¿Cómo nació este proyecto y qué lo hizo diferente desde el principio?
AKE STUDIO nació del gusto por crear y compartir. Comenzó mientras estudiaba la Licenciatura en Arte en el ITESO. En ese momento estaba explorando distintas disciplinas para encontrar una práctica con la que realmente conectara, y fue así como llegué a la cerámica.

Empecé aprendiendo en El Níspero y, después de un año de aprendizaje con el maestro Chuy, seguí practicando desde mi casa. Poco a poco mi cuarto se fue llenando de piezas, así que decidí inscribirme a mi primer bazar en una cafetería. Vendí algunas de ellas y eso me motivó a participar en otro bazar dentro de la universidad. Ese día vendí todas las piezas que llevaba y fue un momento que me dio mucha confianza para seguir creando y compartiendo mi trabajo.

Con el tiempo, muchas personas comenzaron a preguntarme si daba clases de cerámica. Al principio no me sentía lista para enseñar, porque creo que acompañar el proceso de alguien más implica una gran responsabilidad. Pero la insistencia fue tanta que decidí abrir un primer taller de un solo día para hacer macetas. Se llenó por completo y, además de disfrutar muchísimo la experiencia, descubrí que también me hacía muy feliz enseñar.

A partir de ahí comenzaron a llegar más talleres, conocí a muchas personas y entendí que una de las cosas que más disfruto es acompañarlas en su proceso creativo. Después llegó el momento de salir de mi cuarto y animarme a rentar un espacio propio. Como cada paso importante, estuvo lleno de miedo, pero siempre he pensado que prefiero intentarlo antes que quedarme con la duda de qué hubiera pasado.

Creo que lo que ha hecho diferente a AKE STUDIO desde el principio es que nunca lo he visto solamente como un taller de cerámica. Siempre ha sido mi lugar feliz, un espacio que he construido con mucho cariño y al que me gusta que las personas sientan que también pertenecen. Ya sea tomando un taller, visitando el estudio o llevándose una pieza, procuro que todo lo que sucede aquí nazca desde una intención genuina y positiva.

¿Qué parte del proceso, del espacio o de la práctica diaria disfrutan más quienes trabajan aquí?
Creo que lo que más disfrutamos es la comunidad que se ha formado alrededor del taller. Más que un lugar para hacer cerámica, se ha convertido en un punto de encuentro.

AKE STUDIO está dentro de una cafetería llamada Instante Santo, donde también conviven otros proyectos creativos: hay un taller de joyería, artistas, un espacio de tatuaje y un proyecto de upcycling. Lo más bonito es que todas somos mujeres y, sin planearlo, hemos construido una red de apoyo muy especial. Compartimos comidas, pláticas e ideas, y siempre estamos celebrando los logros de las demás.

Esa misma energía también se vive en los talleres. Aunque las personas llegan con la intención de aprender cerámica, muchas veces terminan haciendo nuevas amistades, compartiendo historias y encontrando un espacio donde pueden desconectarse un rato del ritmo cotidiano. Creo que esa convivencia es una de las cosas más valiosas que tiene AKE y, en lo personal, es una de mis partes favoritas del día a día.

Si alguien visitara el estudio por primera vez, ¿qué no debería perderse?
Sin duda, hacer una pieza de cerámica desde cero. Creo que trabajar con cerámica nos invita a reconectar con nuestro lado creativo y a recordar el poder que tiene crear algo con nuestras propias manos. Es un proceso en el que las piezas no siempre salen perfectas, pero justamente esas pequeñas irregularidades son las que les dan personalidad y las vuelven únicas.

También me gusta que la experiencia sea tranquila y sin prisas. Mientras trabajas en tu pieza, siempre hay una taza de café, un matcha o un cacao preparado con mucho cariño para acompañar el momento. Al final, más que venir a hacer cerámica, me gusta pensar que las personas vienen a regalarse un espacio para crear, platicar y disfrutar.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que te haya obligado a replantearte algo sobre tu trabajo o forma de hacer las cosas?
Creo que la cerámica constantemente pone a prueba tu manejo emocional. Es una práctica en la que, por más experiencia que tengas, siempre hay cosas que se salen de tu control: un esmalte que no reaccionó como esperabas, una pieza que se rompe durante el secado o incluso dentro del horno, o una quema que simplemente no salió como estaba planeada.

Al principio esas situaciones me frustraban mucho, sobre todo cuando había tiempos de entrega o expectativas muy altas. Pero con el tiempo entendí que la cerámica también enseña a soltar el control y a confiar en el proceso. Siempre hay algo que aprender de cada error y, como ceramista, terminas desarrollando la capacidad de adaptarte, buscar soluciones y tener un plan B, C o hasta D.

Creo que esa ha sido una de las lecciones más valiosas que me ha dado este oficio: entender que no todo tiene que salir perfecto para tener valor. A veces son justamente los procesos más difíciles los que más te enseñan y los que te hacen crecer, tanto como artista como persona.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que haces hoy?
Creo que una de las ideas que más sigue guiando todo lo que hacemos en AKE STUDIO es recordar que las cosas hechas con las manos también llevan un pedacito de quien las crea. Por eso siempre intento que cada pieza, cada taller y cada experiencia nazcan desde un lugar de calma, cariño e intención.

También creemos mucho en hacer las cosas lo mejor que podamos, pero sin perseguir una perfección imposible. Si durante el proceso nos frustramos, preferimos hacer una pausa, cambiar de actividad o simplemente descansar. La cerámica nos ha enseñado que trabajar desde el cansancio o la presión rara vez da buenos resultados.

Me gusta pensar que las piezas conservan un poco de la energía con la que fueron hechas. Por eso, además de enseñar una técnica, me interesa que el taller sea un espacio donde las personas puedan bajar el ritmo, disfrutar el proceso y reconectar con su creatividad.

¿Qué lugar, proyecto o persona te ha inspirado recientemente y por qué?
Últimamente me inspira mucho la cuenta de The Turmeric Times, porque me recuerda que es posible vivir la práctica de la cerámica de una manera muy orgánica y compartirla desde un lugar honesto. Me gusta cómo muestran el proceso, el día a día del taller y la belleza de las pequeñas cosas, sin sentir que todo tiene que ser perfecto.

También disfruto mucho el trabajo de Florian Gadsby. Además de la calidad de sus piezas, me gusta la forma en que comparte su conocimiento. Sus tutoriales y la manera en que explica cada paso son muy claros y generosos, y siempre termino aprendiendo algo nuevo.

