What pieces or projects have you been working on lately?
Recently, I have been making work that sits within a lot of different worlds. Freely exploring how image-making and storytelling can cohesively become an expression within documentary, fashion, and alternative processes. Inspired and reflective of my travels, the places, the people. Like little meditations on moments lived and dreamt.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
Realising that my relationship with image-making is multi-faceted and doesn’t need to sit within a box. It can be led by expression and experiences, as well as curiosity and desire.

What words, ideas or emotions were running through your head?
I have been sitting with the idea of collecting moments, true or made up. The way that the camera can capture, expand, and hold on to something so sacredly.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
Spending time in Latin America, countries and cultures so far from what I have ever known. The number of people, the traditions and rituals, and ways of life. The warmth of strangers, the colour, and constant chaos.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
Navigating ways to have my work live outside of the internet.

What is your favorite coffee shop and why do you like going there?
I have been spending time at Cicatriz; their little space feels so romantic with the sun dappling through the trees and lots of people passing by.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
Recently in Colombia, a woman sang a Simón Díaz song to me on the guitar, and it has stuck with me since. ‘Tonada De Luna Llena’ would soundtrack my month: a soft, mystical life amongst the chaos of the city.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
I have been having film developed and scanned with Foto Hercules, and I will be beginning to get back into the darkroom with FOCO Lab, developing and printing.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
My partner Liam Cosford is a ceramic artist and is currently in the middle of a residency here in CDMX. Watching him completely engrossed in his work, exploring and expanding his practice, has been so inspiring. He has a freedom, obsession, and childlike curiosity towards making, which radiates into our lives together.

Poppy Marshall-Kirby
Photographer and videographer from New Zealand, currently based in CDMX, Mexico.
instagram.com/poppymarshallkirby

La entrada Tonada de luna llena se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Shaka nació en 2017 con una idea muy clara: demostrar que comer rápido no tenía por qué significar sacrificar calidad. Queríamos traer a la Ciudad de México una propuesta inspirada en el poké hawaiano, pero adaptada a un estilo de vida urbano, donde pudieras comer algo fresco, delicioso y preparado al momento.

Desde el principio hablamos de Fast Good: comida rápida, sí, pero con ingredientes de calidad, mucha personalización y una experiencia que te hiciera sentir bien. Más que vender bowls, queríamos crear una marca con la que la gente se conectara.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Sin duda, cuando el restaurante empieza a llenarse de vida. Ver a alguien entrar por primera vez, descubrir cómo funciona el concepto, crear su bowl y regresar después porque encontró “su combinación” o platillo ideal es muy satisfactorio.

También disfrutamos mucho la parte creativa. Siempre estamos probando ingredientes, desarrollando productos y buscando nuevas formas de sorprender sin perder la esencia de Shaka. Nos gusta que cada temporada tenga algo nuevo que contar.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Definitivamente la experiencia de crear su propio bowl. Es la mejor forma de entender qué es Shaka: elegir cada ingrediente hasta encontrar una combinación que realmente se adapte a tu gusto.

Y si prefieres empezar con uno de nuestros favoritos, recomendaría el Bowl Ohana, Kilauea o Shaka King. Nuestras brochetas de brócoli y cualquier preparación de nuestras palomitas también te harán regresar.

Y hay algo que siempre recomiendo: acompañarlo con una limonada de lichi.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
El mayor reto ha sido crecer sin perder nuestra esencia.

Cuando abres una segunda, tercera o séptima sucursal, entiendes que ya no basta con hacer comida rica; tienes que construir procesos, formar equipos y lograr que la experiencia sea igual de buena en cualquier sucursal.

Ese reto nos obliga todos los días a preguntarnos cómo seguir creciendo sin dejar de ser cercanos, auténticos y mantener la calidad y servicio que nos caracteriza.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La buena vibra sigue siendo el centro de todo.

Nos inspira la cultura hawaiana, no solo por el poké, sino por esa forma de vivir donde se disfruta el momento, se comparte y las cosas se hacen con una actitud positiva. El saludo “Shaka” representa justamente eso.

Queremos que, aunque sea por media hora, quien venga a comer salga de aquí con un mejor ánimo del que llegó.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira mucho ver cómo está evolucionando la forma de comer y de vivir la ciudad.

Cada vez más personas buscan lugares donde puedan comer bien, trabajar un rato, reunirse con amigos o simplemente desconectarse unos minutos. La tendencia de consumo de mayor proteína y menos alimentos procesados nos motivó a evolucionar Shaka y desarrollar también Shaka Hawaiian Café en la sucursal de Río Lerma, para acompañar diferentes momentos del día sin perder nuestra esencia.

Al final buscamos ser parte del estilo de vida de nuestros clientes, no solo una opción para comer.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Más que pensar en alguien famoso, nos gustaría colaborar con personas que realmente compartan nuestra filosofía de vida: atletas, chefs, creativos o incluso clientes que forman parte de la comunidad Shaka.

Crearíamos juntos un bowl inspirado en su historia, sus ingredientes favoritos y su personalidad. Creo que las mejores colaboraciones son las que nacen de algo auténtico y terminan convirtiéndose en una experiencia que todos pueden disfrutar.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Mucha gente piensa que Shaka es solo un nombre, pero en realidad representa una filosofía.

El “Shaka” es un saludo originario de Hawái que simboliza buena vibra, respeto, amistad y disfrutar el momento. Desde que elegimos ese nombre quisimos que toda la marca girara alrededor de esa idea.

Por eso cada detalle, los colores, los mensajes, la música, el diseño y hasta la forma en que atendemos, busca transmitir esa sensación de relajarte un momento y disfrutar una buena comida.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería Honolulu.

Porque tiene exactamente la mezcla que buscamos transmitir con Shaka: naturaleza, energía, movimiento, buena comida y una forma relajada de vivir.

