En Studio Lazcano, el espacio también forma parte del proceso. Durante su residencia, Jennifer Laflamme y Blanca Espasa trabajaron juntas desde lenguajes distintos, dejando que sus respectivas investigaciones sobre materia, cuerpo y percepción encontraran una relación con el lugar y entre sí. El resultado reúne pinturas y textiles de Laflamme junto a las esculturas de Espasa, piezas que, aunque parten de procesos diferentes, comparten una atención particular a aquello que sucede mientras una obra toma forma.

Laflamme trabaja con textiles, pintura y pigmentos naturales, explorando el comportamiento del color y la memoria que pueden conservar los materiales. Sus pinturas construyen espacios liminales, lugares que parecen existir entre la memoria y la imaginación, y que se relacionan con su interés por reconstruir mundos que no pudo experimentar por completo. Espasa, por su parte, desarrolla una práctica escultórica basada en la experimentación y en formas biomórficas que establecen relaciones entre estructuras naturales, espacio y cuerpo. Durante la residencia, ambas trabajaron a partir de las condiciones particulares de Studio Lazcano y del ritmo más pausado que encontraron en el sur de la ciudad, pensando también en cómo sus piezas podían relacionarse dentro del espacio.

El resultado de la residencia se presentó el sábado 3 de octubre en Studio Lazcano. Durante la semana siguiente, el espacio permanecerá abierto al público mediante cita previa.

Para conocer mejor las investigaciones que atraviesan este encuentro, conversamos con ambas artistas sobre sus procesos, la relación que mantienen con los materiales, la memoria, el cuerpo y aquello que puede surgir cuando una obra se desarrolla en diálogo con un lugar.

Jennifer Mifi Laflamme

La práctica de Jennifer Laflamme se sitúa entre el textil y la pintura. A través de pigmentos naturales y procesos de teñido aprendidos en Japón, trabaja con materiales cuyo comportamiento no puede controlarse por completo. La luz, el tiempo, el ambiente y el contacto con el cuerpo continúan transformando sus piezas incluso después de terminadas.

Su trabajo también explora espacios liminales: lugares imaginados que se encuentran entre la experiencia y la memoria, entre aquello que se recuerda y aquello que se reconstruye. Laflamme ha descrito sus pinturas como mundos imaginados, construidos a partir de una relación compleja con el lugar, la cultura y su propia memoria. En sus textiles, esta búsqueda se extiende hacia materiales que ya contienen historias, marcas y huellas de quienes estuvieron en contacto con ellos.

Para Mifi, trabajar con estos elementos implica aceptar sus propios ritmos y permitir que algo inesperado permanezca en la obra. El resultado son piezas que no parecen completamente estáticas, sino abiertas a seguir cambiando con la luz, el tiempo y la presencia de quien las observa.

Tu práctica parte del textil y del teñido natural. ¿Qué te atrae de trabajar con materiales cuyo resultado final nunca puede controlarse por completo?
Me atrae que los materiales tengan sus propias vidas y ritmos. Cuando tiño, raspo, doblo o pinto una tela, dejo una huella, pero el tejido continúa cambiando y evolucionando después. Los tintes naturales también se comportan de manera diferente dependiendo del material y de las condiciones, así que siempre existe un elemento de experimentación e imprevisibilidad.

Me veo trabajando junto a los materiales, en lugar de intentar controlarlos por completo. Esto comenzó cuando aprendí sobre el teñido natural en Japón y empecé a pensar en las plantas no simplemente como fuentes de color, sino como seres con los que estaba interactuando y de los que estaba aprendiendo. Me interesa permitir que esa relación permanezca visible en la obra.

Estudiaste y trabajaste con técnicas de teñido en Japón. ¿Cómo transformó esa experiencia tu manera de aproximarte al color y al proceso?
Aprender teñido natural en Japón cambió por completo mi manera de entender el color y el proceso. Estudié con personas que llevaban mucho tiempo trabajando con estas técnicas y aprendí a pensar en las plantas como organismos completos, incluyendo su relación con el cuerpo y sus posibles beneficios para la salud.

También trabajé con textiles tradicionales, algunos de cientos de años de antigüedad y teñidos con tintes naturales. Me sorprendió lo vibrantes y complejos que podían ser sus colores. Esa experiencia despertó en mí un interés particular por la seda, por la manera en que recibe y refleja el color, por los degradados que puede crear y por esa cualidad casi luminosa que adquiere.

Desde entonces, mi proceso se ha vuelto muy experimental. Puedo comenzar con un color determinado y pasar semanas o meses buscando cómo conseguirlo con distintos materiales. A menudo trabajo en varios proyectos al mismo tiempo porque siento que cada pieza tiene su propio tiempo y ritmo.

En tu trabajo, la luz, el tiempo y la temperatura continúan transformando la materia. ¿Piensas en la obra como algo que sigue evolucionando después de estar terminada?
Por supuesto. Pienso en los materiales como seres vivos. Incluso después de que una pieza ha sido teñida o terminada, el tejido continúa cambiando. La luz, el entorno y las personas que interactúan con él pueden modificar su apariencia y su textura.

También pienso en las historias que los materiales ya contienen. Cuando trabajo con telas antiguas, me fascinan las marcas que han dejado las personas que estuvieron en contacto con ellas. Deshacer costuras que habían sido hechas cientos de años atrás se sentía como una forma de viajar en el tiempo. En ese sentido, la obra nunca está completamente separada de las huellas de todo aquello que la ha tocado.

También me gusta dejar algunas cosas crudas o inacabadas. Un borde deshilachado, por ejemplo, me recuerda que los materiales están sujetos al cambio y al deterioro. Me interesa esa sensación de movimiento continuo, en lugar de un objeto completamente fijo o resuelto.

También trabajas con prendas y textiles recuperados. ¿Qué cambia cuando un material pasa de ser algo que observamos a algo que entra directamente en contacto con el cuerpo?
Cuando alguien usa una de mis piezas, lo veo como una colaboración entre el cuerpo y el tejido. La prenda ya tiene su propia vida, espíritu y movimiento, y deja nuevas marcas y huellas. Cada persona que la usa se convierte en una parte más de su historia.

La forma del cuerpo estira el tejido, mientras que los aceites naturales de la piel, los aromas y el movimiento dejan nuevas marcas y huellas. Cada persona que usa una pieza aporta algo a ella. Al mismo tiempo, la prenda tiene una vida incluso cuando nadie la está usando.

También me interesa recordar a las personas que estos materiales son valiosos y requieren cuidado. Cuando vivimos en un mundo de consumo acelerado, podemos desconectarnos del trabajo, la fragilidad y la historia contenidos en los textiles. Quiero que las personas sean conscientes de aquello con lo que están interactuando físicamente y que puedan vivir con las piezas, en lugar de simplemente verlas como objetos.

Tu práctica está atravesada por tu herencia japonesa y coreana. ¿Cómo aparecen estas referencias en tu trabajo sin convertirse necesariamente en representaciones literales?
Mi historia personal es compleja y tiene mucho que ver con mi relación con el lugar y la cultura. Nací en Japón; mi padre es canadiense y mi madre es coreana. No intento necesariamente representar esas culturas de manera literal. En cambio, mi trabajo se convierte en una forma de explorar los vacíos y las incertidumbres de mi propia memoria cultural. A menudo describo mis pinturas como mundos imaginados porque intento construir o reconstruir un lugar que no tuve el tiempo suficiente para experimentar plenamente mientras crecía.