En México, uno de los proyectos que más disfruto seguir es Cara de Planta. Me encanta que sus piezas transmitan mucha personalidad; juegan con el color, las formas y el humor de una manera muy fresca. Me recuerdan que la cerámica también puede ser divertida y sorprendernos.

Creo que, más allá de una estética en particular, me inspiran las personas que comparten su trabajo con autenticidad y hacen que el proceso creativo se sienta cercano. Es algo que también intento construir todos los días en AKE.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Creo que invitaría a mi versión de niña a pasar un día en el taller. Me encantaría sentarnos juntas a hacer una pieza de cerámica, preguntarle qué le gustaría crear, qué colores escogería y verla experimentar sin miedo.

Creo que el taller es el lugar que me hubiera gustado tener cuando era niña. Un espacio donde alguien me dijera que no importa si una pieza sale chuequita, si te equivocas o si quieres intentar algo diferente; que crear también es jugar, descubrir y confiar en tus propias ideas.

Me gustaría decirle que no tenga miedo de ensuciarse las manos, de experimentar todo lo que quiera y de seguir su curiosidad. Que no hay una única forma correcta de hacer las cosas y que, muchas veces, las piezas más bonitas nacen justo cuando dejamos de buscar la perfección.

Creo que, de alguna manera, eso también es AKE. Me gusta pensar que cada persona que entra al taller viene a reencontrarse un poquito con esa parte curiosa, libre y creativa que todos tuvimos de niños y que, con el tiempo, a veces olvidamos.

¿Hay algún objeto, herramienta, rincón o detalle del espacio que tenga una historia especial?
Creo que el rincón más especial del taller es el espacio del torno. Sus paredes están llenas de dibujos e ilustraciones de amigos, artistas que admiro y personas que me han inspirado en distintos momentos. Poco a poco he ido coleccionando esas piezas y me gusta pensar que cada una cuenta una pequeña parte del camino que ha recorrido AKE.

También hay un pilar donde tengo fotografías de mi familia y de mis amigos más cercanos. Es un detalle muy sencillo, pero significa mucho para mí. Cada vez que entro al taller y veo esas fotos, siento que mi red de apoyo está cerquita, acompañándome de alguna manera.

Me gusta rodearme de las personas y del arte que me inspira, porque siento que también hacen del taller un lugar más cálido.

Si el estudio fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Creo que sería un pueblo pequeño. De esos donde la gente se conoce por su nombre, donde puedes caminar sin prisa, tomar un café, entrar a un taller y platicar con quien esté ahí. Un lugar donde las cosas pasan despacio y todavía hay tiempo para hacerlas con calma.

Fun fact: El nombre de AKE nació por un error del autocorrector. Mi nombre es Ale, pero en WhatsApp muchas veces se cambiaba automáticamente a “Ake”. Poco a poco mis amigos empezaron a decirme así de broma y, cuando llegó el momento de nombrar el proyecto, el nombre ya se había quedado conmigo.

Alejandra Vázquez Hernández
Fundadora y directora creativa de AKE STUDIO
Cerámica creativa
Piezas hechas a mano y talleres
Guadalajara, México
instagram.com/akestudio_ceramica

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¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Zendra nació de una idea muy clara: seguir explorando la cocina con la brasa, algo que siempre ha formado parte del ADN de Grupo 9 Reinas. El nombre proviene de cendra, que significa “ceniza” en catalán: la ceniza que queda del fuego de Darvaza. Resume bastante bien nuestra filosofía. Nos gusta cocinar con tiempo, respetar el producto y dejar que la brasa haga su trabajo. Buscamos la elegancia y la distinción en nuestra propuesta gastronómica, con el fuego como protagonista.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Creo que todos disfrutamos especialmente el momento en que empieza el servicio y la cocina cobra vida. La parrilla se convierte en el centro de todo y cada producto tiene su momento. Trabajamos con carnes que requieren distintos tiempos de maduración, pescados, arroces y una barra de fríos donde nos especializamos en nigiris y tartares. Cada elaboración exige un tratamiento diferente, y eso hace que el trabajo nunca sea rutinario. Lo más bonito es trabajar en equipo y aprender a respetar el ritmo de cada producto.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Le diría que venga con ganas de disfrutar y sin prisa. La experiencia comienza por el espacio: una cocina completamente abierta a la brasa, un salón elegante y una terraza muy agradable.

Empezaría con una degustación de nuestros nigiris, elaborados con un producto excepcional y mucho cuidado. Después seguiría con el torrezno de Soria y el steak tartar de buey certificado de El Capricho, una de nuestras especialidades. Antes del plato principal, no puede faltar uno de nuestros espetos, ya sea de carne o de pescado. Y, por supuesto, como plato principal, nuestras carnes. Los chuletones de la carta de maduración representan muy bien lo que hacemos aquí. Seleccionamos personalmente las mejores piezas y también trabajamos con una selección de El Capricho.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
El gran reto ha sido conseguir que una carta tan amplia hablara un mismo lenguaje. Tenemos brasas, una barra de fríos con nigiris y tartares, carnes maduradas, pescados y una cocina más delicada, pero todo debía tener sentido dentro de una misma filosofía. Al final entendimos que el hilo conductor no eran los platos, sino la forma de tratar el producto.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Cada vez creo más en una cocina que interviene con criterio y respeto. Cuando tienes un gran producto, lo importante es saber acompañarlo sin estropearlo. Esa idea está presente en todo lo que hacemos.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Más que un lugar o una persona concreta, nos inspira todo aquello que pone el producto en el centro. Nos interesa aprender de proyectos que entienden la cocina desde el respeto por el origen, el tiempo y el oficio, y que demuestran que la excelencia nace del cuidado en cada proceso.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Más que pensar en un nombre concreto, me gustaría cocinar con cualquier chef que comparta el mismo respeto por el producto y por el fuego. Estoy seguro de que una conversación alrededor de la parrilla daría lugar a ideas muy interesantes.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
La parrilla es el corazón del restaurante. Dedicamos mucho tiempo a diseñar cada uno de sus detalles. Pero también lo es nuestra bodega de maduración. Mucha gente la descubre durante su visita y entiende que detrás de cada chuletón hay semanas de trabajo y paciencia. Es un proceso que no se ve desde la mesa, pero que marca completamente el resultado final.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería Barcelona. Es una ciudad donde tradición e innovación conviven de forma muy natural, y creo que Zendra también busca ese equilibrio. Nos gusta respetar el oficio y el producto sin dejar de evolucionar. Además, la música forma parte de la experiencia: renovamos constantemente nuestra selección musical y estamos preparando noches con actuaciones en vivo para que venir a Zendra sea una experiencia que se disfrute con todos los sentidos.

