bien. Un lugar donde la gente pueda venir, sentirse en casa y compartir tiempo con sus amigos en un espacio de diseño y relajado.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Yo creo que la parte esencial es el servicio y atender caras nuevas que, con el tiempo, se van volviendo clientes y amigos. Estar en el lugar y entender el espacio es fundamental para el proceso creativo, y se disfruta mucho porque es la parte donde vas aterrizando cada detalle hasta crear algo y presentarlo a todo el mundo.

Creemos que el diseño tiene un papel muy importante y disfrutamos mucho este proceso en el que imaginamos qué look le queríamos dar al lugar. Buscábamos crear un espacio cómodo para tomar un café y trabajar durante el día, y tomar unos drinks por la noche.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Hemos tenido cambios en nuestro menú, pero sin perder la idea inicial. Definitivamente recomendaría la tostada de atún y las pescadillas. De la barra, un Negroni o un Martini.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo de RECIO?
Ser los nuevos en el barrio y estar geográficamente en las afueras. También estar a la altura de la competencia, ya que en San Miguel han llegado muchos proyectos bastante interesantes. Esto ha sido un reto: poder compartir el proyecto con los vecinos. Lo más importante es que salgan felices y que se queden con ganas de regresar.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Yo creo que todo parte de la idea de compartir y, a través del lugar, conocer gente nueva y hacer comunidad, donde todos podamos disfrutar de nuestra propuesta y ofrecer productos de calidad a un buen precio.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Ahí sí depende de cada socio. Daniel, por ejemplo, viene de la parte de diseño y arquitectura. Yo, Jorge, me inspiro más en lugares con comida real. Uno de mis favoritos es El Parnita y las cantinas de los viejos tiempos.

Para mí, Daniel, creo que podemos comparar RECIO con cualquier bar de barrio en Barcelona o Nueva York, donde los vecinos bajen por una cerveza y un taco.

Si RECIO pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
El espacio se presta para varias cosas. Daniel seguramente invitaría a un arquitecto y a un diseñador de restaurantes. Yo invitaría a algún chef a presentar antojitos callejeros con un toque diferente.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Realmente, todo el lugar. Lo que nadie sabe es que era un estacionamiento del edificio y antes fue un espacio donde vendían langosta. Es un edificio de más de 60 años; con eso ya cuenta una historia.

Si RECIO fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Definitivamente sería algún disco de finales de los 80 o los 90, porque nos encantan los tragos clásicos y la música de esa época, y nuestras playlists están enfocadas en recordar esos momentos. Creo que sería una ciudad vintage en crecimiento.

Jorge González y Daniel Orozco
Cofundadores de RECIO
Bebidas, tacos, antojitos
CDMX, México
instagram.com/recioelrecio

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
De unos meses para acá he estado “trabajando” en la planeación de la evolución de mi proyecto fotográfico. Escribo trabajando entre comillas porque no he tenido la suficiente disciplina para echar las cosas a andar todavía. Todo sigue en la mente, en el mundo de las ideas, pero ese es mi objetivo primordial en este momento: consolidar y reconstruir mi arte y sus maneras.

Para recuperar ese momentum, que creo que tenía, pienso guiarme por tres directrices. La primera: desarrollar un mensaje o identidad más contundente; la segunda: retomar las sesiones conceptuales; y la tercera: organizar mis fotodiarios en series. Todo en pro de la evolución, de crecer y de mejorar.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
He estado reaprendiendo y practicando mucho la paciencia, prefiriendo la calidad ante la cantidad.

Y creo que me he sorprendido desaprendiendo la curiosidad. Tal vez la rutina me ha tenido algo consumido, pero estoy trabajando en ello.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Mis palabras clave en estos momentos serían: evolución, duda, valentía, autocrítica y sorpresas.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Algo que me ha acompañado en gran parte de este proceso es la música. Siempre me inspira de todas las maneras y, ya siendo más específicos, Leonard Cohen me ha ayudado mucho. Siento que siempre estaré reflejando algo de él en sea lo que sea que haga.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
El mudarme de país es algo que afectó de gran manera a mi proceso creativo, más para mal que para bien, pero elijo verlo como una oportunidad de expansión, de exploración. Supongo que de esa misma “crisis” nace o se refuerza el deseo de evolución del proyecto.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Por lo mismo del movimiento continuo, he revelado en varios lugares a los cuales no alcanzo a tomarles cariño, pero extraño y recuerdo con aprecio a Algobienlab. Un abrazo hasta allá.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Me gustaría recomendar a los siguientes artistas. Dejo mis razones al aire, simplemente aprecien sus talentos: Rojo, Giganto Roboto, Nat y Fer Franco.