También hay cosas que no comprendo por completo, especialmente cuando se trata del lenguaje y de ciertas sutilezas culturales. Puedo interpretar algo de una manera que no sea completamente precisa o culturalmente “pura”, pero esa incertidumbre forma parte del trabajo. Intento comprender estas dinámicas culturales complejas en lugar de presentar una representación definitiva de ellas.

¿Qué descubriste durante tu residencia en Studio Lazcano que quizá no habría surgido trabajando de manera independiente?
La residencia me dio la oportunidad de pensar en la obra más allá del objeto individual y de considerar cómo un entorno completo podía convertirse en parte de la práctica. Trabajar alrededor de otras personas, materiales y un espacio ya existente puede generar relaciones y posibilidades que son más difíciles de encontrar cuando se trabaja a solas.

Cada vez me interesa más la idea de que mis piezas puedan hablar entre sí y con su entorno, que los colores puedan fluir de un objeto a otro, que los tejidos puedan responder a la luz y al espacio, y que una exposición no tenga que permanecer estática. Me gustaría crear ambientes en los que las personas puedan literalmente entrar en el mundo de la obra.

Tus pinturas construyen espacios que has descrito como mundos imaginados y espacios liminales. ¿Qué te interesa de crear lugares que parecen existir entre la memoria, la imaginación y la experiencia?
Pintar me permite conectar con mi espíritu y dejar que el color, las imágenes y las emociones aparezcan intuitivamente. Para mí, es un acto de entrega, confianza y conexión con una creatividad infinita.

La pintura se convierte en una forma de construir mundos imaginados donde pueden coexistir recuerdos, sueños e historias ancestrales. Entiendo el proceso como una forma de escucharme y permanecer abierta, en lugar de intentar controlar el resultado. Los colores y las imágenes surgen intuitivamente y, a través de las capas y la relación con el material, la pintura adquiere su propia vida.

La memoria es porosa y cambia constantemente, y siento que las capas y transparencias pueden capturar aquello en la memoria, el olvido y lo que existe entre ambos. A veces no sé qué estoy haciendo hasta que ya estoy dentro de la obra. Para mí, esa incertidumbre es parte del proceso: una forma de conectar con algo más allá de mí y permitir que un mundo imaginado aparezca.

Blanca Espasa

La práctica de Blanca Espasa parte de la escultura y de una constante experimentación con distintos materiales y procesos. Sus formas biomórficas surgen de un imaginario en el que conviven estructuras naturales, huesos, conchas y ornamentos de carácter religioso, pero también de una pregunta por aquello que conecta el espacio, la materia y la experiencia del cuerpo.

En su proceso, el material tiene un papel activo. Sus características determinan las posibilidades de cada pieza y orientan las decisiones que toma durante su elaboración. Las huellas de ese proceso permanecen visibles en las esculturas porque, para Espasa, el proceso es tan importante como la obra terminada. Esta relación con el cuerpo también aparece en su trabajo de joyería, que entiende como una forma de “escultura habitable”.

Durante la residencia en Studio Lazcano, estas investigaciones se encontraron con las condiciones particulares del espacio y con el trabajo de Laflamme. Las pinturas y textiles, más ligeros y volubles, dialogan con las esculturas de Espasa, pesadas y enraizadas, componiendo juntas una distribución particular del espacio.

Tu práctica parte de la escultura, pero también de una constante experimentación con materiales y procesos. ¿Qué papel juega el material en las decisiones que tomas durante el proceso?
A través de las características que cada material posee, durante el proceso, me va indicando cómo trabajarlo. Se trata de un proceso muy intuitivo, de cómo llevar el material a los límites que este me permita, ya sea repujando el metal, estirándolo, fundiendo ceras muy finas para que salga la plata muy delicada y maleable, o experimentando con materiales bio, como el bioplástico, que dependiendo del molde donde lo vierta adquiere más o menos transparencia.

Muchas de tus formas tienen un carácter biomórfico y parecen encontrarse entre lo natural y lo construido. ¿De dónde surge tu interés por estas estructuras?
El interés por estas estructuras y construcciones surge de una imagen que comparten uniones de conchas, uniones entre huesos, ornamentos de carácter religioso, es una mezcla de imágenes que me han acompañado durante mi vida, por las que siempre he tenido especial fijación, ya que para mí entrelazan las conexiones entre la escultura y cómo nos posicionamos respecto a las obras. Es todo aquello que compone espacio, materia y vivencia. Me gusta mucho el término fascia, que usa la investigadora Isabel de Naverán para describir este hilo que todo une, presencia, espacio y cuerpo.

En tus esculturas permanecen visibles las huellas de su elaboración. ¿Qué significa para ti conservar el gesto y las marcas del proceso dentro de la pieza terminada?
Es muy importante para mí dejar visible la huella del proceso porque es inherente de la propia pieza, el proceso es igual o más importante que la obra acabada.

Has llevado algunas de estas formas a la joyería en plata. ¿Qué sucede cuando una forma que originalmente ocupa el espacio se convierte en un objeto que acompaña directamente al cuerpo?
Tuvo mucho sentido empezar a hacer piezas de joyería porque son esculturas habitables. Adapto las ceras que luego fundo al cuerpo, igual que las piedras que luego engasto. Es otro tipo de proceso escultórico, ligado directamente a la interacción con los cuerpos.

¿Cómo entiendes la relación entre intuición y experimentación dentro de tu proceso de trabajo?
La experimentación junto con la intuición van de la mano, una lleva a la otra. La intuición guía el proceso y a su vez conduce a la experimentación.

¿Qué lugar ocupó la residencia en Studio Lazcano dentro del desarrollo de las piezas que ahora se presentan?
El desarrollo de las piezas que se presentan en este open studio ha estado marcado por la vinculación con el sur de la ciudad. Un ambiente más pausado, pudiendo desarrollarlas con esta tranquilidad. Están pensadas para el espacio, que junto con las piezas de Mifi, dialogan entre sí. Las pinturas son ligeras y volubles, mientras que las esculturas pesadas y enraizadas, juntas se componen y distribuyen los espacios en Studio Lazcano.

El trabajo realizado durante la residencia deja ver dos maneras distintas de acercarse a la materia, pero también una preocupación compartida por aquello que ocurre cuando una obra entra en relación con el cuerpo y con el espacio. En Studio Lazcano, sus piezas no solo conviven: modifican la manera en que el lugar puede ser recorrido, observado y habitado.

Studio Lazcano
Private home & residency in San Angel Inn
Mexico City, Mexico
instagram.com/studiolazcano

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¿Cómo nació “Nada”: con una imagen, una frase, una melodía o algo más?
Estábamos Rodrigo Blanco y yo en el estudio improvisando, y la canción salió de ese ejercicio que hicimos juntos. A partir de ahí empecé a desarrollar la melodía, la letra y la estructura hasta que fue tomando forma.

¿Quiénes trabajaron o colaboraron en esta canción y cómo contribuyeron a su creación?
Yo escribo todas mis canciones y suelo desarrollar ideas que a veces nacen de ensayos o improvisaciones en el estudio. Rodrigo Blanco (Rey Pila) fue mi principal colaborador en este EP. Pasamos un tiempo juntos en Los Ángeles trabajando las canciones y grabó conmigo en Valentine Recording Studios.

Esta canción en particular fue cobrando vida durante los ensayos con mi banda en Los Ángeles antes de entrar a grabarla a cinta. Paige Stark de Tashaki Miyaki tocó la batería, Rodrigo y yo las guitarras, Américo Jones grabó el slide y Nic Jodoin estuvo a cargo de la producción y la mezcla.