Ramon Panés
Chef Ejecutivo de Kendra
Restaurante de brasas
Barcelona, España
instagram.com/zendrarestaurante

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Interview by Emilio Esquivel
Photos by Sayana Cairo

Georgina Pounds Gallery has accomplished a great deal in just a few months, from exhibitions and artist residencies to international projects. Looking back at this first chapter, what was the founding vision behind the gallery, and what did you feel was missing from the existing landscape that you wanted to create?

Thank you, that’s very kind. The gallery grew from a desire to build a programme led by ideas rather than market demands. I wanted to create exhibitions that were intellectually rigorous while remaining emotionally engaging, with each exhibition responding closely to its architecture and context.

Although the gallery has only just begun, we have already participated in two international art fairs. Looking ahead, I’m particularly excited by our off-site and institutional projects, including Peter Halley’s first presentation at Casa Gilardi.

One of the gallery’s defining characteristics is the way it places historical and contemporary artists in conversation. What draws you to these cross-generational dialogues, and what kinds of connections are you hoping visitors discover between the works?

The conversations that excite me are those where artists who may be separated by decades unexpectedly arrive at similar questions or concerns.

Living in Mexico City has made me aware that many artists who arrived in the 1940s walked the same neighbourhoods, visited the same markets, and spent time in places such as San Ángel Inn. I enjoy imagining the conversations that continue across generations.

Themes such as memory, mythology, architecture, landscape, or the subconscious continue to evolve across time, and those unexpected connections often reveal something new about both artists.

Your presentation at CAN Art Fair brought together artists working across different generations, geographies, and mediums. When developing a presentation like this, do you begin with the artists themselves, the relationships between the works, or a broader curatorial idea?

Usually, it begins with noticing a conversation emerging between works or artists, and from there a broader framework develops naturally.

The process is intuitive but also research-driven, and often the strongest presentations are those where unexpected relationships emerge during installation itself.

For CAN Art Fair, the dialogue gradually centred on geology, volcanic material, ceramics, shells, and the sea. Rather than imposing a theme, it emerged naturally from the relationships between the artists and their works.

We introduced a few new artists into the programme, including Rafaela de Ascanio’s ceramics and Olivia Bryant’s paintings.

A gallery today often does much more than represent artists—it can shape discourse, build communities, and create opportunities for new forms of collaboration. How do you define the role of Georgina Pounds Gallery within that broader ecosystem?

Representation means that artists are supported by us and that they are the first to be recognised for opportunities to develop ambitious projects, build institutional connections, undertake residencies, and engage with audiences internationally.

We want to help as many artists as possible, so representation is usually about both artists who fit with the gallery programme and artists who we feel are well received.

I also believe galleries have a responsibility to contribute to broader cultural conversations. That means collaborating with museums, foundations, collectors, writers, and curators, and creating exhibitions that encourage people to spend time with one another.

Sometimes an introduction can be as valuable as a long-term partnership. In summary, we hope to support as many artists as possible within this ecosystem.

Although the gallery is still in its first year, it has already developed an international presence through fairs, residencies, and collaborations in Europe. Was that international outlook always part of the vision, or did it emerge naturally as the programme evolved?

The international outlook was always part of the vision. I’ve worked across different countries throughout my career, and those experiences shaped how I think about building a gallery.

Artists today naturally exist within international networks, and I wanted the programme to reflect that from the outset.

At the same time, it has evolved organically through relationships. Many of the collaborations we have developed have grown from conversations with artists, curators, and institutions, which makes them feel genuine rather than strategic.

Many international conversations around Mexican art still tend to revolve around identity or geography. Through the artists you represent and the exhibitions you organise, what narratives are you most interested in contributing to those conversations?

While place inevitably plays a role, the artists I work with engage with questions that are fundamentally universal: memory, materiality, mythology, architecture, ecology, emotion, and the relationship between humans and the natural world.

The gallery naturally began by responding to Mexico because that is where my ideas have developed over the past decade. I’m sure the programme will evolve beyond that, but I don’t want to define its future too rigidly.

One of the most valuable things Mexico has taught me is to leave space for unexpected collaborations and ideas to emerge. I hope the programme contributes to a broader understanding of Mexican contemporary art as part of an international dialogue, but I’m also excited to expand beyond this.

It makes total sense as a starting point, but galleries don’t have to be defined by their initial ideas. I’m excited to see where the natural process leads. I actually don’t know yet. Maybe that’s very Mexican in itself, and letting go of controlling the future is something I’ve learned over the past decade. Collaboration too, that’s important.

As you look ahead, what do you hope will define Georgina Pounds Gallery—not simply as a gallery, but as a platform for artists, ideas, and cultural exchange?

I hope the gallery becomes known for exhibitions that couldn’t exist anywhere else: projects that respond to architecture.

If people leave having discovered an unexpected connection, beauty in an artwork, or having spent more time looking than they expected, then I think we’ve succeeded.

Georgina Pounds Gallery
CDMX, México
instagram.com/georginapoundsgallery

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Me he dado cuenta de que, desde hace años, la fotografía para mí es una práctica continua, donde no reconozco inicios o finales, sino un espacio flexible en el que se van acumulando imágenes. Creo que por eso mi relación con el concepto de archivo es importante a la hora de intentar definir mi trabajo.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Aprendí que el archivo va mostrando relaciones entre imágenes que surgen de decisiones intencionales, pero no de un sistema previo. Es un proceso lento, marcado por la constancia y lo técnico, que se construye con el tiempo y no de forma inmediata.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Trato de tener en mente las variables que guían las decisiones de la toma: la luz, el color y el espacio tridimensional. Al mismo tiempo, siempre estoy buscando elementos que dialoguen con la toma anterior, atento a situaciones emergentes que me hagan sentido desde la composición.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
El anime de los 90 y Peter Greenaway, que siempre dan vueltas en mi cabeza.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Tener el tiempo y los recursos para seguir realizando esta obra personal continua, ya que debo destinar gran parte de mi tiempo a la docencia, trabajos comerciales o comisiones.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
La Pastora Coffee por su comida, el café y cómo llega el sol.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Se llamaría Como si fuera un sueño, con el soundtrack de L’Arc-en-Ciel.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
No he colaborado con ningún laboratorio o estudio en particular. A futuro me gustaría sumarme a algún colectivo o espacio colaborativo donde pueda imprimir y mostrar mi trabajo.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Paula Aparicio, fotógrafa argentina. Aprendo mucho de ella. Me parece que tiene una habilidad fotográfica superior: la observación del entorno, la visualización general de la forma y la consistencia de esa mirada a través del tiempo.