Es una ciudad donde puedes empezar el día haciendo ejercicio, trabajar, ir a la playa, comer increíble y terminar viendo el atardecer. Esa combinación entre bienestar, diversión y optimismo es la misma que queremos que la gente sienta cada vez que entra a Shaka.

Sergio Schipper
Fundador y CEO de Shaka 808
Hawaiian poke & more
CDMX, México
instagram.com/shakamexico

La entrada Shaka 808 se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

Después de 12 años trabajando con artistas, exposiciones, ferias y distintos proyectos alrededor del arte contemporáneo, Agencia de Arte abre por primera vez un espacio físico en la Ciudad de México.

Constelación, una muestra colectiva con 41 artistas que han formado parte de la historia de la agencia, ocupará la planta baja y podrá visitarse del 1 al 4 de octubre de 2026. En la planta alta, el nuevo espacio permanente abre con Tempo, una exposición individual de Dionnys Matos, con curaduría de Raúl Cordero.

Fundada en 2012 por Sarai y Lara Balderrama, Agencia de Arte ha trabajado con artistas emergentes, de media carrera y establecidos, acompañando distintas etapas de sus trayectorias y desarrollando exposiciones, proyectos editoriales, participaciones en ferias y otras formas de acercamiento al arte.

La apertura en San Miguel Chapultepec reúne en un mismo lugar parte de ese recorrido y una nueva etapa para el proyecto. La agencia plantea el espacio como un punto de encuentro entre artistas, públicos y coleccionistas, con la intención de hacer más cercano el acceso al arte contemporáneo y al coleccionismo.

Constelación reúne a Alejandro Castañeda, Alexa Torre, Andrés Anza, Andrés Gómez Servín, Andrés Monnier, Arantxa Solis, Camila Rodrigo, Daniel Adolfo, Daniel N. Johnson, Daniela Rivero, Denise Lacarra, Diego Ascencio Fuentes, Dionnys Matos, Diego Garcia, Edgar Solorzano, Emanuel Torres, Felipe Bedoya, Fernanda Uski, Gaby Lobato, Griselda Benavides, Guadalupe Quesada, Hugo Lugo, Ismael Senties, James Bonachea, Jessica Sanchez, José Snaider, Juan Pablo Vidal, Karian Amaya, Lucía Oceguera, Luis Miguel Rico, Margarita Velázquez, Martín Levêque, Pablo Arellano, Prince Láuder, Rebeca Cors, Renata Alarcón, Rocca Luis César, Román de Castro, Sandra de León Torres, Santiago Arau, Vero Glezqui y Yumnia Duarte.

La entrada Agencia de Arte abre espacio en CDMX se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Cuando aprendimos a hacer pan, nos enamoró la idea de que un alimento tan sencillo, hecho solo con harina, agua, sal y masa madre, estuviera lleno de sabores, aromas y vida. No hubo marcha atrás: dejamos nuestros trabajos de oficina, el tráfico de la ciudad y la rutina para seguir el sueño de tener una panadería.

El primer local de La Miga lo abrimos en 2021 con la idea de ser un punto de encuentro para personas que valoren el buen pan. Hoy en día es una comunidad de paneros que a diario nos saluda, nos apoya y nos abraza, por lo que nos sentimos muy afortunados. Aparte de papás, hermanos y amigos, al proyecto también se han sumado personas como Marvin, Mich, Pablo y Pau, que todos los días nos dan un empujoncito para seguir adelante.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Disfrutamos mucho las mañanas: encender los hornos, prepararnos un café, sentir cómo el local se va calentando poco a poco con cada horneada. Ver las caras de personas conocidas que casi a diario vienen por su pan preferido e irse satisfechos de elegir algo que hará mejor su día nos hace sentir tranquilos.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Si pasas por La Miga, debes probar nuestras conchitas y roles de cardamomo, dos de los primeros panes dulces que hicimos y que nos siguen acompañando. Las hogazas rústicas de masa madre, si tu plan es compartir el pan en alguna reunión. Y si tienes tiempo de quedarte a desayunar con nosotros, prueba el brioche de huevito con tocino, es nuestro placer culposo.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
A pesar de que German Torres, de La Valiente, ya no se encuentre en este plano terrenal, su forma salvaje de hacer pan nos ha inspirado a alejarnos de un pensamiento industrial para buscar un proceso libre y natural, donde la humildad, el tiempo y la paciencia son la clave.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Actualmente hay muchas personas y proyectos que nos inspiran, con los cuales nos gustaría colaborar o que ya estamos colaborando. Algunos son:

Más del Campo son buenos amigos con una linda granja.

Casa Comunal es un lugar bonito al que le vendemos pan.

Terco es una cafetería emergente con gran actitud en la CDMX.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaríamos Ton Cortés para seguir aprendiendo a hacer panettone con él, y a Javier Marca para algún día dar una mano y aprender filosofía de pan.

Adrián Tapia Aguirre
Socio fundador de La Miga
Obrador de pan
CDMX, México
instagram.com/lamiga.obradordepan