¿Cuánto tiempo tardó en tomar su forma final?
La canción tomó forma bastante rápido, en un par de días. Después vino aproximadamente una semana de mezcla y finalmente una sesión de mastering. Tardó más la logística de sacar la canción que su creación en sí.

¿Hay alguna referencia o influencia directa (otra canción, libro, película) que esté presente en esta canción?
No hay una referencia directa, pero musicalmente diría que hay algo del universo de Mazzy Star y Sinéad O’Connor.

¿Qué otras canciones o proyectos vienen a continuación?
Esta canción forma parte de Palabras en un Bar, el EP que sale antes de cerrar el año.

¿Con qué compositorxs, músicxs, bandas, productorxs y estudios te gustaría colaborar en un futuro?
La verdad es que no pienso tanto en términos de con quién sueño colaborar. Cada vez me interesa más producir mi propia música y trabajar con amigos y músicos que admiro. Mi fantasía sería tener el presupuesto para entrar a un gran estudio, trabajar con una ingeniera como Laura Sisk y poder experimentar sin tantas limitaciones: meter todos los instrumentos que se me ocurran, invitar a toda la gente que admiro y con la que añoro colaborar y llevar la producción a lugares a los que, por límites de presupuesto, nunca he podido llegar.

Marion Raw
Canta
instagram.com/marion

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¿Cómo nació Tam-piko y qué lo hizo diferente desde el principio?
Tam-piko nació de la necesidad de inventarse un sueño para seguir aquí, una chispa que comenzó en Puebla y tomó forma al volver a casa. El proyecto se originó en la cocina de un departamento, probando recetas de prensa francesa e infusiones de cold brew con frutas y granos de allá, fuertemente inspirado por las barritas de especialidad que descubrimos en Puebla. Lo que nos hizo diferentes desde el principio fue que no nacimos de un frío plan de negocios, sino de la búsqueda de un propósito: transformar esa influencia poblana y la nostalgia del regreso a Tampico y el bolero en una pequeña barra con identidad propia, pero con influencias de dos lugares muy diferentes.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutas más?
La parte de experimentar y probar con granos diferentes, ya sea probando una receta diferente o nueva para una bebida de la barra, o practicando mis vertidos en V60. Me relaja muchísimo poder terminar mi día con ese ritual: prepararme un vertidito o un latte bien hecho mientras escucho música. Al final de la jornada, ese momento es todo lo que necesito.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
El piloncillo latte. Es una bebida que empezó siendo de prueba y con el tiempo se volvió algo muy personal. Hasta el momento seguimos trabajando en la receta, pero estoy muy cerca de conseguir que se sienta como algo familiar. Creo que esa bebida encapsula por completo la idea inicial de Tam-piko.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que te haya hecho replantearte algo sobre Tam-piko?
El mayor desafío con el que nos hemos topado hasta el momento es que actualmente somos una barra nómada o móvil. Si bien ese concepto y el de barra de especialidad no son nuevos en la zona, el reto ha sido cómo llevar la calidez de este proyecto a todos lados, por lo menos en lo que conseguimos un lugar fijo para establecernos. No somos ni la primera barra móvil de la zona, ni la primera barra de especialidad, entonces nos toca replantearnos constantemente cómo ganarnos un lugar en el día a día de las personas y cómo transmitir nuestra propia esencia en un formato que siempre está en movimiento.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que haces hoy?
Me sigue guiando la idea fija de que necesitamos inventarnos sueños para poder seguir avanzando. En cuanto a referencias, el rumbo de lo que hago hoy está marcado por los pilares sobre los cuales hoy se sostiene Tam-piko: el haber conocido el café de especialidad en Cucurru Café allá en Puebla, y el ver a personas construyendo sus propias historias en Ristrettos Coffeeshop cuando regresé a Tampico. Esas experiencias y el amor por lo que hacen son las influencias que mantienen viva la esencia de este proyecto.

¿Qué lugar, proyecto o persona te ha inspirado últimamente y por qué?
Últimamente me inspiran mucho las barritas locales de café de especialidad que siempre están innovando en lo que hacen en barra, ya sea con menús, bebidas, vertidos, en catas o conceptos. También me inspira un proyecto muy bonito llamado Tlacoyo Café, que me invita a realizar cuestionamientos sobre mi propio proyecto para seguir creciendo, mejorar la propuesta y encontrar nuevas formas de conectar con las personas a través de lo que hacemos.

Si Tam-piko pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Colaboraría con Cucurru Café. Me gustaría realizar una bebida en colaboración con ellos que tenga toda la esencia de esta parte del país, algo que diga “hecho en Tampico”, que sea reconocible pero adaptado a la zona de Puebla; y me gustaría realizar algo a la inversa con ellos, algo que les diga a las personas “esto es Puebla”. Sería la manera perfecta de cerrar el círculo: conectar a través de los sabores el lugar donde conocí el café con el lugar donde decidí regresar a construir mi propio proyecto.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Mi prensa francesa. En ella preparé mis primeros cafés y experimenté con mis primeros granos de especialidad, mis primeros vertidos, infusiones y cold brews en aquella cocinita de Puebla. Por el momento la dejé de usar, pues me enfoqué un poco más en otros tipos de vertidos y recetas, pero la conservo como parte de la barra, pues con ella empezó todo esto. Es el recordatorio físico del inicio de este sueño.

Si Tam-piko fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería el disco Amor de Eydie Gormé y Los Panchos. Asocio mucho este proyecto con el bolero. Crecí escuchando a Los Panchos en una vieja radio mientras las mañanas de domingo olían a café. Creo que ese álbum encapsula perfectamente todo lo que para mí significa Tam-piko: la calidez de la nostalgia, el romance de los inicios y esa sensación familiar de hogar que busco transmitir en este proyecto.

José Arturo Monsivais de la Cruz
Fundador y propietario de Tam-piko
Cafetería de especialidad
Tampico, México
instagram.com/tam_pikocafe

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¿Cómo nació “Pétalos”: con una imagen, una frase, una melodía o algo más?
“Pétalos” retrata una imagen: la caída de dos pétalos. Melodía y letra cayeron de un tirón, con el pulso de esa imagen. Tardé en escribirla lo que tardé en cantarla. Y esa idea (la caída de algo hermoso) se plasmó en dos sentidos: el viaje en caída de un pétalo que se conduce entero, bello y frágil hasta el piso, y por otro lado, la caída de letra y melodía, que a su vez se apagan con el final de la canción. La finitud de la belleza, o esa sensación agridulce de “amo tanto que no quiero que termine”.

¿Quiénes trabajaron o colaboraron en “Pétalos” y cómo contribuyeron a su creación?
La hicimos Bruno Giroldi, productor, y yo. La llevé escrita y ya planteada en una batería. El ritmo ya era parte de esta caída. La produjimos juntos en el estudio, grabé pianos y guitarras y luego vinieron dos amigas a hacer coros: Maga Pascansky y Julieta Pietrowski, quien venía a fotografiar y terminó cantando. Me encanta hacer eso.

¿Cuánto tiempo tardó en tomar su forma final?
Esta canción ya nació muy consciente de su forma. No nació desnuda o escrita en papel, sino con su vestimenta única.

¿Hay alguna referencia o influencia directa que esté presente en “Pétalos”?
“Pétalos” es una foto para mí. Y eso hace que la imagen sea tan propia y pese tanto que no encuentro más referencias fuera de ese sistema. Aunque durante este proceso sí me encontré pensando en la sensación de engancharse con un libro que te atrapa: querés más, pero sabés que cuanto más querés, más rápido terminará. Quizás el hecho artístico en sí fue mi referencia.