Fernanda Requena. Creo que compartimos esa forma de convivir con la fotografía diariamente, de manera sistemática y a veces un tanto fría, ya que para el trabajo con clientes siempre debe quedar lo mejor posible. Sin embargo, por otro lado, ambos buscamos permanentemente ese lugar donde nos abstraemos y hacemos las fotos que son para nosotros, solo por el gusto de hacerlas.

También me inspira el feed diario de Antonia Sánchez: relaciones entre formas, texturas y una alerta fotográfica permanente.

Últimamente he estado leyendo varias obras de Shinichi Sakamoto (Climber, Innocent, Drácula). Me hipnotiza la manera en que compone sus viñetas, el uso del espacio y la construcción de una atmósfera a través de los detalles.

Cristo
Concepción, Chile (1981). Fotógrafo y docente, especializado en retrato y paisaje.
instagram.com/cristobal_marambio

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Por parte de MOB Estudio, el despacho donde trabajo actualmente, desarrollé una colección de mobiliario que se presentará en la edición de Inédito de este año. En el estudio, mi día a día se divide entre proyectos de interiores —con diversos enfoques que van desde hospitality hasta residencial— y el diseño de mobiliario y objetos para las colecciones de la firma.

A nivel personal, estoy trabajando en mis propios objetos y en una serie de zines enfocada en la historia de las sillas nacionales y su contexto de desarrollo. Me interesa analizar cómo se vinculan con la historia local y con los materiales oriundos de cada zona; hay objetos tan cotidianos que a veces pasamos por alto su verdadera importancia y trasfondo histórico.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
He aprendido mucho sobre el quehacer del diseño y su estrecha relación con los oficios tradicionales. Entendí cómo el mobiliario se adecua a la función, la cultura y el contexto regional, impactando de forma directa en los productos que usamos diariamente.

Trabajar de cerca con carpinteros, herreros y marmoleros me ha enseñado a entender la maleabilidad y las limitantes físicas de cada material en formato real, para adaptar mis diseños a la manufactura técnica y desaprender la idea de que el diseño solo ocurre detrás de una pantalla.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Nostalgia. Muchos de mis recuerdos de la niñez son con mi familia y amigos sentados alrededor de una mesa. Es especial darte cuenta de cómo el mobiliario te acompaña de manera silenciosa en la convivencia con tus seres queridos —ya sea tu familia, tu pareja o tus amigos— y cómo esos objetos detonan memoria y afecto.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Mi novia me regaló el libro Galería de copias de Leticia Obeid. En él se reflexiona sobre lo ambigua que es la llamada «originalidad» y cómo, sin un trasfondo preexistente, no habría creación posible.

Me hizo pensar profundamente en la historia de los objetos y en cómo la cultura se difunde y se modifica de acuerdo con la región geográfica donde se asienta.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Como diseñador industrial e interiorista, el proceso creativo es una constante. Para mí, el verdadero reto reciente ha sido la autodisciplina de buscar experiencias nuevas que me obliguen a cambiar de perspectiva y romper paradigmas constantemente para mantener la creatividad bien alimentada.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Mi favorita es Monman Coffee House. Siento que hay muy pocas cafeterías que transmitan tanto cariño en la preparación y en la forma de hacer las cosas. Además, tiene un valor emocional muy grande para mí porque ahí trabaja mi novia.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Título: Efecto Mariposa
Soundtrack: Men I Trust

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Me gustaría colaborar con Sede Studio; me atrae mucho su sensibilidad para crear atmósferas y la manera en que experimentan con acabados y el entorno.

También con Estudio Sardina, pues me interesa bastante cómo desarrollan luminarias con un carácter tan escultórico que bien podrían habitar en un museo.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
TABLEAU es un estudio multidisciplinario que disipa la frontera entre el arte y el diseño a través de un acercamiento sumamente conceptual.

Me fascina cómo toman como eje del diseño las flores o la vegetación para insertarlas en ambientes industriales o visualmente fríos. De alguna manera, logran que esos espacios se sientan cálidos gracias al diálogo que generan con la naturaleza.

Jonathan Rosales
Interiorista y diseñador industrial mexicano, especializado en la conceptualización de mobiliario, que además hace fotografía.
instagram.com/jon___nah

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How did this place come about and what made it different from the start?
Richard: Green Tea Blue Sky is run by my partner Maria Schlechter and me. The project was born out of Maria’s search for a ceramics workshop in Vienna, paired with my long-held dream of opening a tea space.

I had previously taken over the Green Tea Blue Sky online shop from Maria’s cousin, Bernhard Engelmann, a student of the Japanese Urasenke tea school. While walking through the Servitenviertel in Vienna’s 9th district, we spotted a notice in a window looking for the next tenant of a ceramics workshop.

As it turned out, the room had accommodated several ceramic artists for over 80 years. One of them was the famous ceramicist Kurt Ohnsorg, who used this room as an experimental laboratory. To this day, the huge kiln he installed is a cherished part of our tea room.

After six months of hands-on renovation, we refreshed the space while preserving its old charm. The front is now a cozy tea house and a venue for tastings and culinary events, while the back accommodates a ceramics atelier.

What part of the day, space, or creative process do those who work here enjoy the most?
Maria: I love discovering tools and materials that ceramicists have left behind in the workshops over the past decades. There are tile molds that I reuse for plates, or ashes from various plants that I can use for glazes.

Someone also collected sand from different regions of the world while traveling, which I can also use for glazes. There is also a collection of rare stones that could create interesting glazes. I just need to find a tool to grind them.

The tools and materials encourage new ideas and give me clues for processing ceramics that I could explore.

If someone is coming in for the first time, what should they not miss?
Richard: We are known to have one of the largest selections of high-quality matcha from the eminently respectable tea companies Marukyu Koyamaen and Horii Shichimeien, but I would love to introduce Japanese oolong tea to a larger audience, so this could be really interesting for first-time visitors.

If you don’t want to drink so much tea, we offer Japanese Kioke soy sauce and miso, as well as soy sauce produced directly in Vienna by our friends at Wiener Miso.