La entrada La Miga se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Últimamente he estado trabajando en varios proyectos de fotografía analógica y documental. Uno de ellos nació este verano en Oxapampa, Perú, a partir de una historia familiar que llevaba mucho tiempo queriendo explorar. Estoy mezclando fotografías actuales con imágenes de archivo familiar para hablar de migración, regreso, memoria y de qué significa pertenecer a un lugar. También sigo trabajando con imágenes que tomé en la India y en la costa y el desierto de Perú.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Trabajar con mi propia historia familiar me ha hecho pensar mucho en cómo construimos los recuerdos. Una misma historia cambia dependiendo de quién la cuenta, de lo que recuerda y también de lo que ha olvidado. Estoy aprendiendo a trabajar con esas contradicciones y a entender que el pasado deja muchos huecos que las imágenes y los relatos del presente pueden ayudarme a completar. Todavía es un proyecto en desarrollo.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Pensaba mucho en el hogar y en cómo podemos sentirnos ligados a lugares en los que nunca hemos estado. También en la distancia, en lo que permanece de alguien cuando ya no está y en las historias que heredamos. Oxapampa había estado presente en mi vida a través de fotografías e historias desgastadas con el paso de los años… pero conocerlo por fin hizo que ese lugar cobrara vida en mi mundo y se volviera real. Fue casi mágico de cierta manera.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Mi tío murió cuando yo era muy pequeña, así que casi todo lo que sé de él procede de recuerdos y relatos familiares. En su casa de Oxapampa encontré sus libros sobre fotografía, caballos, radio, viajes y otros temas que le fascinaban. Leer lo que leía, caminar por los mismos lugares y escuchar lo que me contaron quienes lo conocieron fue una manera de acercarme a él. Sentí que el viaje (y también el proyecto) se convertía poco a poco en una conversación que no habíamos podido tener. Fui recorriendo sus pasos y se me abrió todo un nuevo camino que quiero transitar.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Encontrar tiempo y espacio mental para crear sin que haya necesariamente un encargo detrás. Durante muchos años he trabajado contando historias con plazos, formatos y objetivos muy concretos, y estoy intentando dar más espacio a proyectos que nacen simplemente de algo que me interesa o me mueve por dentro. Lo más difícil quizá sea confiar en que esa curiosidad es razón suficiente para empezar y darle tiempo a una historia para crecer y evolucionar.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Esa respuesta es fácil para mí: la cafetería de mi hermana. Probablemente no sea muy objetiva, pero es que es maravillosa (de verdad que lo es). Ella viene del mundo del arte y ha conseguido reunir allí muchas de las cosas que le gustan: la cocina vegetariana, la pastelería y hasta un pequeño espacio para exposiciones. Todo está hecho de manera artesanal y con muchísimo cariño. Además, hay muebles que pertenecieron a mis abuelos, así que cada vez que voy encuentro cosas que reconozco de toda la vida. Me gusta pensar que los lugares también van guardando pequeñas partes de nuestra historia y que, de alguna manera, seguimos habitándolas.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Me encanta esta pregunta porque creo que siempre intento que mi vida tenga algo de película. Es una manera bonita de verla. Soy bastante espontánea. Me gusta viajar, improvisar, cambiar de escenario y dejar espacio para lo inesperado. Este mes se llamaría La ruta menos directa, que probablemente también sea un buen título para mi vida en general… Y el soundtrack se lo encargaría a Hermanos Gutiérrez. Su música me hace pensar en carreteras infinitas y en la curiosidad hacia lo desconocido.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
He trabajado bastante con La Peliculera en Madrid y con Carmencita Film Lab en Lisboa. Me gusta mucho el cuidado con el que tratan la película, la calidad del revelado y el escaneado. Tener un laboratorio en el que confías es una parte importante del proceso analógico. También he revelado y positivado mis propias fotografías en cuarto oscuro, algo que me encanta porque te permite participar en todo el proceso y relacionarte con la imagen de otra manera. Últimamente no encuentro tanto tiempo para hacerlo como me gustaría, pero espero volver a hacerle más espacio.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Este año, en Visa pour l’Image, el festival de fotoperiodismo de Perpiñán, descubrí la maravillosa fotografía de Paolo Roversi y su trabajo sobre India. Me fascinó la atmósfera de sus imágenes y su forma tan personal de retratar el país. Era casi onírica. Quizá también conecté especialmente con ellas porque yo había estado fotografiando en India unos meses antes.

Lucía Blasco
Periodista multimedia y fotógrafa. Ha trabajado en medios internacionales como BBC y Euronews, y le interesan especialmente las historias humanas vinculadas a la migración, la cultura, el medio ambiente y la identidad.
instagram.com/luciablascophoto

La entrada La ruta menos directa se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
DaOM nació con la intención de compartir la gastronomía coreana desde un lugar muy personal y auténtico. Nuestras recetas tienen raíces familiares y algunas vienen desde mi bisabuela, por lo que para nosotros preservar la cocina tradicional es fundamental.

Desde el principio quisimos encontrar un equilibrio entre nuestras raíces y una propuesta contemporánea. De hecho, somos de los pocos restaurantes coreanos que hacemos un cambio de menú cada año. Para nosotros es importante que la propuesta siga evolucionando, experimentar, incorporar nuevos ingredientes y técnicas y, al mismo tiempo, mantener la esencia de la cocina coreana.

Hay una frase que define muy bien nuestra filosofía: “modern cuisine, rooted in tradition”. Tomamos sabores, técnicas y recetas que vienen de generaciones atrás y las llevamos a una propuesta actual. Creo que eso es lo que nos hizo diferentes desde el principio: no buscamos simplemente hacer comida coreana, sino preservar una historia familiar y cultural a través de la cocina, mientras seguimos creando y evolucionando.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Creo que lo que más disfrutamos es ese momento en el que la cocina empieza a cobrar vida antes y durante el servicio. Para nosotros cocinar tiene un significado muy especial porque lo que hacemos es parte del patrimonio gastronómico de nuestra familia.

La cocina está regida por mi mamá, a quien cariñosamente llamamos Mamá Kim, y ella es quien conserva y transmite muchas de estas recetas y técnicas que vienen de generaciones atrás. Hoy, como Chef Bonnie, tengo el privilegio de continuar con ese legado y representar la cuarta generación de nuestra familia en la cocina.

Lo bonito es que no se trata solamente de repetir recetas; se trata de conservar una historia, una memoria y una identidad, mientras nosotros también encontramos nuestra propia manera de llevarlas al presente. Y creo que esa mezcla entre tradición, familia y creatividad es justamente una de las cosas que más disfrutamos de lo que hacemos aquí.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Si alguien viene por primera vez, creo que lo primero que no debería perderse es la experiencia de nuestra parrilla coreana. Es una manera muy especial de compartir la mesa y de acercarse a la cultura coreana a través de la comida.