Gilberto Rodriguez Picos
Mexicano, arquitecto, fotógrafo, adormilado.
instagram.com/ojosdesechables

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¿Cómo nació Velas Demetria y qué la hizo diferente desde el principio?
Velas Demetria nació de la amistad, de la idea de trabajar con alguien con quien muchos “proyectos” de la vida cotidiana habían funcionado, de la seguridad de que puedes rebotar ideas y llegar a algo mejor juntas que por separado.

En una vela cabe tanto… Es un objeto tan simple, pero con tanto simbolismo y diversidad, que rápidamente nos enganchamos con la posibilidad de explorarlo. Desde un principio nos fuimos por la opción de que el proyecto tuviera identidad local, que parte de su esencia fuera nuestra hermosa Ensenada, que en términos creativos también nos parece súper rica y efervescente. Tenemos el mar, los viñedos, la gastronomía, mucho arte y comunidad; nosotras, felices de participar en todo lo que se pueda por medio de este proyecto.

¿Qué parte del proceso de Velas Demetria disfrutan más?
La parte que más disfrutamos es siempre la planeación de la colección que viene. Qué aromas queremos para la temporada, el mood que sentimos en el aire en ese momento, qué historias queremos contar con los aromas, hacer pruebas, pensar en colores, texturas, nombres, con quién podemos colaborar… El hecho de que hay que estar cambiando constantemente con las temporadas nos mantiene muy divertidas.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que las haya hecho replantearse algo de Velas Demetria?
Un desafío grande que estamos enfrentando justo en este momento es el tema de proveeduría de frascos. Nos gusta siempre estar buscando propuestas estéticas, pero en este momento tenemos limitada la oferta. Eso nos pone frente a la encrucijada de replantear una de las esencias del proyecto: el cambio constante. Tal vez ahora toque encontrar un equilibrio entre cambio y continuidad. Si el frasco deja de ser el elemento que habla de ese cambio permanente, tendremos que encontrar otras formas de expresarlo. Y justo ahí es donde se pone interesante.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy en Velas Demetria?
Sobre influencias, diríamos que proyectos como Diptyque son nuestra inspiración. Un enfoque muy conceptual y artístico, de mucha colaboración y experimento. Diptyque hace constantes colaboraciones con artistas plásticos, pintores, ceramistas y mosaiquistas, buscando crear un diálogo entre arte y aroma, contar las historias desde los materiales, colores y emociones.

Usar una vela, digamos, como representación o pretexto, que pueda acoger la idea de un lugar, de una persona, de un ideal, de una protesta… Lo bonito de la vela es que es símbolo de existencia; encenderla representa dar vida a lo que tú quieras.

¿Qué lugar, proyecto o persona ha inspirado últimamente a Velas Demetria y por qué?
Proyectos como La Nopalera y La Perlita nos han inspirado desde un principio: mujeres creando espacios para compartir todo tipo de proyectos artísticos o piezas que hace cualquier aficionado a la cerámica en el taller. La intención de celebrar la creatividad propia o ajena en un ambiente de mucha comunidad nos conmueve. Somos muy afortunadas de sentirnos parte de eso con nuestra colaboración con La Nopalera.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar con Velas Demetria en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntas?
Con Natural Urbano, un frasco.
Con Andrés Monnier, haríamos candelabros.
Con Héctor Herrera, usaríamos los moldes de sus esculturas para hacer velas.
The possibilities are endless.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que defina la experiencia de Velas Demetria?
Encender la vela es EL RITUAL. La vela implica un ritual diferente para cada persona en cada momento… Desde lo mundano de la vela que prendes cuando terminas de limpiar la casa hasta lo profundo y místico de la vela que enciendes para recordar a un ser querido que se fue.

Si Velas Demetria fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Este proyecto ES ENSENADA, con sus muchos colores y aromas, con toda la creatividad de la gente que la disfruta, divertida y sin pretensiones.

Pamela Montaño y Fernanda Lozano
Todólogas de Velas Demetria
instagram.com/velasdemetria

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