We also have a curated selection of tea bowls and teapots from Japan, Austria, and some made by Maria and exclusively available at the tea house.

Maria: A chat about whatever interests them about tea, ceramics, the place, fermentation, food…

What has been an interesting challenge that has made you rethink something about the project?
Maria & Richard: Immediately after our opening, we were surprised by the worldwide matcha boom, which led to a great demand for the two Uji tea producers we proudly represent.

This was a welcome catalyst for our business, but it also presented a challenge. Our true passion lies in conveying tea culture and a respectful approach to products that have been carefully crafted over generations, rather than chasing the latest trend of colorful, sweetened lattes.

What influence, idea, or reference continues to shape the way you work today?
Maria: Many different influences converge here: our shared interest in plants, nature, food, and agriculture. But also a general curiosity about culture, such as Japanese tea culture, and our interest in art (fine arts, ceramics, music, literature…).

Richard has worked as a musician and sound artist, and Maria as a cultural sociologist for many years.

What place, project, or person has inspired you recently and why?
Richard: I’m always inspired by our friend Angie Yitsu Chen from Deerland Tea Taiwan. She’s the ultimate “tea detective”: consistently tracking down the most jaw-dropping Taiwanese loose-leaf teas and uncovering creative new ways to brew them.

If your space could invite someone to collaborate for a day, who would it be and what would you do together?
Maria: I would invite my favorite author Peter Handke, serve him tea at our tea counter, and make a movie about tea conversations with random customers who pop in.

Richard: We regularly collaborate with our incredibly talented friends, Thomas Marquardt and Jasmin Schweidler. Thomas is a wildly innovative vegan chef, and together we host exclusive fine-dining pop-ups.

Jasmin is an exceptional pastry chef whose Matcha Mille-feuille and Strawberry Mochi have already built quite a fanbase. I would love to continue working with them in the future.

Is there an object, corner or detail of the place that has a story that few people know?
Richard: Part of our “décor” is actually edible! Every year, I craft a traditional Wagashi (tea sweet) called Yubeshi. It is a citrus fruit filled with a rich miso and nut mixture, which is steamed and then hung to dry over a long period.

If you spot it hanging around, I’d be delighted to serve you a sample!

Maria: The large kiln in the middle of the guest room not only contains various notes on firing processes that we haven’t yet been able to properly interpret, but it also stood at the center of social gatherings.

In the 1960s, when Kurt Ohnsorg worked with the kiln, electricity was cheaper at night. Since the firing temperature had to be adjusted manually, nightly firing and drinking sessions took place here.

If this project were a city, a book, or a record, which would it be and why?
Richard: I’d love to choose Miles Davis’s Panthalassa, one of my favorite records. It is incredibly adventurous, multilayered, and never ceases to fascinate me.

My wish is that our project brings that same endless sense of discovery to our guests.

Maria Schlechter & Richard Eigner
Owners of Green Tea Blue Sky Shop
Artist-run tea house & ceramic atelier
Vienna, Austria
instagram.com/greentea_bluesky_shop

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¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Siempre he tenido la pasión por el arte popular que me transmitieron en mi familia. Metate empezó en 2020 en la Roma, pero desde varios años antes yo ya estaba experimentando con ciertos diseños junto con artesanos. Fue hasta la pandemia que tuve la oportunidad de abrir el primer espacio dedicado a implementar todo un estilo de vida con piezas hechas a mano y mexicanas.

Lo que lo hizo diferente fue la selección, mis diseños y las intervenciones de piezas artesanales. También he tenido la oportunidad de conocer en persona a los artesanos que hacen piezas muy únicas, en sus espacios creativos. Acercarme a ellos y a sus familias, y buscar la manera de traducir mis ideas en objetos que siguen representando sus técnicas ancestrales e incluso milenarias.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Disfrutamos mucho contagiar a los clientes el amor por lo hecho a mano y mostrar todas las posibilidades que tiene cada técnica para crear piezas tan especiales, algunas de ellas más contemporáneas.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
La curiosidad que me ha llevado a conocer el infinito universo creativo de las artes y oficios artesanales de México. El privilegio de tener en sus manos una pieza única que representa lo más espiritual de las artes y oficios creados a partir de las creencias, costumbres, el contacto con la naturaleza y la manera en la que, a partir de todo eso, los artesanos luchan por mantener su oficio, que no es otra cosa que su agradecimiento a la madre tierra.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Tener buenos precios para nuestros clientes, tanto extranjeros como mexicanos, pero jamás regatearle al artesano y lograr que siga siendo un negocio. Apoyarlo y, en mi medida, inspirarlo. Siempre pago justo y puntual.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Las ganas de preservar las distintas técnicas artesanales que existen hoy en México y ponerlas en lo más alto del mundo.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Japón. Fui hace poco y me inspiró mucho su cerámica. Creo que compartimos el mismo respeto por la creación de una pieza hecha a mano. No son objetos; son entes con historia y alma.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Creo que me gustaría abrir mis espacios colaborativos invitando a diversos artesanos de otros países que tengan una propuesta de elaboración que se conjunte con los oficios que conocemos en México.

Más que invitar a una personalidad, me gustaría fusionar técnicas para que el arte hecho a mano se fusione. Así ha sido antes, y habría que estimularlo.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
A lo largo de mis viajes por México he descubierto artesanos muy únicos que viven en comunidades poco conectadas y, lamentablemente, es difícil tener comunicación con ellos.

Por ejemplo, Pablo, un artesano del estado de Michoacán que, a pesar de su edad, hace una vajilla pintada a mano excepcional. Nadie más de su región pinta así de bonito y detallado; es un verdadero artista.

También me gustaría resaltar algo que a la vista parece “típico” o “folclórico”, pero pocos saben que casi todas las piezas tienen detrás un proceso muy elaborado, de mucha paciencia y sabiduría.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
El libro El elogio de la sombra de Junichiro Tanizaki es un libro que me inspiró mucho por la filosofía detrás de la estética japonesa, que al final tiene una conexión con nuestras tradiciones artesanales mexicanas.

Tanizaki describe que la belleza es aquello que conserva la huella de quien lo hizo. También define la idea de que la belleza no nace de la perfección, sino de las texturas, de los materiales naturales, de sus sombras y de sus formas irregulares.

Otro libro que me encanta es La poética del espacio de Gastón Bachelard, en donde se habla de cómo en la casa los objetos hacen que se sienta habitada, con vida y guardan recuerdos. Cada pieza habita el espacio no solo como objeto decorativo, sino como presencia sensible.