Y, por supuesto, hay algunos platillos que para nosotros son indispensables porque cuentan parte de nuestra historia y de nuestra identidad. Me gusta recomendar empezar por los sabores más tradicionales y después descubrir nuestra interpretación más contemporánea.

Más que venir solamente a probar un platillo, nos gustaría que se llevaran la experiencia completa: sentarse a la mesa, compartir, descubrir nuevos sabores y entender un poquito de nuestra cultura a través de la comida.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los desafíos más interesantes ha sido justamente encontrar el equilibrio entre preservar nuestra tradición y, al mismo tiempo, permitirnos evolucionar. Cuando tienes recetas que vienen desde tu bisabuela y que han pasado por cuatro generaciones, existe una responsabilidad muy grande de respetar lo que recibiste.

Pero también entendimos que preservar una tradición no significa dejarla intacta para siempre. La cocina está viva, y cada generación tiene derecho a interpretarla desde su propio momento y su propia identidad.

Eso nos hizo replantearnos muchas cosas: cómo presentar nuestros platillos, cómo incorporar técnicas y elementos contemporáneos sin perder los sabores de origen y, sobre todo, cómo mantener nuestra esencia mientras seguimos creciendo.

Al final, ese reto terminó convirtiéndose en parte fundamental de nuestra filosofía: modern cuisine, rooted in tradition. Evolucionar, sí, pero siempre sabiendo de dónde venimos.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Sin duda, nuestra mayor influencia sigue siendo nuestra familia y todo lo que hemos recibido de generaciones anteriores. Hay una memoria gastronómica que está presente en nuestra cocina todos los días: los sabores, las técnicas, la manera de compartir los alimentos y, sobre todo, el respeto por el producto.

Mi mamá, Mamá Kim, es una figura fundamental para mantener vivo ese legado. Ella viaja periódicamente a Corea para seguir conectándose con sus raíces, reencontrarse con los sabores de su infancia, visitar a su mamá, mi abuela, que afortunadamente todavía está con nosotros, y seguir descubriendo lugares donde las tradiciones gastronómicas continúan vivas.

Y ese aprendizaje lo hacemos también juntas. Mi mamá y yo buscamos constantemente nuevas referencias, sabores y técnicas, pero siempre desde el respeto por nuestra historia. Para nosotras es muy importante no perder esa esencia mientras evolucionamos.

Creo que justamente ahí está nuestra mayor inspiración: honrar de dónde venimos sin dejar de construir hacia dónde vamos.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Últimamente nos han inspirado mucho los proyectos gastronómicos que logran contar una historia sin necesidad de explicarla demasiado. Lugares donde desde el primer bocado, la manera de servir, los ingredientes y hasta el espacio te hacen entender de dónde viene esa cocina.

Nos interesa mucho observar cómo otros chefs toman algo profundamente tradicional y encuentran una manera contemporánea de presentarlo sin que pierda su identidad. Eso nos hace cuestionarnos constantemente cómo podemos hacer lo mismo desde nuestra propia historia.

Más que buscar copiar tendencias, nos inspira la gente que tiene una voz propia y que se atreve a evolucionar sin dejar de ser fiel a sus raíces. Es algo que queremos seguir explorando también nosotros: cómo hacer que nuestra historia familiar siga creciendo y pueda sentirse vigente para nuevas generaciones.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría colaborar con alguien que comparta nuestra forma de entender la cocina: alguien que tenga un profundo respeto por sus raíces, pero que al mismo tiempo sea inquieto y creativo.

Imaginaríamos una colaboración en la que no se tratara simplemente de hacer un menú juntos, sino de poner nuestras historias sobre la misma mesa. Nos gustaría tomar un elemento de nuestra cocina coreana tradicional y combinarlo con la identidad y la perspectiva del invitado, creando algo que probablemente ninguno de los dos haría por separado.

Al final, sería una conversación entre cocinas y culturas a través de la comida.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
En realidad, hay historia en prácticamente todo el espacio. Hasta las tijeras que utilizamos en el restaurante las hemos traído de Corea; es un detalle que a veces causa gracia a nuestros clientes, pero para nosotros habla de lo importante que es cuidar hasta los pequeños elementos que forman parte de nuestra experiencia.

También tenemos algunos objetos simbólicos que trajimos de Corea y que están relacionados con conceptos muy presentes en su cultura, como la buena fortuna, la abundancia y la prosperidad. No están ahí solamente como decoración, sino porque queríamos que el espacio también tuviera esos pequeños guiños a nuestra cultura.

Pero algo que también nos parece muy importante es que el restaurante no sea una réplica de Corea en México. Buscamos que exista un diálogo entre ambos lugares. Por eso trabajamos con ingredientes locales y de temporada y nos gusta preguntarnos cómo podemos llevarlos a nuestra cocina.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si este proyecto fuera un libro, sería un libro de historias familiares que sigue escribiéndose.

Tendría capítulos que vienen de generaciones atrás, con recetas, tradiciones y recuerdos que heredamos de nuestra familia, pero cada capítulo nuevo tendría nuestra propia interpretación. Eso es justamente lo que buscamos hacer en el restaurante: respetar profundamente nuestras raíces, pero no quedarnos únicamente en el pasado.

Cada cambio de menú es como comenzar un capítulo nuevo. Conservamos la esencia de la historia, pero agregamos algo de lo que somos hoy, de lo que estamos descubriendo y de lo que queremos contar.

Creo que esa es también nuestra filosofía: modern cuisine, rooted in tradition. Una cocina que tiene una historia detrás, pero que todavía tiene muchísimo por escribir.