¿Qué otras canciones o proyectos vienen a continuación?
Este año saco un disco, es el pop. Pétalos fue el primer adelanto.

¿Con qué compositorxs, músicxs, bandas, productorxs y estudios te gustaría colaborar en un futuro?
Hay un artista de España que se llama Roy Borland que me gusta mucho. Produce, escribe, toca, y creo que es un gran orquestador de sus aristas en función de sus resultados. También me encanta cómo escribe Adrianne Lenker en solista y en Big Thief, encuentro un encaje perfecto entre sonido-palabra de todo lo que hace. Estuve escuchando mucho el último disco de Billie Marten también. Y podría mencionar más: The Cure, The War on Drugs, algo solista de Kurt Vile. Quizás hoy, a la hora de referencias, presto más atención al mundo anglo y eso me impide verme colaborando tan fácilmente. Pero sueño con entrar al estudio y atestiguar los procesos de todos estos admirados.

Josearmen
Songwriter, music journalist
instagram.com/josearmen

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¿Cómo nació Temazcal en Moxy Tulum y qué lo hizo diferente desde el principio?
La experiencia de Temazcal en Moxy Tulum nació como una forma de conectar la propuesta contemporánea y social de la marca con las raíces espirituales y culturales de la región. Desde el inicio se distinguió por ser el primer hotel de la marca Moxy en incorporar un Temazcal como parte integral de su experiencia de hospitalidad, permitiendo a los huéspedes acceder a una tradición ancestral maya en un entorno moderno y accesible.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Uno de los momentos más especiales ocurre cuando los participantes atraviesan las cuatro puertas de la ceremonia. Es el instante en el que se crea una conexión profunda entre la energía de la selva, los elementos naturales y el proceso personal de reflexión y renovación que vive cada visitante. La experiencia requiere de una cita previa y está abierta de lunes a domingo, de 9:00 a 18:00 h.

Si alguien entra por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Definitivamente, la experiencia completa del ritual. Desde el ingreso al recinto ceremonial hasta el momento final de relajación con frutas frescas, agua y una tina refrescante, cada etapa está diseñada para generar una sensación de transformación y bienestar integral.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el Temazcal en Moxy Tulum?
El principal reto ha sido preservar la autenticidad de una tradición ancestral dentro del contexto de un hotel contemporáneo. Esto impulsó al equipo a encontrar un equilibrio entre el respeto por las prácticas tradicionales mayas y las expectativas del viajero moderno que busca bienestar, experiencias auténticas y conexión cultural.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
La sabiduría de las tradiciones mayas continúa siendo la principal inspiración. La idea de que el bienestar va más allá de lo físico y debe incluir el equilibrio emocional, mental y espiritual sigue guiando cada experiencia que se ofrece.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Más que una persona específica, la inspiración proviene de la propia Riviera Maya y de las comunidades que han preservado estas tradiciones ancestrales durante generaciones. Su capacidad para mantener vivo este legado cultural es lo que da sentido y autenticidad al proyecto.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Nos encantaría colaborar con un experto en medicina tradicional maya o un guía espiritual de la región para profundizar aún más en la comprensión cultural del Temazcal y enriquecer la experiencia educativa y de bienestar para los participantes.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Pocos saben que las cuatro puertas del ritual representan diferentes etapas de limpieza, reflexión y renovación. Cada una simboliza una parte del viaje interior que realiza el participante durante la ceremonia.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería un libro de viaje interior. Una obra que combina tradición, autoconocimiento y transformación personal, donde cada capítulo representa una etapa distinta del camino hacia el equilibrio y la reconexión con uno mismo.

Temazcal
Moxy Tulum, México
instagram.com/moxytulum

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¿Cómo nació Louisonce y qué lo hizo diferente desde el principio?
Louisonce nació de las ganas de hacer las cosas a mi manera. Siempre me ha interesado cruzar conceptos que normalmente no son existentes: el western, el streetwear, el vintage y la moda contemporánea.

Nunca me interesó hacer cosas demasiado correctas. Me gusta que las piezas tengan carácter, que sean protagónicas, que tengan algo inesperado. Louisonce es eso: una mezcla de referencias, obsesiones y ganas de hacer ruido.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutas más?
Cuando una idea que parecía medio absurda termina convertida en una pieza, una imagen o una campaña que tiene coherencia con lo que es Louisonce.

También está esa parte de ver a alguien adaptando Louisonce a su estilo. Ahí es cuando deja de ser mío y empieza a tener vida propia. Eso me encanta.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que te haya hecho replantearte algo sobre Louisonce?
Entender que crecer no necesariamente significa hacer más, sino hacer cosas que realmente tengan impacto con un carácter Louisonce.

Louisonce empezó desde la experimentación y seguirá teniendo esa libertad. El reto es encontrar el balance entre hacer piezas que me emocionen creativamente y construir algo que pueda mantenerse en el tiempo, sin perder lo que lo hace diferente.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que haces hoy?
La mezcla de conceptos y códigos. Me interesa mucho tomar algo que tiene una historia muy marcada, como una hebilla western, una bolsa de piel o un acabado vintage, y llevarlo a otro contexto.

Me gusta esa tensión entre lo rudo-sofisticado, lo tradicional-urbano. No me interesa que todo combine perfectamente; me interesa que las cosas tengan personalidad y carácter.

¿Qué lugar, proyecto o persona te ha inspirado últimamente y por qué?
Nueva York ha sido una referencia muy importante para mí. Es una ciudad que cambia radicalmente con las estaciones, y eso me hizo pensar mucho en cómo diseño los objetos y en su relación con el tiempo.

Me interesa crear piezas que puedan vivir en todos esos cambios, que no dependan de una temporada para poder usarlas. Objetos que puedas usar en invierno, en verano o años después y que sigan teniendo carácter.

Por otro lado, CDMX tiene un ritmo distinto, mucho menos marcado por las estaciones. Me gusta ese contraste entre ambas ciudades: una que cambia constantemente y otra que se mueve desde una cotidianidad más estable.

Encontrar un balance entre las dos energías es algo que me inspira muchísimo. Esa mezcla de funcionalidad, permanencia y actitud es muy Louisonce.

Si pudieras invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
Me encantaría hacer algo con Willy Vanderperre. Me interesa su lenguaje visual, esa manera de construir imágenes que se sienten crudas, intensas y casi incómodas.

Imagino una sesión en La Baja, lejos de un set demasiado producido. Una carretera, desierto, mar, paisajes increíbles y un grupo de personas con personalidades muy distintas. Llevar el universo western a un lugar más oscuro, más editorial, menos obvio.

Algo que no parezca una campaña tradicional, sino un mundo al que te gustaría entrar.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia de Louisonce?
Casi todo empieza con una obsesión visual. Una imagen, una textura, una prenda vintage, un evento o algo que vi en la calle y que se me quedó grabado.

Después viene el proceso de mezclar, probar y ver hasta dónde se puede llevar esa idea. Me gusta que haya espacio para equivocarse y que las cosas no estén completamente resueltas desde el principio.

Creo que esa libertad, ese punto de improvisación, es bastante Louisonce.

Si Louisonce fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Louisonce sería una mezcla entre Baja California Sur y Ciudad de México. Un poco de desierto, mar, un poco de caos, coches, música, vintage y gente que no está intentando parecerse a nadie.

Si fuera un disco, probablemente sería algo que mezcla rock, house, música latina y algo de R&B. Algo que no sabes exactamente dónde acomodar, pero que reconoces en cuanto empieza a sonar.