Constanza Antoni
Fundadora de Metate
Mexican Concept Store
CDMX, México
instagram.com/metate_mx

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How did this place come about and what made it different from the start?
N. V.: Editory is an exhibition and event space run by four of us: Lilla Gollob, Kitti Mayer, Réka Vikárius, and Noémi Viski, all of whom are design theorists and design managers. We first met years ago while working at the editorial office of a local magazine, where we quickly realized that we shared similar values regarding current issues in design and visual culture.

This led us to form a collective and create the persona of edit. Edit supports designers, creates publications, organizes collection launches, writes texts, and conducts research on design history.

It didn’t take long for edit to get a space of her own. In May 2025, at the invitation of Pigmenta Art Print Lab (a local print shop), we moved in next to their home in downtown Budapest.

Before we arrived, the space operated as a rentable co-working office. Since then, we have transformed it into an urban living room, a popular meeting point for the local design community. We organize exhibitions, magazine launches, collection debuts, fairs, and workshops. The space also serves as a pick-up point for high-quality art prints (made by our neighbours), and, at the same time, this is our office.

What part of the day, space, or creative process do those who work here enjoy the most?
N. V.: When we moved in, one of the first things we did was get a bench outside, next to our entrance, so we could enjoy our coffee breaks there. The bench was crafted for us by Hungarian designer Ádám Tóth (Malom Projekt). He arrived with the newly made bench straight from his workshop just one minute before our opening event began.

Since then, countless local residents have taken a moment to rest on this bench. It’s always exciting to watch from inside through the large storefront windows to see who stops by, why, and for how long.

Design is often associated with the whims of the middle and upper classes, yet it is far more complex than that. Design is present even in our most mundane everyday interactions.

The 8th district of Budapest is a high-density central area known for its dynamic mix of social and spatial diversity. We consider this bench a gateway between our space and the local community, between design masterpieces and real social needs.

If someone is coming in for the first time, what should they not miss?
N. V.: First, we would recommend taking a look at our current exhibition. Now, for example, visitors can explore the history of a Hungarian beauty brand called Fabulon from the 1970s. As curators of the show, we were curious to find out what kind of social context and design decisions allowed capitalist ambitions to emerge during Hungary’s socialist era. We analyzed a wide range of packaging designs, posters, and early merchandise objects.

Secondly, we suggest peeking through the glass door into the neighbouring space, Pigmenta, to catch a glimpse of the hustle and bustle and see how prints by Hungarian illustrators and photographers are created. Then come back and ask us which ones we have in stock. You will find the widest selection on our webshop for order, but we always keep some prints on hand that you can take home straight away.

And thirdly, do not miss the cat across the street. He usually sits in one of the first-floor windows and checks what’s going on with us. He is our biggest supporter.

What has been an interesting challenge that has made you rethink something about the project?
R.V.: As a grassroots initiative, one of the most interesting challenges has been learning how to make an independent cultural space sustainable without losing what makes it special.

Recently, we have been spending a lot of time applying for grants and exploring different ways to support our event space. Along the way, we have realized that long-term sustainability also depends on continuously growing and diversifying the community around us.

That has encouraged us to step outside our own bubble and connect with new audiences.

What influence, idea, or reference continues to shape the way you work today?
R.V.: A simple mantra has shaped the way we work from the very beginning: “The design scene is small, so we have to build it together.”

Hungary has a very talented design community across fashion, product, and graphic design, but still has a relatively small ecosystem with limited industry infrastructure. Many designers rely on small manufacturers, craftsmen, and specialized workshops to develop prototypes or produce limited editions, simply because large-scale production opportunities are scarce.

In this context, strong professional networks and spaces for collaboration become essential parts of the design ecosystem.

Whether we are writing articles, editing publications, curating exhibitions, or organizing events, we see all of these activities as ways of strengthening the design community.

Editory gives this idea a physical form: it’s a place where designers, makers, writers, and visitors can meet, exchange ideas, and start new collaborations. Ultimately, we hope that by creating these opportunities, we’re not only supporting individual projects but also contributing to a more connected design culture.

What place, project, or person has inspired you recently and why?
R.V.: Whenever I visit a new city, I’m always drawn to small cafés where you can browse niche, high-quality magazines alongside thoughtfully selected design objects.

On a recent trip to Lódz, locals recommended a tiny café called Kiosk, which immediately became one of my favourite spots. Housed in a former newspaper kiosk, it’s a charming little place where you can enjoy a great cup of coffee while lingering over an inspiring collection of magazines, independent publications, and objects.

I’d love to see our online print shop take on a physical form at Editory in the near future, surrounded by a carefully curated collection of publications and local design objects.

If your space could invite someone to collaborate for a day, who would it be and what would you do together?
R.V.: Although we’re united by a shared vision for Editory, each of us has our own area of interest and creative influences.

Kitti is passionate about Czech design, so she’d probably spend the day with Czech curator and journalist Eva Slunecková, dreaming up an unconventional project. Noémi has long admired the work of the BIO Ljubljana Design Biennial and would love to collaborate with the team on an issue-based pop-up exhibition at Editory.

Lilla is fascinated by the adaptive reuse of former industrial buildings, so she would likely join forces with the team behind the INOTA Festival to bring their unique blend of industrial heritage, contemporary art, and techno culture into Editory.

As for me, I’d invite photographer Szilveszter Makó. I’m particularly inspired by his campaign for ABODI, a fashion brand with Transylvanian roots. I’m drawn to the way he translates folklore and local traditions into a contemporary visual language. It would be exciting to bring that atmosphere into a site-specific installation at our space.

In a way, we’re already moving in this direction. At the end of September, we’ll launch the first edition of our new talk series, Design Diaries, inviting inspiring voices from across Central and Eastern Europe to share their perspectives on fashion, product design, graphic design, and urbanism.

Is there an object, corner or detail of the place that has a story that few people know?
R.V.: One of the defining elements of Editory is its pink linoleum floor. Last year, it became the starting point for one of our exhibitions exploring the cultural history of pink through the lens of design and object culture.

Titled As Long As It’s Pink, the exhibition examined how a single colour can carry radically different meanings: from gender stereotypes and consumer culture to feminism, queer identity, and nostalgia.

Through contemporary artworks, design objects, and everyday artefacts, we invited visitors to reconsider the cultural narratives attached to pink.