Bonnie Noh
Chef y co-propietaria de DaOM
Casa de la parrillada coreana
Puebla, México
instagram.com/daom_koreanporkbbq.mx

La entrada DaOM se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

How did the idea for this project come about?
I first discovered kendama when I was 13 and became very involved in the scene in my teenage years. After 10 years away, I went to the European Kendama Championships in 2024. This is when I first met the boys who had come from Japan to compete. Watching them reminded me of my youth and the energy of my teenage years with my friends, and I saw the opportunity to create a story with them.

What did you discover or unlearn while doing it?
This film took everything I had learned up until this point. It was my first time shooting four people in a scene at one time, and I learned that allowing their energy to exist organically in front of the camera was a great benefit. We also shot this film with a very small crew and all lived together at the same time. This kept a great energy and, from a practical point of view, made it easier to make sure everyone showed up on time, hah.

What images, sounds or emotions guided the construction of the piece?
I always start compiling a playlist early on in a film’s process. When I first met the boys, we were hanging out in a park and someone started playing Nancy Sinatra’s “Bang Bang” on a loudspeaker. I started imagining a scene of Nobu to this song and it just clicked for me. Later on, Inoue Y?sui became an important musical inspiration. He’s cinematic and dramatic, and this gave me a certain confidence in the visual language.

I didn’t realize at the time while making it that it was that personal, but I can say after that I was certainly channeling a lot of my memories with my friends from my youth.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
I was particularly drawn to the physicality of the characters in the film Made in Hong Kong. There are scenes where these characters are running and jumping through the city. When I first watched this, I figured that shooting these scenes must have been physically exhausting, but that the effort shows up as this energy in front of the camera. While we were shooting, we had to keep getting everyone pumped up with every take to make sure the energy was in the physicality. During this scene where the boys prank a ramen shop, they did it many times to get the choreography right. It was exhausting and everyone was sweating a lot.

What was the biggest challenge during creation (filming, editing, production, or idea)?
The post-production was a new experience for me. Previous to this, I had been a cinematographer on short films but never had directed and edited. Continuing the energy through post and turning over every rock, I became very empathetic towards this process and now understand why it often takes directors so long in post.

What is your favorite restaurant and what do you recommend we order?
There is a small Japanese-style bakery/café called Panya Sam in La Condesa. If you’re feeling up for a sweet breakfast on the weekend, go order their pancake japonés de miel (:

Recommend us an artist you follow who inspires you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
There is a wonderful painter I’ve been following for some time, Sagami Mariko. There is something about her hand that I really love. She often paints old, worn stuffed animals or torsos. Her hand is light, fluid, scratchy, wispy. It feels like a dream to me.

Matthew Loren Ballard
Filmmaker based in Mexico City.
instagram.com/m.lballard

La entrada High Receipts se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Kitchen & Bar nació como una extensión natural de la filosofía de Courtyard by Marriott Mexico City Airport: demostrar que el tiempo entre vuelos también puede disfrutarse. Desde el principio se concibió como un espacio abierto tanto para huéspedes como para visitantes locales, ofreciendo una propuesta gastronómica accesible y contemporánea dentro de uno de los puntos de conexión más importantes del país. Hoy, la reciente renovación del hotel le brinda un entorno aún más moderno, integrado a nuevas áreas públicas diseñadas para hacer del aeropuerto una experiencia mucho más cómoda y agradable.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
El desayuno es, sin duda, uno de los momentos favoritos del día. Ver cómo viajeros de negocios, familias, turistas y visitantes locales comparten el mismo espacio antes de comenzar una nueva aventura crea una energía muy especial. También resulta inspirador observar cómo un restaurante ubicado junto a un aeropuerto puede convertirse en un punto de encuentro relajado, lejos del ritmo acelerado que normalmente asociamos con los viajes.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Definitivamente el desayuno buffet, una de las experiencias más completas del restaurante, con una amplia selección de opciones internacionales y sabores locales por $430 MXN por persona. También vale la pena descubrir el bar, que ofrece una selección de coctelería internacional ideal para comenzar o cerrar un viaje. Y para quienes tienen varias horas entre vuelos, el hotel cuenta con opciones de Day Pass que permiten disfrutar de espacios cómodos, alimentos y bebidas mientras esperan su siguiente salida, transformando una escala en una experiencia mucho más placentera y sin prisas.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Uno de los mayores desafíos ha sido romper la idea de que los restaurantes ubicados en un aeropuerto están dirigidos únicamente a pasajeros. Kitchen & Bar ha trabajado para posicionarse como un espacio gastronómico abierto al público, donde cualquier visitante puede disfrutar de un desayuno, una comida de negocios, una cena informal o un cóctel sin necesidad de hospedarse en el hotel.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La principal inspiración es el viajero contemporáneo: personas que valoran su tiempo, buscan calidad y aprecian experiencias sencillas pero memorables. Todo gira alrededor de ofrecer comodidad, flexibilidad y una gastronomía capaz de acompañar distintos momentos del día, desde un desayuno temprano antes de un vuelo hasta una reunión casual acompañada de un buen cóctel.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
La evolución de los aeropuertos internacionales hacia espacios de experiencia ha sido una gran inspiración. Hoy los viajeros buscan mucho más que una sala de espera; quieren espacios para relajarse, trabajar, socializar o disfrutar de una buena comida. Kitchen & Bar comparte esa visión al ofrecer un ambiente donde el trayecto comienza mucho antes de abordar un avión.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría colaborar con algún chef mexicano contemporáneo que reinterpretara ingredientes tradicionales para viajeros internacionales. La idea sería crear una experiencia culinaria que ofreciera una auténtica bienvenida a México desde el primer momento, incluso para quienes sólo están de paso por la ciudad.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Pocos saben que muchos visitantes llegan únicamente para disfrutar del restaurante o de los espacios del hotel sin tomar un vuelo. El concepto de Day Pass ha convertido áreas tradicionalmente asociadas con la espera en espacios para descansar, trabajar o disfrutar de una buena comida. Es una forma distinta de entender el tiempo de conexión: menos estrés y más comodidad.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería la Ciudad de México. Cosmopolita, diversa, dinámica y siempre en movimiento. Al igual que la capital, Kitchen & Bar recibe personas de todas partes del mundo, conecta culturas y ofrece múltiples experiencias en un mismo lugar. Es un espacio donde cada visitante llega con una historia diferente y, aunque sea por unas horas, encuentra un momento para detenerse y disfrutar el viaje.