Louisonce no tiene un solo concepto. Tiene una actitud.

Luis Díaz
Founder, CEO & Creative Director
instagram.com/louisonce

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How was this song born: with an image, a phrase, a melody… or something else?
Gavrielle and I were writing songs one day, and as happens a lot in those situations, our hang turned into a bit of a therapy session. We were talking about the difficulties of being in relationships while also being artists, and Gavi brought up this song she was working on that was about just that. She sang some of it for me, and it made the hairs on my arms stand up straight. I knew we could make something amazing out of it, and so Secrets was born that day.

Who worked or collaborated on this song and how did they contribute to its creation?
After Gavi left, I ended up doing another session with my production partner Fabian, where we fleshed out the production on the song. The song is quite melancholic, but I was excited to give the song a hopeful feeling with the instrumentation. I’m a true escapist when it comes to music, and so anytime I can paint a vibe that allows people to leave their mental space and escape somewhere else, I feel like I’ve accomplished something. I always think about songs from those types of cinematic angles.

How long did it take to take its final form?
Years! The demo sat virtually unlisted through the end of COVID. When I was looking at putting a new record together last year, I was going through older demos and came across this one, and it just blew me away. For the life of me, I can’t understand what led me to shelve it a while back (bad advice maybe!), but hearing it with fresh ears immediately revealed to me how special the song was.

Is there any direct reference or influence (another song, book, movie) that is present in this song?
I’m not sure if this was true for Gavi, but for me I was touring a lot at the time, and the song became a lens to look at a relationship where the partners don’t see much of each other. I had been reading a lot about early yacht racing history, where many of the deliveries of the boats took place on longer ocean voyages, and it just had me thinking about being away from loved ones for prolonged periods. “Would you love me anyway?” feels so full of sadness and hope at the same time the way Gavi sings it, and I just think about those sailors far out at sea wondering the same thing.

What other songs or projects are coming up next?
I’m right in the middle of an album rollout! There are at least five more singles to come over the next handful of months, and hopefully at the end you’ll hear a complete album to go along with them. I’m back and will be touring again soon as well, which I’m really excited about!

Which composers, musicians, bands, producers, and studios would you like to collaborate with in the future?
So many, but honestly I’m always on the hunt for someone I haven’t discovered yet. That’s the dream. But to answer your question, Alan Braxe or Fred Falke. Goldroom wouldn’t exist without the music they made.

Goldroom
Artist : Songwriter : Producer : Sailor
instagram.com/goldroom

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¿Cómo nació este proyecto y qué lo hizo diferente desde el principio?
No se trata de ocupar el sitio, sino de escucharlo. ¿Cómo lograr capturar la belleza de lo que nos rodea y al mismo tiempo otorgar refugio en un entorno natural? Casa G nace no como un objeto colocado sobre el terreno, sino como una pieza que emerge de él, casi en silencio, en lo más alto de una pendiente pronunciada en el desierto de Sonora, donde la tierra se quiebra y la luz lo define todo; una arquitectura que no se posa sobre el paisaje, sino que busca integrarse a la topografía y formar parte de la misma, diluyendo los límites entre el exterior y el interior. Desde ese punto, la vivienda se posiciona para observar, enmarcar y habitar el contexto. Cada espacio funciona como un encuadre: un fragmento del paisaje contenido entre muros de concreto, acero y vidrio. El exterior no rodea a la casa; la atraviesa.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutan más quienes forman parte?
El proceso de diseño se disfrutó muchísimo en el despacho; desde el comienzo del primer trazo teníamos un concepto claro y exploramos varias ideas hasta llegar a una síntesis que abarcaba todo lo que queríamos proyectar, siendo el sitio uno de los factores más determinantes a valorar.

En la construcción es distinto, es un desarrollo más complejo donde las dificultades hacen que el resultado final proporcione una satisfacción peculiar. Específicamente, uno de los momentos más gratificantes para todo el equipo es la revelación de la honestidad material: cuando se retiran las cimbras y el concreto aparente queda expuesto por primera vez. Es un instante casi ritual en el que la arquitectura se desnuda; cada imperfección, veta y textura de la madera queda grabada para siempre en la estructura, contando la historia de su propia fabricación artesanal. Creemos que esos “errores” le otorgan carácter y sentido humano a la edificación. Disfrutamos enormemente ver cómo la luz del desierto incide sobre estas superficies crudas a lo largo del día, transformando el espacio a través de un juego constante de sombras, introspección y silencio. Y claro, es un privilegio poder visitar la casa estando ya habitada: presenciar cómo cumple su cometido es una gratificación que nos llena de orgullo.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
La propia complejidad de construir en lo alto de un cerro dotó de identidad al proyecto, pues la solución a este desafío nos llevó al resultado final. La construcción se realizó con respeto absoluto por el sitio: se evitó el ingreso de maquinaria pesada en las zonas más altas para preservar la vegetación existente. El acceso a la vivienda se da a través de una escalinata formada con las piedras extraídas del propio terreno, reutilizadas a lo largo del proyecto como un gesto de continuidad entre la arquitectura y la memoria material del lugar.

En el ámbito del diseño, gestionar el confort térmico y la privacidad sin sacrificar la conexión visual con el exterior fue un reto complejo. El sol de Sonora puede ser implacable, lo que nos obligó a replantear la envolvente del edificio e implementar vidrio reflectante en puntos clave. Este material funcionó como solución técnica y conceptual: actúa como un escudo térmico y, al mismo tiempo, altera la percepción del objeto arquitectónico. De día, la casa se disuelve al reflejar las rocas y el cielo; de noche, se transforma en una linterna cálida de refugio. Más que una casa, este proyecto propone una forma de habitar el paisaje donde la crudeza de la materia, la luz, el silencio y las vistas panorámicas construyen una experiencia cotidiana íntima y profundamente conectada con el desierto.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Nos sigue guiando la búsqueda de una arquitectura esencial, desnuda de artificios y profundamente ligada al tiempo. Nos obsesiona la permanencia material y la sencillez de un proyecto bien logrado; como siempre menciona mi papá: “Lograr la difícil sencillez”. Sin embargo, la brújula que hoy dirige nuestra práctica no viene solo de la arquitectura, sino de una costura interdisciplinaria que abarca desde la conceptualización de un espacio hasta la creación de mobiliario, así como la capacidad del arte para evocar melancolía y contemplación. Creemos firmemente que el espacio debe despertar emociones, y esa premisa rige cada proyecto que entra al despacho.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira la dualidad entre la contención formal y la fuerza del territorio, el despertar emociones por medio de lo que proyectamos y el respeto por el contexto existente. Admiramos la obra de arquitectos como Barozzi Veiga, Macias Peredo o Aires Mateus. Actualmente estamos leyendo un libro de los textos completos de Luis Barragán (que compramos hace poco en la librería Artlecta en Guadalajara) y nos recuerda constantemente la importancia de la introspección, el manejo del silencio y el respeto por el paisaje. En el plano nacional contemporáneo, nos emociona mucho la honestidad material e identidad de estudios como Taller Héctor Barroso, Manuel Cervantes y HW Studio, además del trabajo interdisciplinario de Héctor Esrawe.

