¿Qué aprendiste (o desaprendiste) mientras trabajabas en ello?
Me sorprendió darme cuenta, mientras la pintaba, de lo seria que he estado en el último año o dos, y con estas piezas aprendí a volver a divertirme pintando. No podía parar de pintar y, honestamente, podría haber hecho como cuatro exposiciones completas, simplemente la estaba pasando increíble.

¿Qué palabras, ideas o emociones te rondaban la cabeza?
El trabajo en esta exposición es una carta de amor a Nueva York, que fue mi hogar antes de mudarme al Reino Unido. Cada pieza gira en torno a un recuerdo específico en un lugar específico de la ciudad, así que estuve pensando mucho en Nueva York, en mis recuerdos y en el concepto de hogar.

¿Hubo alguna conversación, película, música o libro que se haya colado en ese trabajo?
Una de las piezas se llama “Gershwin at the Philharmonic”, que, como es de esperarse, trata sobre uno de mis conciertos favoritos al que asistí en la Filarmónica de Nueva York, donde interpretaron Rhapsody in Blue. Escuché a Gershwin mientras la pintaba, y creo que eso se puede sentir en la obra terminada.

¿Qué fue lo más difícil que has enfrentado últimamente en tu proceso creativo?
Lo más difícil a lo que me enfrenté al pintar esta exposición fue el tiempo. Tengo un bebé que tenía entre cuatro y ocho meses mientras trabajaba en estas piezas, y tenía que despertarme temprano para pintar antes de que alguien más en la casa estuviera despierto. Ser artista y también madre requiere mucha flexibilidad y determinación.

¿Cuál es tu cafetería favorita y por qué te gusta ir ahí?
Mi trabajo es muy solitario, así que con los años he llegado a depender de las cafeterías para salir del estudio. Por eso tengo un gran amor y aprecio por ellas, y una lista de favoritas de las ciudades en las que he vivido. En Nueva York, mi favorita es Sensuous Bean en el Upper West Side; es el lugar con el olor más increíble del mundo. En York, Inglaterra, mis cafés favoritos eran Partisan, Stanley & Ramona y The Pig & Pastry. Aquí en Londres voy a la de mi barrio, que se llama Momentum.

Si este mes tu vida fuera una película, ¿qué título tendría y quién haría el soundtrack?
Si mi vida este mes fuera una película, el título sería “Empire State of Mind” y el soundtrack sería una mezcla medio cursi de todas las canciones famosas sobre Nueva York: Jay-Z, Lou Reed, Billy Joel, Frank Sinatra.

¿Con qué estudios, laboratorios o talleres has colaborado recientemente o te gustaría hacerlo en un futuro?
A principios de este mes terminé una colaboración con una empresa maravillosa llamada PerfumerH aquí en Londres. Lyn, la dueña, es una perfumista increíble, con una comprensión finísima de su oficio. Pinté dos piezas que funcionan como visuales para su fragancia “Ink”, unas pinturas en azul profundo con remolinos. Me encantó el reto sinestésico de crear una representación visual de un aroma.

Recomiéndanos uno o más artistas que sigas, que te inspiren, y dinos qué es lo que más te gusta de su trabajo o de su forma de trabajar.
Hay muchísimos artistas cuyo trabajo admiro profundamente, y a demasiados solo los conozco en línea, así que aquí mencionaré a algunos que tuve la oportunidad de conocer en persona el mes pasado. Florence Houston es una pintora maravillosa con un gran sentido del color. Su trabajo está muy bien construido, pero también lleno de juego. Nancy Nicholson es una artista textil cuyas piezas elegantes me hacen sentir en calma y conectada con la tierra de una forma muy bella y aterrizada. Laxmi Hussain es una pintora cuyos retratos de maternidad en azul vibrante son a la vez contundentes y suaves. Sophie Sellu es escultora y trabaja la madera, creando brochas y objetos refinados y elevados con un estilo que parece tener un lenguaje propio.

Cat Spilman

Artista británica nacida en Estados Unidos que vive y trabaja en Londres. Sus pinturas, compuestas por bucles, son autorretratos abstractos que abordan temas como la distancia, la pertenencia, la maternidad y el feminismo.

www.instagram.com/catannedunlea

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What was the creative process of this piece, from the origin until it was finished?
I stretched and primed the canvas, then started by drawing a border with black crayon. That always makes me feel like I’ve set the stage for the piece. I’ve been playing with wider brushes to see what kind of texture I can get in the brush stroke, and this piece was one where I was really enjoying the movement of the lines and their relationship to each other.

What were your references, influences or inspirations during your creative process?
I try not to think of anything too specific when I paint, or to have anything designed in advance. If I try to paint with a specific outcome in mind the pieces inevitably lose their energy.

I was very happy that the person who bought it commissioned a second piece to go with it – one for each of his children. I thought it was a lovely idea. Art is such a meaningful gift and one that can be passed down from generation to generation.

What did you enjoy the most about the process?
Realizing that my painting could still feel organic and interesting with straight lines and hard edges.

What was the hardest thing for you and how did you solve it?
The most difficult thing with these brushes is achieving a consistently saturated line. I want the brush marks to have life and energy and not be flat, solid lines, but I also want them to be strong and sturdy.

Cat Spilman

Artista británica nacida en Estados Unidos que vive y trabaja en Londres. Sus pinturas, compuestas por bucles, son autorretratos abstractos que abordan temas como la distancia, la pertenencia, la maternidad y el feminismo.

www.instagram.com/catannedunlea

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