Kitchen & Bar
Courtyard by Marriott
CDMX, México
instagram.com/courtyardmexico

La entrada Kitchen & Bar se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Ollin es un espacio pensado para compartir. Amamos lo que hacemos y disfrutamos compartir espacios, momentos, pan y café. Sin pretensiones y entre amigos. Desde el tostador, la barra y la panadería nos involucramos con cada detalle que servimos.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Disfrutamos las mañanas con olor a pan recién horneado y las tardes con olor a café. Disfrutamos las visitas y crear recetas nuevas.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
La recomendación siempre será un café filtrado o la bebida de temporada que encuentras solo en nuestra primera sucursal y, si visitas el expendio, un latte y un pan para chopear. Los fines de semana se prepara quiché. No te lo puedes perder.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Mantenernos firmes en nuestra visión y tener constancia.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nuestra mayor influencia son los sabores que nos llevan a rememorar momentos. Servir café de especialidad que logre generar vínculos entre el campo y la taza.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Quienes conforman el equipo tenemos diferentes tradiciones. Nuestra mayor inspiración viene desde donde crecimos y lo que soñamos.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Sí, hemos colaborado con amigos tostadores, baristas y productores. Siempre estamos abiertos y hacemos catas, pop-ups o conversatorios.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Solemos ponerle nombre a las máquinas, mobiliario o las plantas que habitan en Ollin.

Por ejemplo, nuestros helechos que encuentras en Ollin Pan y Café se llaman Juanita y Gabino. Los nombres de quienes nos regalaron esas macetas.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Venimos de diferentes partes de la República. Nos gusta pensar que Ollin es un pedacito de nuestros pueblos, un pueblo mágico donde tenemos una comunidad que da los buenos días, que se preocupa por los vecinos y nuestro apapacho es ofrecerles un café, chocolate o pan tradicional y un espacio amigable.

Patricia Salazar, Gabriela Santiago y Eder Efrain Paz
Co-fundadores de Ollin Pan y Café
Panadería tradicional y café de especialidad
CDMX, México
instagram.com/ollin________

La entrada Ollin Pan y Café se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Durante muchos años, la fotografía fue para mí un espacio silencioso e íntimo, un lugar donde me detenía a contemplar momentos que, sin saber muy bien por qué, me cautivaban.

Últimamente he sentido la necesidad de volver a ese origen desde una mirada más consciente, preguntarme qué eligen ver mis ojos, por qué me detengo ante ciertas cosas y por qué algunas imágenes permanecen conmigo, y entender que muchas veces fotografiamos antes de saber nombrar aquello que estamos buscando.

Uno de mis proyectos más recientes fue Cartografías del cuerpo, realizado para una exposición colectiva con mujeres fotógrafas. Desde que tengo memoria he visto al cuerpo como un paisaje; me intrigan sus pliegues, sus sombras y su belleza imperfecta. Reuní fotografías de distintas temporalidades y las desplegué como un mapa íntimo, llevando el cuerpo de lo reconocible hacia la abstracción. La serie estuvo acompañada por cianotipias sobre papeles japoneses, buscando mostrarlo como algo ligero, fragmentado y fluctuante.

Actualmente trabajo en Atlas del tacto y Eduvina, dos proyectos atravesados por la memoria, su pérdida y el paso del tiempo. En Atlas del tacto retrato las manos de personas desconocidas en la ciudad y les pido que escriban un recuerdo o algo sobre ellas mismas, construyendo así un archivo colectivo de recuerdos desde el anonimato y la dualidad.

Eduvina nace desde un lugar mucho más íntimo. Mi abuela fue diagnosticada con Alzheimer hace algunos años y el proyecto parte de los vacíos que deja la pérdida de la memoria, de aquello que permanece y de aquello que poco a poco desaparece. También ha sido una forma de volver a nuestros recuerdos compartidos y observar cómo el espacio doméstico se transforma junto con la memoria.

Vuelvo mucho a la idea de que fotografiar también es una forma de recordar, reencontrarnos con nuestras raíces más sensibles.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
He aprendido que es importante observar y apreciar el trabajo de las personas que nos rodean sin convertirlo en una medida para compararnos. A veces puede ser complejo vivir en una ciudad con tanto talento como lo es la Ciudad de México, pero, al mismo tiempo, es muy lindo poder crecer colectivamente al lado de personas tan talentosas y aprender de sus procesos.

Aprendí también a valorar las conversaciones compartidas, los cuestionamientos y a no forzar los silencios creativos.

Y últimamente encuentro mucho al caminar por la ciudad sin buscar algo en particular.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Nostalgia, contemplación, soledad, memoria y silencio.

Me gusta pensar que la fotografía también puede habitar el silencio, que no siempre tiene que explicarlo todo y que puede dejar espacio para que cada persona se encuentre con una imagen desde un lugar distinto. Muchas veces el silencio es lo que abre la posibilidad de contemplar.

También venía mucho a mi mente la idea de que revisar nuestras propias vivencias puede ser un acto de compasión, una forma de aceptar el paso del tiempo.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Hay un cuento al que vuelvo constantemente en mis procesos creativos, El mundo, de Eduardo Galeano. En él, Galeano habla del mundo como “un mar de fueguitos” y de cómo existen algunos que arden con mayor fuerza; creo que eso se acerca mucho a lo que busco cuando tomo una fotografía, esos momentos o personas que, incluso sin conocerlas, me cautivan o intrigan y me hacen detenerme para contemplarlas.