Más allá de la arquitectura, nos inspira el trabajo de firmas y personajes como Draga and Aurel, Siete Studio, Henry Timi, o marcas de ropa como Lemaire, que manejan un minimalismo exquisito con alta innovación. En el arte, nos conmueve la obra de artistas jóvenes como David Troice con su manejo del acero, o Fuentes de María y Raúl Campos con una pintura que evoca melancolía, anhelo y contemplación. A una escala más íntima, ver la pasión y disciplina de mi hermano en su clínica, el esfuerzo y autenticidad de mi hermana en su joyería, la dedicación de mi esposa y sus hermanas en sus negocios, y el empeño de mis amigos en sus proyectos, es algo que me motiva diariamente a dar ese extra.

Al mismo tiempo, miramos hacia el norte con la estética nórdica y su capacidad de resguardo frente a entornos hostiles. Casa G nace de ese cruce: un refugio compacto de concreto visto en el desierto de Sonora que busca permanencia material y formal sin intentar dominar la geografía salvaje.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
Armaríamos un encuentro transdisciplinario y atemporal en el sitio. Invitaríamos al artista visual Olafur Eliasson para intervenir las fachadas con las propiedades ópticas del vidrio reflectante, logrando que el volumen de concreto se disuelva temporalmente en el cielo del desierto. En los patios de tierra, invitaríamos a Joan Miró a diseñar una de sus esculturas abstractas en forma de fuente; el contraste cromático de sus azules y rojos primarios rompería de forma hermosa con la sobriedad del acero crudo y el hormigón, sumando el sonido del agua en medio de la aridez.

Para terminar, nos sentaríamos a tener una sesión de sobremesa con Ernest Hemingway. Su vida intensa y bohemia, sumada a su búsqueda de una escritura directa y sin adornos (muy similar a nuestra búsqueda de una arquitectura desnuda y esencial), sería el cierre perfecto para discutir sobre la belleza de habitar los límites de la naturaleza hostil acompañados de un buen coñac o un martini.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia del proyecto?
El ritual que define el proyecto es el tránsito entre el cobijo y la contemplación, una coreografía dictada por la topografía. Al no resistir la pendiente, la casa obliga a experimentar constantes secuencias de interior y exterior. El habitar cotidiano se convierte en un vaivén: pasas de la masa protectora y la sombra controlada del concreto en el área social, a la apertura absoluta en los patios, las terrazas o la tina al aire libre. Es un recordatorio constante de que estás en el desierto, pero resguardado por la materia cruda. El detalle que se repite es la materialidad del concreto y el vidrio (en ocasiones espejo) que recorren la obra como un marco que captura el desierto para poder admirarlo y vivirlo.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Una región / territorio: La región alrededor de la cascada Seljalandsfoss en Islandia. Cabañas integradas en medio de la naturaleza salvaje que logran una dualidad entre el entorno indómito y una creación humana práctica y sofisticada que responde a un clima extremo. Casa G comparte ese espíritu: un trazo limpio y compacto que funciona como un refugio cálido frente a una naturaleza indómita.

Un libro: Ficciones de Jorge Luis Borges, específicamente por su juego con los laberintos de la percepción y su fascinación por los espejos. El vidrio reflectante de la casa funciona como un dispositivo borgeano: no te muestra el interior del edificio, sino que te devuelve duplicados de la vegetación, las rocas y el firmamento.

Un disco: Un punto intermedio entre la nostalgia acústica de Guitarricadelafuente y el rock artesanal de Leiva. Música construida desde la honestidad de los materiales crudos (las guitarras, las maderas), sin artificios ni sobreproducción. La materialidad de la casa (acero, concreto aparente y vidrio) se siente artesanal, honesta y profundamente ligada a la tierra.

Alex Rodríguez
Arquitecto Líder y Proyectista en Arq Arq Building Ideas
instagram.com/alexerodriguezq

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What pieces or projects have you been working on lately?
I recently curated an exhibition of 14 artists, including myself, at a historic gallery located high on a cliff above the Pacific Ocean on the south coast of Sydney, Australia. The show was titled Familial, and each artist was invited to consider how connections and creative influences are passed between people through family, friendship, and memory. I wanted to look at how relationships with family members and friends can shape who we are and how we create things. Some of the artists collaborated directly with family members or close friends, while others reflected on the people and experiences that have influenced them.

It was a moving and beautiful exhibition featuring really diverse artwork. For my own work, I created collages and then had my uncle paint on them. I also made other collages using drawings and paintings made by my own children.

What did you learn (or unlearn) while working on it?
I learned that everyone has a different and important story to tell when it comes to family and how they are influenced by the people in their lives. I also learned to trust other people. This was the first time that I had curated an exhibition of this size. I had to trust myself and my decisions, but also allow the artists time to put in the work and come together to help me produce the exhibition as a collaborative experience.

What words, ideas or emotions were running through your head?
Connection, Family, Trust, Collaboration, Old, New.

I thought a lot about my father, John Tierney, who passed away one year ago, and my uncle, Kevin Tierney, who I collaborated with on this exhibition. Both men were influential in my creative practice in different ways growing up. I also thought a lot about the influence I now have on my own children, and the inspiration they give me in my art making and my life.

I was nervous because I generally like to do everything myself and I find it hard to ask for help. But in the end, I felt good that I had put my trust into the show and the artists. Everyone made such amazing work and was supportive of me and the ideas I had. I was grateful and felt a lot of pride in myself and in all the artists who contributed such beautiful and thoughtful pieces.

Were there any conversations, movies, music, or books that made their way into that work?
There were lots of conversations at the start of the process between me and my wife, who helped me conceptualise the exhibition. Later, my friend and artist Lily Guest helped organise all the social media promo and pick a couple of key artists for the show. She played a big part in how the exhibition came together, and in helping me feel confident it would be good.

There is always music playing when I’m working. Lately it’s been a Mexican group called Karen y Los Remedios.

Books played a role too. I cut up and collaged books for my own artworks, of course. But books also featured in one of the standout artworks. An interactive piece by two young women was made up of a couch and a big organic floral sculpture. Visitors could sit on the couch, grab one of the books scattered nearby, and read as if they were at home. For them, it was their way of connecting to family.

What’s been the most difficult thing you’ve faced recently in your creative process?
Probably finding enough time to dedicate to my practice. I have two young children, and it is a balancing act between allowing time for my children and my family, as well as feeding my own passions and inspirations to want to create artwork all the time. I believe I’m in a place where the two live in harmony and in support of each other. I don’t think I could have one without the other anymore. But it is not an easy process.

What is your favorite coffee shop and why do you like going there?
There is a coffee shop close to my house, Black Market. It’s on the way to the beach and they make a very strong coffee. I drink a lot of coffee, and always strong. I like this coffee shop because it reminds me how lucky I am to live where I do. Most of the time people look like they’ve just come from the beach or are on their way to the beach. The staff are friendly and the barista knows how I like my coffee.

If your life were a movie this month, what would it be called and who would write the soundtrack?
The movie would be called Out of Time, because lately I’ve been juggling a ton of projects alongside family life, waking up and working super early just so I can get things done. Honestly, though, I wouldn’t have it any other way. Whenever I have a spare moment, I make the most of it and get to the beach or am surrounded by nature.

The soundtrack would have to be by Nick Cave and Warren Ellis, just because they are my favourite musicians. But also, they write great music for film. For example, The Proposition, The Assassination of Jesse James, The Road, and so many more.

Which studios, laboratories, or workshops have you collaborated with recently or would you like to collaborate with in the future?
For this group exhibition, I collaborated with Lily Guest. She runs a virtual gallery space called The Guest Gallery. We have only known each other about a year, but in that time, she has helped me with my own solo exhibition in February 2026, and she has invited me to be part of her own group exhibitions. I would say we have become friends, but also, I like to work with her because she is really motivated and professional. As I mentioned, I find it hard to put trust in other people to get things done the way that I would do it myself. But from the moment I met her, I could tell she was someone who can get things done and do them with care and style.