We never really tried to hide where the initial idea came from, but not everyone realizes that the exhibition was inspired by something as simple as the floor beneath our feet.

The project has since grown beyond Editory. We expanded it with new topics and works by artists and designers from Central and Eastern Europe, and presented the exhibition this May at Collegium Hungaricum Berlin.

We hope our pink floor will continue to inspire new ideas!

If this project were a city, a book, or a record, which would it be and why?
N. V.: We wouldn’t highlight a specific album; however, the record as a format quite accurately describes how we operate: there are a few “top hits” and audience favourites among our programs, and countless others that are also necessary for those standout hits to really shine.

Like on an album, the tone of voice, the visuality, and the promotion of our programs all play an important role. It’s all about creating a cohesive world.

And in the new season, everything starts again, with the same overall goal: to bring people together.

If Editory were a city, it would definitely be one where big-city vibes, constant buzz, and creative energies meet, perhaps Berlin or Amsterdam.

Réka Vikárius and Noémi Viski
Co-Founders of edit & editory
Prints – Events – Office
Budapest, Hungary
instagram.com/editory_budapest

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What pieces or projects have you been working on lately?
I have been working on a project titled If The Wind Lingers, which explores the interior self in an era defined by hyper-connectivity and social acceleration. By deliberately abandoning sharp focus, I aim to mirror the fluidity of time, using motion and the unseen wind as a brush to paint with light, shadow, texture, and atmosphere. As colors blend and light sweeps across the frame, the scenes transform into something closer to a lingering memory than a physical reality, capturing not just what a place looks like, but what it feels like to be there.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
Conceptually, I am learning the quiet act of living in the present. This project serves as a visual refuge for the interior self: a practice of slowing down to accept the transient beauty we are destined to let go of. Technically, I have been exploring ways to create pictorial, painterly photography that evokes a deeply poetic and nostalgic sensibility.

What words, ideas or emotions were running through your head?
Quietness, rhythm, harmony, tranquility, and serenity. I was also deeply focused on the concepts of temporality and impermanence throughout the creative process.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
Yes, quite a few. In literature, Hartmut Rosa’s Social Acceleration: A New Theory of Modernity and Guy Debord’s The Society of the Spectacle are highly relevant to my work. Cinematically, I am always inspired by Hong Kong director Wong Kar-Wai, especially Chungking Express, which beautifully explores themes of time, memory, temporality, and human connection. I also drew inspiration recently from Japanese manga artist Tatsuki Fujimoto’s Look Back.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
I’ve been struggling a bit with my choice of subject matter. I am currently trying to find the right balance, deciding whether to focus more on floral elements, human figures, or explore entirely new subjects to best convey my concepts.

What is your favorite coffee shop and why do you like going there?
My favourite coffee shop is called Kubrick, located inside the Broadway Cinematheque in Hong Kong, which is my favourite movie theater. It’s much more than just a café; it is also a vibrant cultural hub that brings together books, indie films, vinyl records, and an art gallery. It’s a wonderful space dedicated to cultural promotion and creative inspiration.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
I’d title it ETA2824-2, named after the mechanical movement of a watch I bought to reward and encourage myself before relocating to Australia.

Life is much like a mechanical watch, with its constant ticking that can sometimes make you feel anxious about the passage of time. However, that same rhythm can also be incredibly calming, peaceful, and meditative. I gained a stronger sense of this as I experienced more ups and downs this month.

For the soundtrack, it would be amazing to be scored by Sigur Rós or Explosions in the Sky, my favourite post-rock bands known for their atmospheric music.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
I haven’t recently, but I would be more than happy to collaborate in the future. I am open to working with other studios, labs, or creatives.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
I draw a lot of inspiration from photographers like Masao Yamamoto, Saul Leiter, and Thaddäus, as well as painters like Jean-Baptiste-Camille Corot and József Rippl-Rónai.

What I love about their work is their masterful use of atmosphere and emotion. Whether through a painterly approach to color like Leiter, or the delicate, poetic quietness of Yamamoto, they all capture the essence and feeling of a moment rather than just its literal reality.

Mario Wong
Photographer from Hong Kong. He is currently based in Melbourne after undertaking a Master of Photography, pursuing artistic inspiration and enlightenment in the field.
instagram.com/mariowrong

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I started shooting film while travelling at the end of 2023. Since then, I’ve tried to take a camera with me whenever I travel or even just leave home.

During my photo walks, I often find myself drawn to scenes that carry nostalgia, a quiet sense of loneliness, and a touch of playfulness. These emotions tend to guide what I notice and what I choose to photograph.

I’m interested in capturing without interrupting, moving through spaces unnoticed. In most cases, people don’t notice me, as I often spend a long time waiting for the right moment, sometimes even pretending I’m photographing something else. While I also appreciate staged work by many photographers, what I love most are natural, unprepared moments that are real and will never repeat themselves.

I’ve been experimenting with different film stocks. My initial goal was to find three main ones to stick to, but my exploration never really ends.

Composition is very important to me, as are aesthetics, and I often decide not to take a photo if the composition doesn’t feel right. Because of that, I’ve slowed down my shooting considerably. I try to be more intentional, even though I carry my cameras almost every day. Sometimes I return from a walk without taking a single frame. I prefer photographing only scenes that feel truly special to me, and if something is even slightly mediocre, I now choose to leave it. Shooting five photos in a day already feels like a big success to me.

I’ve also noticed that there are days when I don’t see anything at all, and others when I see potential frames every few seconds. The act of photographing feels strongly connected to our inner state, how present we are, and how creatively open we feel.

At the moment, I shoot with a Pentax K2 and a Nikon F2 Photomic, using 50mm and 135mm lenses.

When it comes to inspiration, music is something that always influences me deeply, which is why every series on my Instagram has a soundtrack. When I go on photo walks with headphones on, my creativity increases significantly, and I suddenly get ideas not only for individual frames but also for entire series.

One of my favourite soundtracks, which always works for me, is The Brutalist by Daniel Blumberg. I also read a lot, and I often try to find a quote from a book that fits the series or post when I publish my photos online. I like the idea that a photograph does not have to exist as a standalone piece, but can be supported and expanded through writing and music.

I follow and admire many great photographers, and I’m especially inspired by those who document ordinary life in an emotional and cinematic way. One photographer whose work I deeply admire is Eduardo Oropeza. I’m particularly inspired by the sensitivity of his photography. His images feel quiet yet emotionally powerful at the same time. What also fascinates me is his technical mastery and precision. He has an incredible ability to notice and capture a fleeting moment almost instinctively, like a sniper taking a shot at exactly the right second.