Muchas veces trato también de volver a la poesía. Me gusta mucho reencontrarme en la nostalgia y escuchar la vida sensible de otras personas, entender el mundo a través de sus ojos. En ese lugar he encontrado mucha calma en la poesía de Idea Vilariño y Jaime Sabines.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Entender que los procesos tienen su propio tiempo y que podemos pausar un proyecto para luego poder reencontrarnos con él. A veces también es necesario dejarlo descansar y volver a él desde otro lugar.

Creo que también ha sido difícil poder trabajar a través del duelo. Eduvina me ha enfrentado a recuerdos y emociones muy personales, pero también me ha enseñado que del dolor pueden surgir imágenes capaces de cuidar una memoria y honrarla. Me interesa pensar que fotografiar también puede ser una forma de acompañar aquello que estamos perdiendo y de encontrar belleza a partir del dolor.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Desde que llegué a la Ciudad de México, ha sido muy difícil para mí poder encontrar un espacio donde me permitiera aislarme de todo y de todos, poder escribir, recordar o simplemente estar sola con mis pensamientos.

La ciudad me inspira muchísimo, pero también puede ser difícil encontrar espacios donde realmente exista silencio.

Hace un par de semanas encontré Jellyfish, un sitio que se convirtió muy rápido en uno de mis lugares favoritos; es un espacio donde te puedes sentar, descubrir libros y tener pláticas íntimas y efímeras.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Quizá se llamaría Habitar el silencio.

El soundtrack lo haría Sigur Rós; creo fielmente en escuchar la música no solamente como algo que existe de fondo, sino como algo intencionado, que se elige para acompañar ciertos momentos de la vida.

Untitled #3 es una canción que me ha acompañado desde hace muchos años. Hay algo en ella que siempre me lleva a imaginar historias que se entrelazan, como si distintas vidas coincidieran por un instante dentro de algo más grande.

Cada vez que vuelvo a escucharla, aparecen imágenes distintas, nuevas historias. Me parece muy especial que una canción pueda seguir abriendo mundos e historias que antes no estaban ahí.

Me encantaría que la canción que sonara al terminar estuviera hecha por Ólafur Arnalds, Nils Frahm y Hania Rani. He sentido una conexión muy particular con su música estas últimas semanas.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Este último año he colaborado en la producción de esculturas con Marianna Dellekamp, una artista que admiro desde hace mucho tiempo. He aprendido mucho en este camino y me encantaría seguir colaborando con más artistas como ella en el futuro.

Me interesa especialmente comenzar a trabajar con escritoras y explorar cruces entre fotografía y lírica. También me gustaría hacer residencias artísticas en otras ciudades, conocer otros contextos y poder conectar con personas lejanas a mí.

En cuanto a talleres fotográficos, para mi última exposición realicé mis trabajos de impresión con FOCO Lab. Tienen un trabajo impecable.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Hace un par de meses visité El espacio vientre, de Delcy Morelos, y me conmovió profundamente la manera en que construye una atmósfera sensorial a partir de la tierra, el cuerpo y el espacio. Me interesa mucho esa relación de respeto y escucha con la materia.

También admiro mucho el trabajo de Ana Hop y todo lo que representa su fotografía, pero especialmente el proyecto que realizó sobre su tía Arminda por la sensibilidad con la que aborda el duelo y la memoria desde un lugar tan íntimo.

Graciela Iturbide siempre será una referencia fundamental para mí, por la profundidad de su mirada y por todo lo que ha significado para la fotografía mexicana.

Andrea Dorantes
Fotógrafa. Su práctica explora la memoria, el cuerpo y la poética de lo cotidiano.
instagram.com/andydorvel

La entrada Habitar el silencio se publicó primero en ERRR MAGAZINE.

¿Cómo nació este proyecto y qué lo hizo diferente desde el principio?
ERAN empezó cuando regresé a la Ciudad de México después de vivir algunos años en Milán. Al empezar a buscar piezas para mi propia casa, fui descubriendo que tenía un gusto mucho más ecléctico de lo que yo misma había pensado. Me gustaba mezclar épocas, materiales y descubrí mi amor por los objetos antiguos.

Al mismo tiempo, en Instagram empecé a encontrar una comunidad de personas que no solo entendía esa forma de ver los espacios, sino que también encontraba belleza en las mismas cosas que yo. Fue descubrir que había otras personas que compartían esa sensibilidad y que también buscaban rodearse de objetos con carácter, historia y personalidad.

ERAN nació de ese encuentro: de una búsqueda muy personal que terminó convirtiéndose en un lugar donde encontré a gente que veía belleza en las mismas cosas que yo.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutan más quienes forman parte?
Creo que disfrutamos tanto la parte de encontrar como la de diseñar, porque en ERAN el proceso es completamente colaborativo. Cada pieza se va construyendo entre todos y la opinión de cada persona que participa es importante.

Carlos, el carpintero con el que trabajamos, está involucrado desde la primera idea de una pieza y respeto muchísimo su opinión y la manera en la que entiende la madera. Lo mismo sucede con Cutberto, nuestro tapicero, y con Manola, mi principal colaboradora. Cada uno aporta desde lo que sabe y desde su propio oficio, y muchas veces son esas conversaciones las que terminan llevando la pieza por un camino que no habíamos imaginado al principio.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Creo que uno de los desafíos más importantes fue el brinco entre restaurar piezas antiguas y empezar a diseñar nuestras propias piezas. Al principio nos dio mucho miedo. Tuvimos unos meses muy lentos en ERAN y, un poco para salir de esa etapa y volver a divertirnos, decidimos crear nuestra primera colección de muebles inspirados en libros.