Recommend one or more artists you follow who inspire you, and tell us what you like most about their work or their way of working.
I’d like to recommend two artists who inspire me. One is a young woman named Giovanna Smith. She is a recent graduate of art at the university near here. She paints beautiful images of her family from old photographs. She is inspiring purely for her positive energy and motivation. It’s really refreshing to see someone at the start of their career working hard and achieving great things already.

The other artist is Simon Welsh. He is a collage artist and a friend. We are both supported by Sydney Collage Society and have exhibited in group shows together. He is someone I have watched transform over the last five years or more. He makes powerful collages that challenge viewers’ perspectives, which I like to do in my own work. Lately, he has been receiving some well-deserved recognition within the international collage community.

Steve Tierney
Mixed media artist and designer working mainly with collage. His artworks are refined and minimal, generally figurative, and made from just a few images sourced from vintage magazines, photo journals, or original photography.
instagram.com/steve__tierney

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¿Cómo nació este local y qué lo hizo diferente desde el principio?
Café d’l Árbol nació de una idea que comenzamos a imaginar años atrás entre Canek y yo, Gerardo, que somos primos: crear un pequeño carrito de café y colocarlo en nuestra propia colonia. La idea quedó en pausa durante un tiempo, hasta que Canek decidió retomarla junto con Luis, quien se integró como socio al proyecto.

Poco a poco comenzó a tomar forma el carrito, pensado para moverse manualmente y formar parte del espacio cotidiano de la colonia.

Mientras Canek y Luis trabajaban en hacerlo realidad, yo comencé a construir su identidad visual y de marca. Desde el principio decidimos no definirlo todo; queríamos que la marca pudiera encontrar su personalidad conforme conocíamos a la gente y entendíamos nuestro lugar.

El nombre surgió de manera muy natural: el carrito está instalado en una jardinera, debajo de un árbol, y además vivimos en Circuito del Árbol, dentro de Fovissste. Todo terminaba apuntando al mismo nombre. Así comenzó Café d’l Árbol a principios de 2026, literalmente desde nuestra colonia y bajo un árbol.

¿Qué parte del día, del espacio o del proceso creativo disfrutan más quienes trabajan aquí?
Las tardes tienen algo especial. Por las mañanas vemos muchas de las mismas caras, pero normalmente todos estamos dentro de la rutina: camino al trabajo, con prisa, por un café y a seguir el día. Por la tarde el ritmo cambia. La gente regresa del trabajo, llega a casa y puede simplemente caminar unos metros para encontrarse con una pequeña barra de café dispuesta a recibirla.

Algunos vecinos terminan sentándose a conversar con el barista o con Canek, contándonos cómo estuvo su día o simplemente hablando de cosas cotidianas. Para nosotros esa es una de las partes más especiales: el café deja de ser solamente algo que servimos y se convierte en un pequeño punto de encuentro.

Si alguien llega por primera vez, ¿qué es lo que no debería perderse?
Más que algo específico del menú, creemos que debería darse la oportunidad de quedarse un momento. Es un espacio abierto donde puedes sentir la corriente de aire, ver caer el atardecer y sentarte bajo la sombra del árbol mientras tomas un café. Puedes platicar con quien te acompaña, conversar con nosotros o simplemente estar.

No tratamos de entretenerte ni de llenar cada momento con algo; solo queremos ofrecerte una pausa dentro de lo cotidiano. Si decides quedarte y acompañarnos un rato, probablemente ahí entiendas mejor lo que es Café d’l Árbol.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
El arranque fue probablemente nuestra primera gran prueba. Canek lideró prácticamente toda la construcción del carrito y muchas cosas las fuimos aprendiendo sobre la marcha. Al principio parecía casi una broma: solucionábamos algo y uno o dos días después aparecía otro problema. Se descomponía alguna parte del carrito, fallaba la máquina o surgía algo que nos obligaba nuevamente a detenernos.

A eso se sumaron periodos de ventas bajas propios de un negocio que apenas comenzaba. Canek tuvo mucha constancia para resolver cada problema, mientras Luis y yo tratábamos de mantener el ánimo y seguir avanzando. Viéndolo ahora, esa etapa nos enseñó paciencia, capacidad para adaptarnos y, sobre todo, que realmente queríamos continuar con el proyecto incluso cuando las cosas no salían como esperábamos.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Hay una idea que cada vez guía más lo que hacemos: volver a lo sencillo. En Tijuana hemos visto crecer muchísimo la cultura del café y, con ella, ciertas tendencias que hacen que muchos espacios compartan estéticas, bebidas, formas de comunicar y dinámicas similares. Nosotros nunca sentimos la necesidad de competir desde ese mismo lugar.

Por nuestra ubicación, nuestra gente y la manera en que nació la marca, entendimos que podíamos tomar otro camino: hacer bien las cosas simples. Servir un buen café, recibir bien a las personas y construir un lugar donde puedan coincidir vecinos con edades, trabajos, gustos y realidades económicas distintas.

Nos interesa que el diseño y la cultura del café no se conviertan en una barrera para nadie.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspiran mucho los vendedores ambulantes que forman parte de la vida cotidiana de una colonia: quien pasa vendiendo tejuino, nieves, tamales o pan. Crecimos viendo este tipo de comercio y, de alguna manera, sentimos que nosotros también somos parte de eso.

Somos un carrito en tu colonia que te ofrece algo tan cotidiano como una taza de café. Lo que hemos intentado hacer es poner el foco en esa experiencia y contar la historia que existe alrededor de ella. Por eso documentamos nuestros eventos, las visitas y a nuestra gente a través de fotografía y video.

Nos interesa mostrar de una manera visualmente atractiva algo que en realidad es muy sencillo y que muchos mexicanos, y particularmente muchos tijuanaenses, conocemos desde siempre: salir de casa y encontrarte algo bueno a unos cuantos pasos.

Si su espacio pudiera invitar a alguien a colaborar por un día, ¿quién sería y qué harían juntos?
Probablemente no invitaríamos a una sola persona. Nos gustaría compartir el espacio con una michoacana, una fondita, una cerería o alguien que prepare comida propia; pero también con artistas, pintores, fotógrafos, músicos, bailarines, corredores o ciclistas.

Nos interesa la gente que está haciendo cosas desde su propia comunidad. De hecho, algo de esto ya sucede en un evento que hacemos y llamamos Bazar de Colonia, donde reunimos distintos proyectos en un mismo lugar. Nuestra colaboración ideal sería justamente eso: juntarnos, compartir lo que cada quien sabe hacer y crear un espacio de convivencia y comercio local alrededor del café.

¿Hay algún objeto, rincón o detalle del lugar que tenga una historia que pocos conocen?
Hay algunos detalles escondidos dentro de nuestra identidad que vienen directamente de nuestra familia. Canek y yo somos primos y, curiosamente, ambos compartimos también el nombre Antonio. Por eso Antonio es una de las tipografías principales de nuestra identidad; es un detalle muy sutil que probablemente nadie notaría sin conocer la historia.

También tenemos un logotipo alternativo cuya forma recuerda a un árbol de guayabas de nuestra abuela. Nunca quisimos que estas referencias fueran demasiado evidentes; simplemente fueron pequeñas maneras de dejar algo de nuestra historia familiar dentro de Café d’l Árbol. Hasta en la identidad gráfica hay pequeñas raíces que vienen de casa.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Sería difícil convertir Café d’l Árbol en un solo disco. Sería más bien la música que puedes escuchar caminando por una colonia. En una casa pueden estar sonando Los Cadetes de Linares, Ramón Ayala o Los Tucanes de Tijuana; unos metros después Maná, Enanitos Verdes o Hombres G; y en otra, Michael Jackson, Juan Gabriel, Rocío Dúrcal, cumbia o sonidero.