I’d also like to invite you to check out the work of Habib Saleh, who photographs everyday life in Lebanon. To me, all of his images look like scenes from films, often surreal.

Marta
Photographer from Poland based in Vienna, Austria, capturing quiet, cinematic moments of everyday life.
instagram.com/film_strolls

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Estoy desarrollando Cartografía en Tránsito, un proyecto que mapea el paisaje interior de la migración a través de los cuerpos de mi círculo más cercano: amigos y compañeros de viaje cuyas identidades existen en transición permanente. Migrar es adaptarse mientras cargas todo lo que dejaste atrás. No pertenecemos del todo al lugar al que llegamos, pero ya no resonamos completamente con el lugar de donde venimos. Existimos en ese espacio intermedio. Y, sin embargo, ahí también hay celebración: la capacidad extraordinaria de florecer en la incertidumbre, de construir comunidad desde la vulnerabilidad. El proyecto es un retrato de esa resiliencia.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Más que aprender, reafirmé algo que ya sabía, pero necesitaba sentir de nuevo: los vínculos lo son todo. Sostenerse mutuamente no es un lujo; es la única forma real de salir adelante. La comunidad no es el contexto del trabajo, es el trabajo mismo.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Palabras aparentemente contrarias: amor y pérdida, unión y desasosiego, carga y ligereza. Y una idea que se repite: el cuerpo tiene más memoria que la mente. Recuerda todo lo que hemos vivido, incluso aquello que ya no podemos nombrar.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
El proyecto nació de conversaciones muy cercanas: con mi pareja, que es ucraniana, y con mi hermana, que también vive en Barcelona. Los tres somos migrantes, los tres construyendo una vida lejos de casa. Hay algo que nos repetimos con frecuencia: lo dichosos que somos de tenernos, de poder apoyarnos. De esa certeza nació todo: la idea de que el verdadero hogar no es un lugar, sino las personas que eliges sostener y que te sostienen.

Musicalmente, el disco Vendrán lluvias suaves, de Silvana Estrada, me ha acompañado en cada etapa del proceso. Hay en su música esa misma dualidad que busco en el proyecto: una melancolía que no renuncia a la esperanza.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Encontrar dónde catalogar mi propio trabajo. Tiene muchas aristas; igual que los migrantes, no termina de pertenecer del todo a un lugar o a otro. Al principio eso me generaba ansiedad. Poco a poco aprendí a verlo como lo más honesto que podía hacer: un trabajo que también existe en tránsito.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Mi cafetería favorita es aquella en la que estoy con mis amigos: ese lugar del que siempre nos vamos con la sensación de que nos faltó tiempo para hablar. En Barcelona, ese lugar suele ser el café de LOT.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Aguanta, que ya viene el sol.
El soundtrack estaría compuesto entre Sufjan Stevens y El Búho.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Para impresión trabajo con CopiaLab e Impressionart, ambos en Barcelona: dos espacios donde el cuidado por el detalle y la calidad del papel se notan en cada entrega.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Me quedo con cuatro, todos con raíces venezolanas o latinoamericanas.

Como pilares históricos, el fotógrafo Alfredo Boulton y el escultor Francisco Narváez: dos venezolanos que entendieron que retratar a su gente era un acto político y poético al mismo tiempo.

Entre quienes trabajan hoy, Suwon Lee y María Elena Pombo: dos artistas cuya forma de mirar el cuerpo y la identidad me recuerda constantemente por qué hago lo que hago.

Daniel Santolo Franco
Soy un artista visual venezolano viviendo ahora en Barcelona, España. Parte de mi trabajo se basa en encontrar lo sublime en lo cotidiano y explorar todo el entramado que conlleva ser migrante, latinoamericano entiendo sus complejidades y sus virtudes.
instagram.com/santolofranco

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¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Bocaflor nació con el anhelo de crear una experiencia de compra más amplia dentro de nuestra tienda hermana, Marchanta. Lo que hace especial a Bocaflor es su esencia femenina: un bar de mujeres que refuerza la identidad de Marchanta. Actualmente, Bocaflor ya cuenta con su propia clientela, en su mayoría mujeres, pero también hombres sensibles a la belleza y a los productos de alta calidad.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Bocaflor es un bar de día. Vendemos desde café hasta coctelería, pero definitivamente nuestro mejor momento es entre la 1 y las 4 pm. En medio de un día de mucho calor o caos, Bocaflor se convierte en un pequeño oasis.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Disfrutar de nuestro cóctel Perfume de Gardenias. Es delicioso y, además, así pueden disfrutar de nuestra pequeña barra.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los desafíos que tenemos actualmente es el tamaño y la ubicación de nuestro espacio. Por una parte, lo vuelve especial y mágico; por otra, nos reta porque solo contamos con diez lugares para sentarse. Otro gran desafío es que no estamos a pie de calle: nuestro espacio está oculto y muchas veces no somos tan visibles para las personas.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Definitivamente, el tema principal que nos inspiró desde el inicio y que sigue guiándonos es la feminidad, la energía de lo femenino dentro del mundo contemporáneo. Pensamos en Bocaflor como una mujer que explora su energía femenina dentro del sistema actual, en su vida cotidiana.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Es curioso. Actualmente estamos trabajando en nuestro nuevo menú y el tema es Mujeres que nos inspiran. Hemos estado pensando en cada mujer que nos rodea y en la manera en que nos inspira, nos impulsa y convierte nuestro entorno en una comunidad muy hermosa. No podríamos nombrar solo a una.

Si hablamos de proyectos, uno que nos ha inspirado mucho es el libro MADRE, de Luna Antonia Arboleda. Es hermoso.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Un invitado soñado para Bocaflor sería Wes Anderson, para realizar un cortometraje en el espacio. Nos encanta su simetría, su paleta de colores y su universo fantástico. Wes Anderson sería nuestro invitado ideal.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Algo muy especial de nuestra barra son los mosaicos de la pared principal. Fueron elaborados en Atzompa, Oaxaca, y cada pieza fue hecha una por una por el maestro artesano Rolando Rojas. Nos encantan.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si Bocaflor fuera un libro, sería un libro ilustrado de botánica, definitivamente.

Sofía Jiménez Marrufo
Directora Creativa de Bocaflor
El Bar Mujer
Oaxaca, México
instagram.com/bocaflormx

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