Empezó como un capricho, casi como un experimento, y terminó siendo una de las cosas más importantes que hemos hecho y una de nuestras colecciones más icónicas. Nos enseñó que muchas veces los momentos de incertidumbre son los que te empujan a hacer algo que no te habrías atrevido a hacer de otra manera.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Creo que lo literario siempre va a ser una influencia central en mi práctica. ERAN nace, en gran parte, de la unión de dos de mis grandes pasiones: leer y diseñar. Me interesa cómo una historia, un personaje o incluso una frase pueden convertirse en una forma, un material o un espacio.

Aunque muchas veces no lo comparto, muchas de nuestras piezas tienen pequeños pedacitos escondidos de mis libros favoritos. Son referencias muy personales que forman parte de las piezas, aunque no siempre sean evidentes para quien las ve.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Últimamente, una de las personas que más me inspira es Carlos, el carpintero con el que llevo trabajando cinco años. Tiene un respeto enorme por lo que hace y una ética de trabajo que admiro muchísimo. He aprendido mucho de él, no solo sobre la madera y el oficio, sino sobre la importancia de hacer las cosas bien y con cuidado.

Creo que gran parte de lo que hoy es ERAN también viene de trabajar durante tanto tiempo con personas que sienten ese mismo respeto por lo que hacen.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaría a Charles Bukowski. Me gustaría ir con él a ver carreras de caballos, tomar unas cervezas y que se burlara un poco de mí por tomarme las cosas tan en serio. Creo que me vendría bien que alguien como él me dijera que me alivianara tantito.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia del proyecto?
Creo que el ritual es buscar esa emoción en la panza. Cuando estamos haciendo una pieza, siempre estamos buscando llegar a ese momento en el que nos emociona de verdad, en el que la vemos y pensamos: “qué ganas de enseñársela a todo el mundo”.

Para mí, esa emoción es una señal de que llegamos a algo que vale la pena. No queremos hacer piezas que simplemente nos parezcan bonitas; queremos hacer cosas que nos den ganas de presumir, de fotografiar y de compartir. Creo que esa emoción es una parte muy importante de lo que define a ERAN.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Si ERAN fuera una ciudad, sería la Ciudad de México. Una ciudad donde la luz y la oscuridad conviven, llena de tesoros que muchas veces solo necesitan verse bajo otra luz para revelar su belleza. Donde lo nuevo y lo viejo conviven todo el tiempo, sin pedir permiso.

Y, sobre todo, una ciudad donde hay espacio para el humor; donde podemos reírnos de todo, incluso de nosotros mismos. Creo que ERAN tiene mucho de eso: encontrar belleza en lugares inesperados y mezclar lo que aparentemente no pertenece junto.

Fernanda Díaz
Fundadora de ERAN
Handcrafted furniture
instagram.com/eran.mx

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Estoy trabajando en mi primer proyecto editorial independiente. Documenté con cámara análoga todo el proceso oncológico de mi madre (4 meses), desde su diagnóstico hasta su muerte, y ahora estoy produciendo la maqueta para presentarlo a editoriales. En esta particular convocatoria comparto solo extractos de este trabajo, disparos de mis momentos a solas, reflejos de mi proceso interno.

Como fotógrafo documental busco las narrativas que quedan a la sombra: temas y personajes cubiertos por el tabú o ignorados por la mirada tendenciosa de los medios. También hago fotografía deportiva, donde busco abstracciones en un mundo que parece ya fotografiado por completo.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Desaprendí la fotografía digital. Este proyecto fue mi primera producción análoga; sentía que era la herramienta adecuada para lo que estaba viviendo. Aprendí a darle valor al disparo, al error, a la espera, a la materialidad y a lo efímero de la vida humana.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Mamá moría, y yo salía a hacer lo único que sé hacer: buscar la luz en la oscuridad. La obsesión por la abstracción, motor de la palanca de mi cámara.

Análogo, porque la vida real no es digital. Mi existencia es finita: se toman decisiones —a veces 24 o 36—, los recuerdos son borrosos, imperfectos, y de pronto perder el foco es lo más orgánico.

Los no lugares, mis nuevos templos; el constante sinsentido, mi mejor amigo.

Mientras tú dabas tus últimos suspiros, yo tiré mis primeros cuadros. Hubo sombra, pero también escala cromática. Hubo un fin, pero también un comienzo.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Libro: En la naturaleza las cosas crecen, Yiyun Li, por la manera en que se relaciona con la muerte como artista, por la crudeza de la vida y por esa caída libre que se siente al estar en el limbo.

Poema: Nothing Gold Can Stay, Robert Frost. Yo mismo sobreviví al cáncer, y mientras cuidaba a mi mamá en sus últimos días, este poema fue mi mantra diario.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
El síndrome del impostor: creer que mi visión puede tener un valor para el mundo.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Café Donceles en Cancún. Muy pequeña cafetería ubicada en una zona verdaderamente cancunense, lejos del turismo y de la pose. Tienen una pequeña librería con títulos documentales de Cancún y sus orígenes (tema que me apasiona). Su flat white es tremendo.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
“Habitando el limbo”, con soundtrack de Gustavo Cerati.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Revelo y digitalizo con Foto Hércules. Formo parte de la mesa de trabajo de Iara Kremer (Argentina), con quien colaboro cada mes a distancia. Me gustaría trabajar con revistas y editoriales independientes nacionales como Hydra, e internacionales como MACK.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
W. Eugene Smith, por su entrega total al oficio y su elección de temas; es el padre del ensayo fotográfico y un maestro de la secuencia y narrativa visual. Alec Soth, por su incursión en el mundo editorial y su amor por el libro fotográfico. Sergio Larrain, por su misticismo y por ser un referente latinoamericano de la fotografía mundial.

Sebastián Azcárate
Fotógrafo documental y escritor. Con estudios en fotoperiodismo y proyectos documentales por la Facultad de Artes y Diseño (UNAM).
instagram.com/sebazcarate_

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