Esa mezcla representa bastante bien lo que sucede aquí. Conviven personas de distintas edades, gustos y contextos, y cada una trae consigo una parte de su mundo.

Si Café d’l Árbol fuera música, sería la playlist de una colonia entera: diversa, un poco impredecible y familiar al mismo tiempo.

Gerardo González
Director creativo de Café d’l Árbol
Café de colonia, sin tanto rollo
Tijuana, México
instagram.com/cafedlarbol

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¿En qué piezas o proyectos has estado trabajando últimamente?
Este año estoy acompañando y documentando el proceso de algunos artistas. Vengo de un año de cubrir muchos shows en digital, con ediciones más exageradas, pero de a poco fui mutando hacia coberturas más sobrias e íntimas, buscando intervenirlas lo menos posible.

¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Pienso mucho en algo que nos enseñaba Nacho Arnedo: respetar y leer los momentos de un backstage. Construir la confianza necesaria para capturar la intimidad de esos espacios lleva tiempo y no se puede apurar.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
Todavía me da cierta ansiedad invadir el espacio ajeno, así que intento pasar desapercibida. A la vez, me emociona mucho: desde que empecé con la fotografía, acompañar a artistas desde este lugar siempre fue mi ideal.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Estuve leyendo la biografía de Los Piojos por su archivo, y sigo de cerca la cobertura del tour de Lorde (ULTRASOUND). También vi bastantes documentales de música, como el show de despedida de LCD Soundsystem en el Madison Square Garden, y videoclips de Talking Heads.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Estoy buscando aprender a adaptarme a cada artista sin perder mi mirada.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Cofi Jaus en Colegiales. Inconscientemente adopté su segundo piso como mi lugar para destrabar proyectos cuando no puedo pensar en casa.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
Hoy trabajo con artistas que antes veía como fan, llevando mi cámara analógica, y con proyectos de amigas que conocí fotografiando, como Manu Martínez, Paula Prieto y Josefina Armendariz. A futuro me encantaría cubrir un tour internacional, y mi colaboración soñada sería con Lorde.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Sam Penn por su trabajo en el tour de Lorde usando varios formatos, Nacho Arnedo por sus coberturas de camerino, y Fran Bray por cómo retrata la energía del under de Buenos Aires.

Juli Pietrowski
Fotógrafa de Buenos Aires, principalmente de recitales y música.
instagram.com/julipietro_____

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¿Cómo nació este proyecto y qué lo hizo diferente desde el principio?
La idea de FM nace de dos motivaciones: nuestra curiosidad por explorar nuevos formatos para visibilizar la tipografía en lugares no especializados, donde más personas conozcan el trabajo y talento detrás de su creación y producción, y de nuestra experiencia gestionando eventos de divulgación de diseño y tipografía.

Lo que lo hace diferente es la manera monumental y en movimiento como se planeó hacer la instalación. Usualmente, la forma como se muestran letras y tipografía en una exposición es en formato impreso. Sin embargo, nosotros queríamos que la base de la exhibición fuera mostrarlas en movimiento y a gran formato.

¿Qué momento o parte del proceso disfrutan más quienes forman parte?
La libertad creativa. Nosotros teníamos muy claro cómo nos imaginábamos Fonts in Motion: letras en movimiento, habitando el espacio y mostrando la diversidad del trabajo y talento de los artistas y diseñadores participantes. A partir de ese parámetro, el desarrollo creativo de las animaciones y las interfaces paramétrica e interactiva tenían libertad para crear su propia versión de eso que imaginamos.

¿Cuál ha sido un desafío interesante que los haya hecho replantearse algo sobre el proyecto?
Originalmente, Fonts in Motion surgió como la idea de un monolito tipográfico emplazado al centro de la Plaza Legorreta. Eventualmente, creció y cobró dimensiones más grandes de las que imaginamos inicialmente, lo cual nos demandó diversificar aún más los contenidos para que no fueran aburridos y poder aprovechar al máximo las tres pantallas con las que quedó la pieza final.

Cada pantalla mide 6 × 3 metros y cada una muestra contenidos distintos. En la primera, motion graphics y kinetic type a cargo de unFormat; en la segunda, Monodata muestra el catálogo de tipografías participantes, modificadas paramétricamente en una interfaz autogenerativa; y en la tercera está Body Type, una aplicación interactiva con Kinect desarrollada por Sampler Nena.

Desde un inicio queríamos que las animaciones estuvieran sincronizadas con la música, pero para optimizar los tiempos de producción y concentrar los esfuerzos en las animaciones, decidimos no hacerlo y así no desgastar las tarjetas gráficas, que tienen un esfuerzo proyectado de 100 horas encendidas durante los 10 días que durará la instalación.

¿Qué influencia, idea o referencia sigue guiando lo que hacen hoy?
Hemos admirado a referentes globales como Neville Brody o PENTAGRAM por el desarrollo de sus ideas. Pero también consideramos relevante la influencia latinoamericana, como Piedra Tijera Papel en Colombia, por hablar dentro del contexto que atañe a México. Para Fonts in Motion nos imaginamos cómo sería el DEMO Festival si se hiciera en México y con un enfoque en la tipografía y las letras.

¿Qué lugar, proyecto o persona los ha inspirado últimamente y por qué?
Nos inspira vivir fuera de Ciudad de México, en Cholula de Rivadavia, una población a dos horas de la capital, en donde hemos encontrado nuevas formas de hacer amigxs y de crear, sin que dependamos de relacionarnos a través de nuestra profesión o el oficio, sino legítimamente desde las curiosidades y temores que nos atraviesan como personas.

Si pudieran invitar a alguien a colaborar en una sesión o encuentro, ¿quién sería y qué harían juntos?
Invitaríamos a Christian Schwartz, de Commercial Type, para establecer una conversación sobre el alcance del signo escrito en la vida cotidiana de las personas y el impacto de su trabajo en la cultura visual actual, además de incluir una muestra de su catálogo tipográfico más representativo.

¿Hay algún ritual, dinámica o detalle que se repita y que defina la experiencia del proyecto?
Es una instalación site specific 360º para navegar sin inicio ni fin. El espectador debe involucrarse y curiosear el espacio y sus contenidos. Consiste de tres pantallas dispuestas en triángulo sobre la Plaza Legorreta, cada una usando las tipografías de nuestros lxs participantes, pero con despliegues distintos en combinaciones infinitas: kinetic type y motion graphics en una, código autogenerativo en otra, y la tercera, y más lúdica, es interactiva, en donde las tipografías cobran corporalidad según el número de participantes por medio de un Kinect.

Si este proyecto fuera una ciudad, un libro o un disco, ¿cuál sería y por qué?
Ya es toda una discografía en sí misma. Façade Electronics es partícipe de la instalación, sonorizándola con su catálogo completo de 45 álbumes y 5 samplers compilatorios. Si fuera una ciudad, sería el país de las Ciudades invisibles descritas por Marco Polo en la obra de Italo Calvino. Si fuera un libro, sería un espécimen tipográfico de varios tomos en donde la tinta se reescribe siempre.

Natalia Gómez y Miguel Escamilla
Directores de FM (Fonts in Motion)
A kinetic type initiative inhabiting space
fontsinmotion.xyz

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